Tecnología

El papel del papel

Paper and cardboard: a curated selection of projects regarding this topic.


El debate sobre si los libros y en general lo impreso va a desaparecer no es nuevo. Llevamos años hablando sobre si por fin los libros y revistas van a desaparecer o no, sobre si las nuevas generaciones sólo leerán en dispositivos electrónicos que aún están por inventar o si recibir cartas se convertirá en una rareza imposible. También se habla de la inmaterialidad de los productos, de si cada vez nos harán menos falta «cosas físicas» y podremos solucionar muchas de nuestras necesidades cotidianas sin recurrir a objetos.

Independientemente de estas cuestiones, detrás de ese debate está la posible desaparición de un material que consideramos casi exclusivamente vinculado a este tipo de fines: el papel, y su primo hermano, el cartón. Si los libros y publicaciones en general desaparecen, también lo harán el papel, el cartón, las imprentas, los fabricantes de packaging…

Pero… ¿es esto del todo cierto?. El papel no deja de ser otro tipo de material, con sus propiedades, características, posibilidades… quizás el que hasta ahora sólo hayamos pensado en él como soporte de la palabra escrita nos ha limitado un poco en cuanto a buscarle otro tipo de usos.

En esta recopilación que te he preparado encontrarás ideas de todo tipo sobre cómo usar el papel y el cartón, pero sin duda todas son ideas interesantes creadas por personas que han ido más allá de las funciones habituales. Quizás te dé ideas, o puede que encuentres lo que estabas buscando. Sea lo que sea, recuerda: no están todos los que son, pero son todos los que están. Si quieres añadir el trabajo de algún diseñador, ingeniero, artista, etc. que te haya parecido interesante, adelante. Gracias.


Diseño gráfico y de producto


Tokujin Yoshioka es un diseñador japonés del que seguramente ya hayas visto piezas (en este mismo blog, sin ir más lejos). Sus trabajos son poéticos y delicados, pero al mismo tiempo conceptuales y sofisticados. En su trabajo los materiales toman formas de elementos naturales de propiedades muy distintas, como plásticos que parecen agua o pajitas de plástico que parecen nubes. En alguno de sus primeros trabajos creó mobiliario siguiendo las milenarias técnicas orientales de plegado de papel en nido de abeja, como su sillón Honeycomb.

Pero no es el único diseñador o arquitecto que ha hecho sus experimentos con este tipo de materiales. El ultra conocido Frank Gehry -el mismo que diseñó el Guggenheim de Bilbao, si- creó la silla Wiggle Side Chair dentro de su serie Easy Edges de 1972, donde investigó y creó distintas piezas de mobiliario enteramente de cartón. Ahora la edita Vitra, y es una pieza que encontrarás en museos de todo el mundo. Pero no fue su única incursión con este material en el diseño de muebles, unos diez años más tarde lanzó Experimental Edges -que también encontrarás en el catálogo de Vitra- donde el diseño es mucho más escultórico y crudo.

 

Instalación llamada Murmurations realizada por el artista Graypants en la Feria de Diseño de Milán 2015, compuesta por varias lámparas de cartón

Molo es un estudio de diseño canadiense que diseña, produce y vende diversos elementos de mobiliario -algunos de ellos en cartón- versátiles y resistentes que llaman la atención en cualquier estancia. Puedes echar un vistazo en su web y, si quieres y eres afortunado, comprar alguno…

Milimetrado es una marca española que diseña, produce y vende también productos hechos de cartón, en este caso pequeños objetos de mobiliario que simulan perros «casi» de verdad. Sus productos son originales y divertidos.

Cartonlab es otra empresa española -fundada por el estudio de arquitectura Moho Arquitectos- que crea sus propios productos de cartón, pero esta vez con una perspectiva más amplia. Puedes encargarles desde un stand hasta mobiliario personalizado.

La Boombox es un invento del diseñador alemán Axel Pfaender, que imagino será un apasionado de la estética de los viejos reproductores de cassettes que se llevaban en los infames 80, que permite construirte un reproductor de música y radio portátil ligero y muy reciclable para smartphones. La estética es muy chula, hay que reconocerlo, y el sonido no tiene mala pinta. Si quieres saber más, dale al play 😉

Zim&Zou es el estudio de una joven pareja de diseñadores y artistas franceses formada por Lucie Thomas y Thibault Zimmermann que se han especializado en la creación de instalaciones y piezas efímeras de papel, madera, cartón… Aman lo hecho a mano y la versatilidad del papel, que en sus manos adquiere vida propia en esculturas y entornos radiantes de vivos colores que parecen extraídos de un cuento. Han realizado increíbles escaparates para Hermés o portadas para conocidos magazines.

image by http://zimandzou.fr/
image by http://zimandzou.fr/

Eiko Ojala es un diseñador e ilustrador estonio cuyos trabajos suelen estar destinados a medios editoriales. Su dominio del corte y plegado del papel además de la iluminación y composición hacen que sus trabajos tengan un estilo sofisticado, conceptual, simple, poético y muy reconocible.

Images by ploom.tv

Dotmot es un estudio de diseño coreano especializado en gráfico, animación y paper art, al que incluso dedican una sección entera de su portfolio. Entre sus trabajos destacaría la paper camera kit, en el que recrean una cámara fotográfica enteramente en papel, hasta sus más pequeños detalles.

El AgIC es una especie de rotulador especial de tinta plateada cuyas nanopartículas de plata conducen la electricidad y permiten, como puedes ver en el ejemplo, que puedas dibujar directamente circuitos en un papel y crear instalaciones con luz. Te dejo con dos vídeos, el primero es un comercial realizado para la marca Kandenko en el que una ciudad de papel cobra vida y luz gracias a los circuitos creados con esta tinta especial. El segundo es un vídeo en el que explican sus posibilidades. Vía thekidshouldseethis.

YellDesign es un estudio de diseño australiano especializado en stop motion y animaciones comerciales. Entre sus trabajos tienen unos que han sido bastante virales, Paper Meal, en el podrás ver variados y casi apetitosos platos realizados enteramente -cómo no- con papel. No te pierdas su canal en Vimeo, pero te advierto, es posible que te entre el hambre… ¡Ñam!

PAPERMEAL 1 – Penne Meatballs from yelldesign on Vimeo.

Doro Ottermann es una ilustradora alemana cuyo perfil en Instagram está lleno de pequeños seres de papel que juegan entre charcos o parecen ligeramente perdidos con un estilo algo naif. También tiene divertidos stop motion donde juega con lápices de colores y una caja de cerillas, recreando famosos cuadros.

wildthings dresses (blue) from dorobot on Vimeo.

Los popups de Matthew Reinhart son alucinantes, no sólo el resultado, si no también el proceso. En este vídeo podrás ver cuánta técnica y experiencia requieren en realidad este tipo de efectos que puedes encontrar en muchos libros -independientemente de que por estética o por tema estos sean de tu agrado, que ahí ya no entro-. Muy interesante.

Si tienes niños pequeños -vale, y por ti también- no puedes dejar de visitar Mr Printables. En un momento en que el que parece que los niños ya sólo saben -o quieren- jugar con aparatos electrónicos, esta web y las personas que hay detrás creen que con las manos y papel pueden hacerse muchas cosas creativas e interesantes. Además, todo es gratis y especialmente bien hecho. No sé qué mas puedes pedir…

Y como no todo iba a ser para los humanos, la empresa holandesa Poopy Cat ha creado casas en cartón para las mascotas más presumidas y estetas -que no podían ser otras que los gatos, claro-. Pero no son casetas aburridas y anodinas, no. Éstas son reproducciones a escala de los principales monumentos arquitectónicos del mundo. Ahí es nada…


Arquitectura y Espacios


Quizás cuando hayas visto esta sección hayas pensado «vale Belén, que se puedan hacer manualidades con papel o cartón me lo creo, pero casas… como que no». Pues vete dándole una vuelta a lo que creías saber sobre estos materiales, porque se usan en construcción, y no precisamente -o no sólo- en instalaciones efímeras o por arquitectos de segunda.

Wikkelhouse es una casa realizada en cartón en su estructura principal y madera en el exterior. Si, como lo oyes. Mejor dejo que te lo expliquen ellos. Pero no me digas que no tienes ganas de una…

Wikkelhouse from Wikkelhouse on Vimeo.

Pero Frank Gehry, de quien te hablaba antes, no es el único. Shigeru Ban, uno de los arquitectos más famosos del mundo y ganador del premio Pritzker en 2014, ha usado el papel y el cartón como material constructivo en numerosas ocasiones, a  menudo con fines solidarios. Sus estructuras con resistentes tubos de cartón son ampliamente conocidas, puedes leer más sobre ellas en este estupendo artículo de world-architects.

El cartón es un material que también se emplea a menudo en la construcción de elementos de arquitectura efímera, como stands, tiendas pop-up, exhibiciones o exposiciones… a continuación te muestro varios ejemplos de ello, aunque hay muchos más.

OFF THE WALL EXHIBITION DESIGN, by Studio ST Architects with Z-A Studio
Proyecto realizado por Lazerian para la agencia de noticias internacional Bloomberg, preocupada por reutilizar la gran cantidad de papel y cartón que despilfarran a diario en sus oficinas.


Arte


Li Hongbo es un artista de origen chino cuyos conocimientos de arte y técnicas tradicionales chinas de manipulado del papel le han permitido darle un giro inesperado a lo que creíamos que podía hacerse con este material. Es posible que hayas visto algún vídeo de su serie de esculturas «Tools of Study» (2014), en las que anodinos bustos que parecían de pesada escayola revelaban ser en realidad miles de capas de papel unidos con la técnica de nido de abeja, de manera que al manipularlos revelaban su naturaleza. En este vídeo lo verás mejor:

Una de sus últimas instalaciones, Irons for the Ages, Flowers for the Day, muestra preciosas cadenas de vivos colores de lo que parecen ser arco iris de papel, que en realidad son siluetas de diversas armas, en un claro contraste entre la realidad del objeto, la delicadeza del material y los colores primarios, casi infantiles.

images by fubiz.net

Matt Shilian es, como él mismo se describe, un ingeniero del papel. Con un perfil mucho más cercano a la matemática, la ciencia y la ingeniería que otros artistas -lo que es evidente viendo el resultado final de sus piezas- se inspira en la naturaleza y la geometría para crear formas y movimientos en obras que no siempre sabe de antemano cómo acabarán siendo, dejando paso a la curiosidad y cierta improvisación. En su web encontrarás también una amplia selección de vídeos que explican su trabajo o muestran divertidas actividades con niños.

image by www.mattshlian.com
image by www.mattshlian.com

Risa Fukui es una artista japonesa que trabaja revitalizando y dándole nuevos significados al ancestral arte de «Kirie» o cortado de papel creando expresivos retratos o figuras naturales o humanas que parecen trazadas en rotulador o lápiz grueso de color, aunque en realidad estén delicadamente recortadas en papel.

image by http://www.thetreemag.com

Mia Perlman es una artista británica que también trabaja el papel en el campo del arte, con instalaciones, comerciales o no, en las que las dimensiones del papel y su color -a menudo igual que el de la pared- juega con la percepción del espectador.

Como puedes ver, no son pocos los artistas que trabajan con papel, y entre ellos hay muchas mujeres. Quizás sea lo delicado del papel, o quizás en algunas culturas sea un arte tradicional femenino, pero esa parece ser la tónica. Y lo es también en el caso de Donna Ruff, aunque para ella el papel, más que tener un carácter escultural, lo tiene en cuanto soporte con una carga de significados propia pero alterada, tergiversada o aumentada con los diferentes cortes -como cuando utiliza periódicos viejos- o familiar y emotiva -porque sus abuelos tenían una empresa de recogida y reciclado de papel desechado. Como ella dice, desde pequeña se acostumbró a ver trozos de papel y a valorar su uso.

image by huffpost.com

Rogan Brown es otro artista que también hace uso del papel en sus delicadas y etéreas esculturas cuya inequívoca relación con diversas estructuras naturales (micro y macroscópicas) no hace si no aportarles un aura científica y al mismo tiempo irreal, a lo que contribuye el uso casi exclusivo del color blanco. Como podrás imaginar, son piezas que llevan meses de duro y concienzudo trabajo. De lo que no cabe duda es de que son muy bellas.

Creo que Jen Stark fue una de las primeras -si no la primera- artista del papel que captó mi atención. Sus alucinógenas composiciones realizadas con cientos y cientos de capas de papeles troquelados, coloridas como psicodélicos arco iris, juegan con la profundidad, los cortes y dobleces simples para crear piezas muy reconocibles que juegan con tu sentido de la vista -y un posible dolor de cabeza si te quedas demasiado tiempo mirándolas-.

Akira Yoshizawa fue para muchos el mayor maestro y renovador del ancestral arte japonés de origami del mundo, hasta Google le dedicó uno de sus famosos doodles. En este video puedes ver alguno de sus trabajos, y en Emoz puedes leer una biografía sobre él y consultar más datos sobre su vida y trabajo.

La artista japonesa Chie Hitotsuyama, con su colectivo Hitotsuyama Studio, crea imponentes e impresionantes esculturas de papel enrollado -a menudo papel de periódico- que simulan animales o figuras en movimiento. No sólo el nivel de detalle y texturas es increíble, es que además parecen tener una pesadez y densidad que choca con nuestras ideas sobre el papel.

Pero éstos que te muestro son sólo algunos ejemplos de artistas que trabajan el papel. Si el tema te interesa, puedes ver algunos más en este recopilatorio de Bored Panda, tanto de papel cortado o plegado como de origami, incluyendo gente tan conocida como Yulia Brodskaya. También encontrarás libros que muestran el trabajo de diversos artistas y diseñadores en papel, como Paper Play.


Ciencia y tecnología


Éste sí que es un uso fantástico de un material tan económico y fácil de transportar como es el papel o el cartón, sobre todo para aquellos países o entornos donde no pueden acceder a carísimos equipos de investigación y análisis. El biofísico Manu Prakash, de la Universidad de Standford, creó este microscopio basado en la técnica del origami, que con unos pocos cartones y unas lentes permite poder tener un aparato de estas características por sólo un dólar. La idea surgió cuando visitó una clínica en Tailandia, donde su técnicos se sentían intimidados por la cara maquinaria del hospital y apenas se atrevían a usarla por miedo a romperla y no tener más posibilidad de comprar otra. El proyecto, llamado Foldscope, ha sido un éxito por todo el mundo, en su web encontrarás más información. Vía thekidshouldseethis.

Londres es una de las ciudades europeas más antiguas, y de hecho se dice que los sucesivos habitantes y culturas de la urbe han ido dejando un poso que forma capas y capas de historia que podrían excavarse. En esta maravillosa animación realizada enteramente con diversos tipos de papel, el equipo de la revista National Geographic liderado por Hans Weise, Fernando Baptista, y Monica Serrano, recrea las principales escenas de la historia de la ciudad mediante un espectacular uso de los pliegues, cortes y texturas del papel (además de una cuidada iluminación). Te dejo con el vídeo y con el making off. Vía thekidshouldseethis.


Creo que en realidad el bielorruso Aliaksei Zholner debe tener la ayuda de algún topo de gnomo o duende para hacer sus increíbles y diminutas máquinas en papel, porque si no, no puedo entender cómo puede hacer un motor de ocho cilindros enteramente en papel del tamaño de un huevo Kinder. Y funciona. Échale un vistazo al resto de máquinas que tiene en su canal de Youtube, porque hay algunas que realmente te hacen dudar sobre lo que creías que era posible hacer con papel y cartón.

El AgIC es una especie de rotulador especial de tinta plateada cuyas nanopartículas de plata conducen la electricidad y permiten, como puedes ver en el ejemplo, que puedas dibujar directamente circuitos en un papel y crear instalaciones con luz. Te dejo con dos vídeos, el primero es un comercial realizado para la marca Kandenko en el que una ciudad de papel cobra vida y luz gracias a los circuitos creados con esta tinta especial. El segundo es un vídeo en el que explican sus posibilidades. Vía thekidshouldseethis.


El espacio

The space: a curated selection of projects regarding this topic.


No soy científica ni especialista en el tema, pero supongo que una de las primeras cosas que hicieron los homínidos fue mirar al cielo y empezar a hacerse preguntas. En un momento de nuestra historia en la que nuestros antepasados eran aún mucho más vulnerables que nosotros a los desastres ambientales y las variaciones climatológicas, el cielo debía parecerles algo aterrador y al mismo tiempo maravilloso. Quizás por ello las primeras mitologías de las que tenemos constancia fueron creadas a partir de elementos naturales: animales, fenómenos atmosféricos, planetas o estrellas. Desde tiempos inmemoriales el ser humano ha observado el cielo, ha creado mapas del mismo, se ha guiado por las estrellas o ha construido espacios dedicados sólo a su observación. Es tal la fascinación que nos provoca que ha sido morada de dioses o de seres fantásticos desde hace siglos.

Pensar en el espacio nos lleva irremediablemente a lidiar con conceptos tan abstractos y difíciles para nosotros como puedan ser el tiempo, el infinito, la energía o el vacío. No sé a ti, pero a mi me fascina pensar en estas cosas. Me imagino viajando en el espacio y en el tiempo, atravesando agujeros negros o descubriendo otras formas de vida. No soy capaz de concebir nada de esto más allá de lo que mis sentidos y capacidad de imaginar me permiten, y es en esos momentos en los que soy especialmente consciente de que posiblemente nosotros, los seres humanos, somos una suerte de casualidad casi imposible, pero probablemente no la única. No sé si alguna vez tendremos la capacidad o las herramientas para superar estos límites.

Esa fascinación ha sido llevada a cualquier aspecto de la creación humana, desde el arte hasta las películas, pasado por la literatura, la música, la arquitectura o el diseño. Cada autor hace una interpretación personal de las maravillas y misterios que esa inmensidad desconocida puede contener, que puede ser naif, intelectual, terrorífica… Podría decirse que ha llegado un momento en el que la inspiración proviene más bien de los infinitos mundos y formas que nuestra imaginación ha creado inspirándose en el espacio que de lo que realmente sabemos de él.


Ciencia


Empiezo por echar un vistazo a algunas de las cosas que sabemos o podemos ver y oír sobre el espacio gracias a la ciencia, porque después podrás entender mejor el origen de la inspiración de los proyectos que te mostraré a continuación.

Y comienzo con uno de los vídeos más alucinantes que he visto en bastante tiempo, no tanto por el vídeo en sí, si no porque te ayuda a entender la distancia real que hay entre planetas y estrellas en el sistema solar. Estamos tan acostumbrados a ver imágenes en las que los planetas están muy cerca que no es fácil ser consciente de que las distancias y los tamaños son en realidad de una dimensión escalofriante. El vídeo se titula «To scale: the Solar System» y fue realizado por Wylie Overstreet y Alex Gorosh.

To Scale: The Solar System from Wylie Overstreet on Vimeo.

En la web de Faena Aleph encontrarás una selección de vídeos y artículos que, sin profundizar demasiado, nos introducen en diversos temas relacionados con el espacio. Y si hablamos del espacio, hablamos de Carl Sagan, posiblemente el mejor divulgador científico de las maravillas del universo. En este vídeo Carl nos invita a reflexionar sobre lo maravilloso que es el planeta Tierra y lo absurdo que resulta que los seres humanos nos empeñemos en destruirnos no sólo a nosotros mismos, si no al único planeta habitable que conocemos:

Pale Blue Dot – Animation from Ehdubya on Vimeo.

Pero no es único vídeo interesante que encontraremos en esta web, te recomiendo también que le eches un vistazo a éste. ¿Una composición musical «cantada» por Carl Sagan y Stephen Hawking? porqué no. Tiene ya más de 10 millones de visitas en Youtube, y además de un poquito friki, es una estupenda ocasión para reflexionar acerca del momento tan impresionante que vivimos. Nunca antes habíamos podido visitar otros planetas o intuir qué hay más allá de la Vía Láctea…

¿Alguna vez te has preguntado cómo suena el espacio? en teoría a nada, porque al no haber aire no se transmiten los sonidos, pero sí que hay ondas electromagnéticas, y con los aparatos adecuados, éstas pueden transformarse en sonidos audibles por el ser humano. En esta página de la Nasa podrás encontrar algunas grabaciones de planetas o de naves, pero el sonido que más me ha impresionado es el del Sol. Eso sí, aviso: ¡baja los altavoces!!…

El Royal Observatory Greenwich creó un vídeo muuuy divertido para que todos -no sólo los peques- podamos entender las diferencias entre las distintas rocas que hay en el universo. Mediante stop-motion, plastilina e ilustraciones nos explican qué distingue un meteorito de un asteroide, por ejemplo. Otro buen ejemplo de cómo el diseño y la creatividad ayudan a explicar la ciencia.

No sé si podría decirse que tiene relación con la ciencia o no, pero ya hay una empresa pionera que ofrecerá viajes comerciales al espacio. Es Virgin Galactic y si, forma parte del conglomerado de empresas de Virgin, propiedad del carismático y visionario Richard Branson. Aunque todavía no hay viajes disponibles para el público en general (aunque ya puedes ir ahorrando…) te aconsejo encarecidamente que veas este vídeo que encontré en su web, en el que astronautas, científicos, filósofos, etc. relatan sus experiencias acerca de los viajes por el espacio. Es una maravilla.

OVERVIEW from Planetary Collective on Vimeo.


Diseño gráfico y de producto


¿Ya estás soñando con viajes espaciales y aventuras con alienigenas? pues tengo buenas noticias para ti si además te gusta el diseño retro. La NASA te regala 14 posters estilo años 50-60 sobre viajes espaciales. Realizados (aunque creo que no todos) por www.invisiblecreature.com, nos recuerdan que en esa época la fiebre por todo aquello que tuviese que ver con planetas y aventuras galácticas estaba mucho más presente que ahora. Recordemos que el 21 de julio 1969 fue la primera vez en toda la historia de la humanidad que un ser humano pisaba otro planeta, satélite o estrella, en este caso la Luna. Puedes descargarlos aquí. Vía thescienceexplorer.com.

NCTP_poster_NASA
image by www.jpl.nasa.gov

También de los mismos diseñadores (se ve que el tema les gusta, a juzgar por sus trabajos) tenemos este simpático juguete de madera con el que un niño puede crear su propio astronauta de madera, cohete incluido.

image by www.invisiblecreature.com
image by www.invisiblecreature.com

Existen multitud de apps dedicadas al espacio, algunas de la NASA y otras dedicadas a la divulgación. Pero si nos fijamos también en su diseño, una de las que más destaca es ésta diseñada por Sarah Jacoby para Tinybop llamada The Earth y creada especialmente para los niños. Porque si, existen muchos planetas, pero ninguno como el nuestro. Me parece todo un acierto vincular el buen diseño con la ciencia, necesitamos más ejemplos de colaboraciones como esta.

Aunque no es la única app interesante para los más peques (y algún niño grande…) sobre el espacio. Las aventuras del Professor Astro Cat, personaje creado por el profesor de física cuántica Dominic Walliman y por el ilustrador Ben Newman y del que podrás encontrar también un puñado de libros muy chulos, han ganado el premio Webby Award 2016 en la categoría de app familiar e infantil. Yo ya he jugado… (ejem).

Las ilustraciones del diseñador y animador Beeple (Mike Winkelmann) son cibernéticas, apocalípticas y nos envuelven en una asfixiante y angustiosa sensación de irrealidad. No te pierdas algunos de sus vídeos, porque son flipantes, aunque las ilustraciones no se quedan atrás. Y eso que, si no he entendido mal, hace una… cada día. De verdad, no sé de dónde sacan algunos el tiempo…

ZERO-DAY from beeple on Vimeo.

nctp_beeple
Image by beeple-crap.com

El artista japonés del cristal Satoshi Tomizu crea increíbles (tanto que no parecen reales) bolas de cristal que parecen contener universos y planetas. En Youtube podrás ver un vídeo del proceso de creación, porque además son piezas bastante pequeñas.

image by www.thisiscolossal.com
image by www.thisiscolossal.com

La Atomic Age o Era atómica fue un periodo comprendido entre los años 40 y 60 del pasado siglo en el que la obsesión por los viajes espaciales y por la energía atómica estaban muy presentes en la política y en la sociedad americanas. Tras la Segunda Guerra Mundial, el poder de las bombas atómicas desató un interés y un pánico que influenció la imaginación de artistas y diseñadores, sobre todo en la cultura popular. De ahí surgieron por ejemplo muchos héroes de comics, aunque también numerosos diseños de mobiliario, casas y prendas de vestir que alegremente transmitían una confianza ciega y un tanto naif en la tecnología. Seguro que recuerdas dibujos animados como Los supersónicos o los extravagantes vestidos de Paco Rabanne o Courreges. Aunque pocos tan icónicos y representados como la Bubble chair de Eero Aarnio.

image by https://www.yahoo.com/news/blogs/spaces/hanging-chairs-put-swing-things-231359195.html
image by yahoo.com

La serie de lámparas nº28 de Bocci recuerdan mucho a una galaxia de planetas luminosos y translúcidos de colores, suspendidos en el espacio en una suerte de caos organizado. Aunque las tienen de muchos colores, las azules me recuerdan a la Tierra.

image by bocci.ca
image by bocci.ca

Louis Mounet es una firma de relojería que quizás no encaje «demasiado» en lo que podríamos llamar diseño de tendencia o de vanguardia, pero que tiene piezas exquisitas dedicadas al espacio y los planetas. En su catálogo ofrece relojes que contienen pequeños fragmentos de meteoritos o que representan el sistema solar, como el planetario que te muestro a continuación, una impresionante muestra de ingeniería relojera. Son para un tipo de cliente concreto -refinado, culto y clásico- pero sin duda son diseños que transportan tu imaginación hacia otras épocas y lugares… Puedes leer más sobre esta firma y sus asombrosos trabajos en Loffit.

image by louismoinet.com
image by louismoinet.com

Marc Newson es uno de esos diseñadores que podríamos calificar de futuristas, casi todos sus proyectos tienen un halo de modernidad que no desentonarían en una película de ciencia ficción espacial. Y como muestra, un par de proyectos. El primero es para una edición especial de Taschen del libro Moonfire de Norman Mailer, que guarda el libro en una especie de mesita que imita la base de un módulo lunar e incluye un pedazo de meteorito lunar auténtico. La superficie de esta pieza también representa fielmente una parte de la superficie lunar. En el segundo, Marc participó en el diseño de un prototipo de nave comercial que viajaría hasta una altura de más de 60 km, donde los pasajeros podrían experimentar la gravedad cero, creando tanto los interiores como su aspecto exterior. Puedes ver éstos y otros trabajos suyos en su web

nctp_marc_newson_1

nctp_marc_newson_2
images by marc-newson.com

Pero no es el único diseñador de producto que es capaz de concebir piezas tan audaces. Ross Lovegrove, por quien tengo cierta debilidad, es un prodigio ideando productos que representan de una forma esencial elementos orgánicos como el agua o las células, pero que al mismo tiempo nos resultan tremendamente avanzados y futuristas. En su portfolio podréis encontrar también prototipos de coches redondos, farolas que parecen plantas de otros planetas o sillas que simulan estructuras óseas.

image by rosslovegrove.com
image by rosslovegrove.com

En Design Shack han hecho una recopilación también de cómo lo «espacial» ha influido al diseño, aunque desde un punto de vista meramente estético. Encontrarás desde la Guerra de las Galaxias hasta un video juego online.

nctp_design_shack

También en Creative Block tienen su propia recopilación, algo más naif y suave que la anterior (aunque, al menos para mi, más interesante), donde podrás encontrar proyectos como el de Spaceprob, de Ariel Waldman y Lisa Ballard, que muestra las siluetas de algunas de las máquinas enviadas al espacio.

nctp_spaceprob
image by spaceprob.es

El diseñador e ilustrador Simon Page creó estos carteles como homenaje al año internacional de la astronomía, que se celebró hace ya algunos años, en 2009. Los diseños tienen un marcado aire retro e influencias de Saul Bass y Josef Muller-Brockmann. Vía davidairey.com

image by simoncpage.co.uk
image by simoncpage.co.uk

Arquitectura y Espacios


De la influencia del espacio en la arquitectura y los espacios que habitamos tenemos bastantes ejemplos, aunque según ha ido pasando el tiempo han evolucionado desde observatorios de las estrellas (hay quien dice que Stonehenge era un observatorio astronómico para conocer el paso de los solsticios) hasta extravagantes o exóticos hogares. En todo caso, parece haber dos posibles interpretaciones: o son lugares pensados para contemplar la bóveda celeste o sencillamente están influenciados a nivel formal y estético por la ciencia ficción inspirada en el espacio.

Como ejemplo de lo primero tenemos a James Turrel, artista americano obsesionado con el espacio y la luz. En su obra encontramos numerosos ejemplos de lo que él llama Turrell Skyspaces, que son espacios delimitados con aperturas en su parte superior que muestran un pedazo de cielo. Turrel «enmarca» el cielo para hacernos más conscientes de él, creando espacios físicos y temporales para que podamos observarlo de una forma pausada y meditativa, siguiendo una tradición milenaria que nos puede llevar desde construcciones primitivas como Stonehenge hasta los ultra modernos observatorios astronómicos. Su mayor proyecto hasta la fecha, el Roden Crater, fue creado partiendo del asesoramiento de científicos y astrónomos para destacar acontecimientos como solsticios o el paso de la luna.

image by rodencrater.com

John Edward Lautner fue un arquitecto americano que vivió y trabajó principalmente en el sur de California. Aprendiz de Frank Lloyd Wright, creó numerosos edificios – casi todos hogares privados- con una fuerte influencia del diseño espacial. Uno de sus trabajos más conocidos es The Chemosphere, situada cerca de las famosas colinas de Hollywood. Su forma recuerda a un ovni a punto de aterrizar (o despegar, según se mire) y está elevada sobre el suelo unos 9 metros. Sujeta por una gran columna de cemento, ésta fue la solución dada por el arquitecto a un terreno cuya inclinación, unos 45º, hacía prácticamente imposible construir en él. Aunque parezca poco estable, ha sobrevivido a terremotos y lluvias torrenciales. Está catalogada como monumento histórico-cultural y ha tenido varios dueños -alguno famoso, como Benedikt Taschen- y hasta algún trágico asesinato.

image by mcmdaily.com
image by mcmdaily.com

Les Palais Bulles (palacio de burbujas) fue construida posteriormente, pero bebe de las influencias que la space age dejó en el diseño, más si consideramos que fue la residencia preferida del diseñador de moda Pierre Cardin, muy aficionado a los diseños futuristas y excéntricos. Escenario de fiestas locas y extravagantes durante muchos años, ha sido restaurada recientemente respetando lo máximo posible su espíritu inicial. Creada por el arquitecto húngaro Antti Lovag en 1989, sigue su filosofía de que la arquitectura debía ser divertida, espontánea, llena de sorpresas y adaptada a las formas humanas, más curvas.

image by palaisbulles.com
image by palaisbulles.com

Arte


Aunque The Weather Project tiene unos años, su repercusión social y las lecturas que se le pueden sacar siguen siendo muy interesantes. En 2003 Olafur Eliasson y su equipo instalaron en la sala de turbinas de la Tate Modern, en Londres, una pantalla luminosa semicircular pegada al techo que estaba cubierto de espejos de aluminio. El efecto recuerda a un sol a punto de ocultarse en el horizonte, acrecentado por el uso de niebla artificial. Durante el tiempo que estuvo instalado la gente acudía a la sala para pasar el tiempo, tumbarse en el suelo o hacerse fotos, siendo una de las instalaciones artísticas que más eco tuvo tanto en los medios como entre los visitantes. El proyecto giraba entorno a la influencia que el clima tiene sobre nuestro carácter y percepciones.

image by www.olafureliasson.net
image by www.olafureliasson.net

image by rodencrater.com

La Universidad de Cambridge invitó el 17 de octubre de 2015 al artista Miguel Chevalier a crear, por primera vez en su historia, una instalación artística inmersiva en la capilla del King´s College. Con motivo de diferentes actos que buscaban recaudar fondos, diferentes personalidades del mundo de la ciencia y el arte hablaban en este espacio mientras sobre las paredes y cúpulas se proyectaban distintas imágenes. Especialmente bello es el momento en que, mientras Stephen Hawking hablaba, toda la capilla simulaba ser un baile de constelaciones y estrellas. Pocos escenarios tan impresionantes e incluso apropiados para algo así. Podrás verlo en este vídeo, a partir del minuto 3:00.

Miguel CHEVALIER Dear World… Yours, Cambridge from Claude Mossessian on Vimeo.

El fotógrafo español Joan Fontcuberta desarrolló en 1997 un proyecto fotográfico en el que hablaba de nuestra tendencia a creer todo lo que vemos y oímos (según la fuente) a través de la historia totalmente ficticia de un supuesto astronauta ruso (el mismo Fontcuberta) perdido en el espacio en extrañas circunstancias. La serie, llamada Sputnik, está formada por fotografías -algunas manipulaciones de fotografías antiguas- y falsos documentos, parodiando la mística política y popular rusa -que bien podía ser americana- que gusta de construir héroes a partir de sus astronautas.

image by angelsbarcelona.com
image by angelsbarcelona.com

La aproximación al tema del fotógrafo conceptual David Schermann es muy distinta, más cinematográfica y desde luego sin esa carga satírica y humorística. En ella, un solitario astronauta ruso y un tanto alien vaga en parajes naturales que mezclan elementos reconocibles con otros que nos resultan extraños e inquietantes, como el color rojizo. Realizadas en las montañas austriacas, muestran un escenario onírico y melancólico en el que no parece haber más vida que la del protagonista.

image by illusion.scene360.com
image by illusion.scene360.com

El artista austriaco Klaus Pinter tiene entre sus obras algunas que parecen jugar con los conceptos del espacio-tiempo, como si fuesen un agujero negro que hubiese decidido instalarse en un museo a distorsionar nuestras coordenadas espaciales. En otras, extrañas medusas sobredimensionadas que no parecen de este planeta flotan en el aire rodeándonos.

nctp_klaus_pinter
image by www.fubiz.net

We Colonised the Moon es un colectivo artístico formado por Sue Corke (Londinense) y Hagen Betzwieser (alemán). Su trabajo gira en torno al absurdo y a nuestros más profundos terrores sobre el futuro, aunque desde un punto de vista irónico y sin dramas. Algunos de sus trabajos tratan de sintetizar el «olor de la luna», solucionar el problema de la basura espacial disfrazando los satélites de asteroides o construyen un solarium basado en la energía solar porque, total, el sol algún día se acabará. Vamos, que sentido del humor tienen de sobra.

WORKS 2010 – 2012 from Hagen Betzwieser on Vimeo.

Muchas religiones incluyen representaciones más o menos fidedignas del espacio y los planetas (principalmente la luna, el sol y las estrellas, los únicos claramente visibles y distinguibles a simple vista) dentro de sus representaciones y explicaciones sobre el origen del mundo. Una de las menos conocidas, al menos para un occidental como nosotros, son los mandalas, realizados con arenas de colores y mucha paciencia. Aunque su significado es complejo y posiblemente poco accesible para nosotros, parten de una visión esquematizada y muy bella del universo, de las fuerzas y energías que lo componen, aunque no en un sentido espacial. Y esa representación es tan fiel que, cuando el mandala se termina, se destruye. Como la energía y la materia, ya sabes: nada se crea ni se destruye, todo se transforma.

image by rincondeltibet.com
image by rincondeltibet.com

El artista Michael Najjar está dedicado en cuerpo y alma al espacio, y no sólo en sentido figurado. Será uno de los primeros astronautas que viajen en las naves de Virgin Galactic cuando sean posibles, y seguramente será también el primer artista que visite el espacio. En su web podéis ver muchas fotografías y montajes de cualquier tema que tenga que ver con el espacio y con naves espaciales, entre otras razones porque tiene un acceso privilegiado a toda esta tecnología. Incluso ha decorado una suite del hotel Kameha Grand Zurich con una temática totalmente espacial. Es una aproximación artística interesante porque, al contrario que todas las que te he mostrado hasta ahora, parte de la realidad para crear su propuesta, no de la ciencia ficción. Su punto de vista tiene mucho de científico, pero también de filosófico.

image by www.michaelnajjar.com
image by www.michaelnajjar.com
Image by www.frameweb.com
Image by www.frameweb.com

Algunos artistas y diseñadores han optado por crear obras más amables e irónicas a través de una técnica tan manual como el collage. Son piezas que mezclan tópicas imágenes de los años 50 y 60 con otras de planetas o estrellas, con evidentes choques de escala que desafían nuestras percepciones (además de resultar bastante divertidas). Los ejemplos que te muestro son de Djuno Tomsni y de Trash Riot.

nctp_djuno
image by djunotomsni.tumblr.com
image by http://www.undermatic.com/diseno/alucinantes-collages-de-ciencia-ficcion-cargo-de-trash-riot/
image by undermatic.com

Moda


Aunque pueda resultar chocante, el espacio y sobre todo el imaginario colectivo que la ciencia ficción sobre el tema nos ha dejado han influido en muchos creadores de moda. Desde los más experimentales hasta las firmas más clásicas, puedes encontrar muchos ejemplos sobre cómo los diseñadores se han visto influenciados por planetas, alienígenas y estrellas.

Y comienzo por mi admirado Alexander McQueen cuyos alucinados y geniales diseños parecían provenir de otro planeta, por no decir que de otra dimensión. En su colección de primavera de 2010 nos mostró una serie de vestidos que hubiesen sido la delicia de la novia del alien de Ridley Scott.

NCTP_Alexander_MC_space

Pero no es el único. Otros diseñadores, como Iris Van Herpen o Junya Watanabe tienen diseños inspirados en un futuro apocalíptico y espacial en el caso de la primera o naif y pop en el segundo.

NCTP_Iris_Van_herpen_space

NCTP_Watanabe_space
images by illusion.scene360.com

El diseñador Christopher Kane ha ido más allá y ha estampado imágenes realistas de galaxias y estrellas directamente sobre los tejidos. Una colección, la de primavera-verano 2011, de lo más galáctica.

image by http://www.sickchirpse.com/christopher-kane-resort-ing-to-the-high-street/
image by sickchirpse.com

No menos célebre es la colección de Valentino (aunque si posterior, de 2015), que estampó planetas, estrellas y constelaciones sobre vestidos, jerseys, faldas… son grafismos de cierto aire retro pero cargados de colorido y detalles muy cuidados.

image by vestirdesentido.com
image by vestirdesentido.com

Es posible que te preguntes que si estamos hablando de moda inspirada en el espacio, lo lógico sería que también hubiese moda creada para el espacio… ¿verdad? pues existe. Dava Newman es una científico e ingeniera que trabaja en el MIT creando trajes espaciales que no limiten los movimientos y desplazamientos del astronauta, pensando sobre todo en los futuros viajes a Marte, donde será necesario algún que otro paseo por su superficie. Fruto de sus investigaciones nace el Bio-suit, un traje que comprime el cuerpo y le permite protegerse del entorno. Pero, y aquí viene lo curioso, también han sido diseñados para que fuesen interesantes desde el punto de vista del diseño. Más bien, para hacer que los astronautas parezcan super héroes y llamar la atención de la gente. Ya se sabe que la NASA y otras agencias espaciales andan preocupadas por el descenso del interés del público general en las aventuras espaciales (al menos, comparado con los años 60 del pasado siglo) y por los menguantes presupuestos, así que esta iniciativa no viene mal. Vía wired.com

nctp_bio_suit
image by wired.com

Ya para terminar, te dejo con este vídeo que muestra distintas secuencias de observatorios y bóvedas celestes creado porThe Skyglow Project. Seguro que después de todo esto, tendrás material suficiente para soñar durante mucho, mucho tiempo… vía thekidshouldseethis.com

SKYGLOW: DISHDANCE from Sunchaser Pictures on Vimeo.

Joyería contemporánea

Contemporary jewelry: a curated selection of projects regarding this topic.


Adornar el propio cuerpo es una costumbre que se ha repetido siglo tras siglo en innumerables culturas. Incluso hay animales que se adornan con distintos fines. En nuestro caso no siempre es por una cuestión de vanidad: las joyas o adornos corporales pueden indicar estatus, pertenencia a determinada tribu o familia, edad, estado civil, creencias religiosas o políticas… usamos los objetos que nos colocamos encima para comunicar mediante complejos códigos nuestra forma de ser y de pensar. O también para atraer al sexo contrario, por supuesto.

En las culturas occidentales la denominación de joyas se reservaba casi exclusivamente para piezas realizadas con piedras o metales preciosos. En las que los códigos de riqueza y exclusividad eran comprendidos por cualquiera, sea cual fuese su origen. Cuanto más grande y raro de conseguir, más rico y poderoso se era.

La situación ahora es un poco más difusa. Siguen existiendo joyas cuyo precio es obscenamente caro, pero al mismo tiempo existe un creciente grupo de diseñadores de joyas que creen que también son importantes la historia que envuelve la pieza, su belleza no siempre evidente, las sensaciones, las tendencias, la ecología…

Portar una joya de estas características no siempre es un síntoma de estatus pero, al igual que por sucede con la ropa, llevarla implica que pertenecemos a un selecto club de personas que entienden y valoran la creatividad y los valores que cada pieza pueda encerrar. Son más expresivas, más personales, mucho más imaginativas. Son piezas para personas que -a menudo- valoran más ser y conocer que tener.


Joyería experimental


Kinetic rings, por Dukno Yoon

Joyas cinéticas realizadas por el artista norteamericano Dukno Yoon que exploran e imitan el vuelo de aves e insectos, replicándolas mediante complejos y sutiles mecanismos que se accionan con el movimiento de los dedos o de las manos.

image by art.ksu.edu
image by thisiscolossal.com
image by thisiscolossal.com

Maiko Takeda

Sombrerera y diseñadora de joyas japonesa, que consiguió fama gracias a los accesorios creados para Bjork en su gira de 2013. A mitad de camino entre un casco y una joya, sus piezas envuelven toda la cabeza, distorsionando sus límites y desdibujando los rasgos.

image by www.maikotakeda.com
image by www.maikotakeda.com

Neclumi

Según sus creadores, el grupo de diseñadores Pangenerator, éste es el primer collar interactivo basado en la proyección de luces que reaccionan según diversos parámetros (movimiento, velocidad, giro, etc. del usuario).

Vía Fubiz.

Autodiscipline

La diseñadora Oleksandra Gerasymchuk, en colaboración con Florent Gros, ha creado una serie de joyas que obligan a su portadora a mantener una posición erguida y artificial. Bordeando en ocasiones la incomodidad, resultan una conceptualización un tanto perversa del título de la serie.

Vía Fubiz.

Autodiscipline. Image by Oleksandra Gerasymchuk

Autodiscipline. Image by Oleksandra Gerasymchuk
Autodiscipline. Images by Oleksandra Gerasymchuk

Mariko Kusumoto

Esta artista de origen japonés y afincada en Massachusetts crea pequeñas esculturas a partir de bolas de polyester translúcidas y coloridas que contienen pequeños objetos, y que pueden usarse como collares. Mediante un laborioso proceso de calentamiento de la tela, ésta guarda la forma deseada y aporta la rigidez necesaria para incluir pequeños animales, cochecitos, formas…

Mariko Kusumoto. Image by Fubiz

Mariko Kusumoto. Image by Fubiz
Mariko Kusumoto. Images by Fubiz


Naturaleza portátil


Paisajes cápsula

Creadas por Secret Wood desde Canadá, estas joyas están compuestas de madera, resina y cera de abeja. Recrean paisajes abstractos en miniatura, desde montañas nevadas hasta fondos marinos.

NCTP_Cafe_SecretWood_1

Secret Wood, images by Fubiz
Secret Wood, images by Thisiscolossal

Joyas-cactus

Susan McLeary crea joyas de interior rígido y de exterior efímero y vegetal. Sus joyas, que son como pequeñas y metálicas «macetas», alojan plantas tipo suculentas y cactus que duran entre 2 y cuatro semanas. Cuando mueren, la artista propone seguir usando la joya desnuda o colocar nuevas plantas.

NCTP_Cafe_JoyaCactus_1

images by fubiz.net
images by fubiz.net

Joyas recicladas


Son varios los diseñadores que realizan piezas a partir de trozos descartados o aparentemente inservibles de maderas y otros materiales, como resinas o libros.

El diseñador Marcen Dunger crea sus joyas a partir de piezas astilladas de madera de arce y bio-resinas.

image by Marcel Dunger
image by Marcel Dunger

Britta Boeckmann crea joyas similares en cuanto a los materiales empleados, pero con un resultado más vivo en color y de aspecto menos fragmentado, más pulido.
NCTP_Cafe_Britta_1

NCTP_Cafe_Britta_2
images by thisiscolossal.com

Jeremy May, a través de su marca Littlefly, da un sentido completamente nuevo a la expresión «joya literaria». Sus joyas están creadas a partir de cientos de hojas cuidadosamente extraídas de viejos libros, con lo que cada pieza es única e irrepetible. Algunas de sus piezas han sido adquiridas por Museos o colecciones particulares.

NCTP_Cafe_Littlefly_1

images by Littlefly
images by Littlefly

Orgánico vs mecánico


Lucie Houdková es una diseñadora de la República Checa que actualmente vive en Praga. Ha realizado estudios de arte y diseño en Praga y Dublín, y sus joyas ha sido adquiridas por algunos museos y coleccionistas privados de Europa y Estados Unidos. Sus piezas tienen un carácter orgánico y futurista, y están realizadas en materiales tan diversos como papel o metal.

Broche de papel, epoxy y acero - image by luciehoudkova.com
Broche de papel, epoxy y acero – image by luciehoudkova.com
Collar de papel, acero, plata y plástico - image by luciehoudkova.com
Collar de papel, acero, plata y plástico – image by luciehoudkova.com
Broches de papel, plata y acero - image by luciehoudkova.com
Broches de papel, plata y acero – image by luciehoudkova.com

El estudio Tjep, creado por Frank Tjepkema, desarrolla su creatividad a través de un variado rango de productos, incluidas joyas, divertidas y descaradas. Creadas a partir de capas de finísimas láminas metálicas, sus modernas e irreverentes interpretaciones de cruces y corazones incluyen famosos logotipos o piezas características de un reloj.

NCTP_Cafe_Tjep_Jewel_1

NCTP_Cafe_Tjep_Jewel_2
images by www.tjep.com

Nervous System, según sus propias palabras, es un estudio de diseño generativo que trabaja en la intersección entre la ciencia, el arte y la tecnología. Desarrollan un software propio que les permite crear objetos para la casa o joyas inspirados en patrones y formas presentes en la naturaleza.

NCTP_Cafe_Nervous_System_1

images by n-e-r-v-o-u-s.com
images by n-e-r-v-o-u-s.com

Arte y color


Eleonora Guidotti es una arquitecta de origen italiano afincada en España. Sus collares muestran una original y muy personal combinación de colores y texturas que los convierte en pequeñas esculturas. Algunos de ellos inspirados en la obra de diversos artistas, como los Delaunay. Pueden encontrarse, entre otros puntos de venta, en la tienda del Museo Thyssen de Madrid.

NCTP_UmiMun_2
images by Eleonora Guidotti

NCTP_UmiMun_1

La artista francesa -aunque residente en Londres- Blandine Bardeau inició su trayectoria en el campo de la moda y la joyería, aunque los trabajos que actualmente expone en su web son de carácter artístico. En 2013 creó una serie de insólitas joyas de colorido impactante y materiales plásticos, de carácter tribal, psicodélico y alegre.

NCTP_Cafe_Blandine_2

images by brwnpaperbag.com
images by brwnpaperbag.com

Tatty Devine es la marca bajo la cual diseñan sus alocadas y muy originales piezas Harriet Vine and Rosie Wolfenden. Todo el proceso, desde el diseño hasta la producción, lo realizan desde su taller en Londres. Son piezas para personas atrevidas y con mucho sentido del humor que no pasan desapercibidas.

image by tattydevine.com

image by tattydevine.com

Collar para la Tate de Londres - image by tattydevine.com
Collar para la Tate de Londres – images by tattydevine.com

La sombra

The shadow: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


Las culturas occidentales relacionamos la sombra con lo oculto, donde se esconden los fantasmas y los monstruos, donde se agazapan las pesadillas. Quizás por razones geográficas y climáticas, en el norte de Europa aman la luz, los espacios blancos y etéreos, ambientes donde las pocas sombras que hallamos son en realidad tonos empolvados algo más oscuros.

Cuanto más nos acercamos al sur, al calor y al sol abrasador, es cuando la sombra y la oscuridad se hacen necesarias para subsistir. Necesitamos el frescor de las casas con ventanas estrechas y muros anchos, los patios estrechos, las horas del día que transcurren en una fresca e íntima penumbra.

Las culturas orientales, tan sensibles tradicionalmente hacia lo sutil y lo imperfecto, que huyen de lo obvio y ostentoso, adoraban esa frontera entre la luz y la oscuridad. Al menos, era lo que defendía  Junichiro Tanizaki en su conocida obra El Elogio de la sombra, escrita en 1933. Quizás sea difícil encajar esa imagen si pensamos en las caóticas y estridentes ciudades niponas con sus innumerables pantallas y anuncios de neón, pero es evidente viendo un templo o un objeto de laca antiguos que consiguieron obtener mucha más belleza que nosotros de la ausencia de luz artificial.

La sombra puede tener connotaciones anímicas también. Definimos una actitud sombría como triste y melancólica, estado que -a menos que vivas en el romanticismo del siglo XIX o pertenezcas a cierta tribu urbana- nos resulta incómodo y desagradable.

Pero la sombra puede indicar también tranquilidad, concentración, reflexión calmada. Un espacio, real o imaginado, donde la luz no nos deslumbre, pero tampoco nos acose la oscuridad. Donde encontremos paz y sosiego. En el que descubrir matices que pasan desapercibidos a la luz del día.

Así que adelante, da un paso hacia las sombras…


La sombra en el arte


Fabian Bürgy es un artista suizo que desarrolla sus obras en la frontera entre la escultura, el diseño y el arte digital. Sus obras conjugan aspectos tradicionales y tecnológicos, en un mix que combina el rigor conceptual con lo lúdico. A menudo juega con la percepción de formas y espacios en sus instalaciones, donde no siempre las cosas son lo que parecen.

The Hole - image by Fabian Bürgy
The Hole – image by Fabian Bürgy
Black cloud - image by Fabian Bürgy
Black cloud – image by Fabian Bürgy

Germaine Kruip es una artista holandesa que ha versado su trabajo, en gran parte, sobre la sombra. Entre sus piezas tiene varias en las que las sombras juegan un papel fundamental, en las que la misma luz proyecta sombras. En uno de sus trabajos, A possibility of an abstraction, diversas sobras son proyectas sobre el escenario de un teatro completamente vacío. En su web encontrarás más ejemplos de sus trabajos, aunque sospecho (no he tenido la suerte de ver ninguno en persona) que es imposible captar su efecto con sólo una imagen.

image by www.germainekruip.com

Kohei Nawa es un artista japonés afincado en Tokyo. Sus obras, con un fuerte componente tecnológico y futurista, juegan con la percepción y la distorsión de lo conocido. Es director del colectivo creativo Sandwich. En su obra «Foam», creada para la Aichi Triennale de 2013, desarrolló mediante «nubes» de espuma una parábola del comportamiento de las células. Jugando con las luces, las sombras y la casi total ausencia de color, el resultado es onírico y contemplativo.

Foam - image by kohei-nawa.net
Foam – image by kohei-nawa.net

The Weather Diaries es un proyecto realizado por las fotógrafas Sarah Cooper y Nina Gorfer, de Cooper & Gorfer, que trabajan desde Suecia y Berlin. Con motivo de la Nordic Fashion Biennale desarrollaron un proyecto complejo en el que el trabajo de los diseñadores de moda nórdicos se muestra en unas fotografías recargadas, barrocas y preciosistas donde nada se deja al azar y la puesta en escena es cuidadosamente preparada. La editorial Gestalten editó un libro sobre la muestra.

The Weather Diaries exhibition from Cooper & Gorfer on Vimeo.

Descension es una hiptnótica y un tanto angustiosa instalación del artista Anish Kapoor que, como sucede con la mayoría de sus piezas, es capaz de provocar ensimismamiento y abstracción en el espectador con unos pocos elementos básicos.

Si quieres conocer más de la obra de éste y otros muchos artistas, te recomiendo que visites la web de artsy.net, desde la que me han escrito muy amablemente para comentarme alguno de sus servicios y todo lo que su web puede ofrecer si te interesa el arte. Encontrarás datos sobre su biografía, exposiciones, obra, artistas relacionados, etc. (e incluso, si eres tremendamente afortunado, comprar alguna de sus obras).

A finales del verano de 2012, el ala dedicada al surrealismo de la Tate Modern apagaba sus luces y permitía el acceso de los visitantes iluminados solamente por sus lámparas Little Sun, en una colaboración entre el artista Olafur Eliasson y el museo. Las sombras entraban por fin en juego en un espacio, el museo de arte moderno, donde no suelen tener cabida a menos que la protección de las obras lo exija. La elección del tipo de arte tampoco es casual, y el surrealismo parece el movimiento perfecto para esa representación entre la luz y las sombras, lo visible y lo invisible.

image by olafureliasson.net
image by olafureliasson.net

Francisco de Zurbarán fue un pintor español del Siglo de Oro, coetáneo de Velázquez. Maestro del claroscuro, dominaba las sombras, su expresividad y efectos sobre los volúmenes. Sus obras, de marcado carácter espiritual, reflejan una interpretación mística e íntima de su religiosidad.

NCTP_Cafe_Zurbaran
San Francisco en meditación – image by en.wikipedia.org

Goya y las pinturas negras. Estas obras fueron realizadas en su casa la Quinta del Sordo en la última etapa de su vida, en la que la sordera y su vejez le aislaron de la mayor parte del mundo exterior. Son dramáticas, terribles, y muy expresivas. La sombra enfatiza la oscuridad de espíritu, la ignorancia, la crueldad y la brutalidad humanas.

NCTP_Cafe_Goya
El aquelarre – image by en.wikipedia.org

Aunque Odilon Redon es posiblemente más conocido por sus obras rebosantes de color y luz, hubo una oscura etapa en su vida -marcada por las desgracias personales- en la que su obra gráfica y pictórica era casi en su totalidad negra, oscura.

The Eye - image by blogs.getty.edu
The Eye – image by blogs.getty.edu

Kumi Yamashita es una artista japonesa afincada en Nueva York que, mediante el uso de elementos tan simples como papel, alambres o basura y la luz, construye complejas y expresivas figuras.

NCTP_Cafe_Yamashita
image by designboom.com

Nadav Kander es un fotógrafo de orígenes israelíes y sudafricanos. Colour fields es una serie donde la iluminación artificial de paisajes naturales crea atmósferas irreales, inquietantes y cargadas de misterio. Como si el peligro, lo insondable, estuviese sólo a un paso, acechándonos desde las sombras.

NCTP_Nadav_Kander_1

NCTP_Nadav_Kander_2
images by http://www.nadavkander.com/

 


Sombra gráfica


No existen muchos ejemplos del uso de la sombra en el diseño gráfico, aún menos en el diseño de identidad. Sea porque la ambigüedad y ausencia de rotundidad y límites claros no encaja con las necesidades de las marcas actuales, que compiten en mercados donde a veces parece que el que más grite gana, lo cierto es que es un recurso que parece reservado a carteles o portadas de libros o discos.

Pero no tiene porqué ser así. El respetado diseñador Uwe Loesch diseñó en 2001 la identidad del Museum für Gegenwartskunst Siegen, situado en Alemania. Es una identidad escueta y formal, que gracias a la simplicidad y monocromatismo de su construcción consigue escapar de efectos fáciles y simplones. No es una identidad apta para cualquiera, desde luego, pero para un museo me parece muy apropiada. Elegante, cerebral y con misterio.

image by www.uweloesch.de
image by www.uweloesch.de

Malika Favré ilustró en 2015 estos posters para los premios Bafta, uno de ellos general y los demás alusivos a las cinco películas nominadas. La habilidad de la ilustradora para convertir las sombras en un personaje más, el que da sentido a la historia, es admirable.

NCTP_Bafta_MF_2

NCTP_Bafta_MF_1
images by malikafavre.com

Sombra y espacio


TROOVE Salon es un salón de belleza ubicado en Tokio creado por Hiroyuki Miyake que refleja la sensibilidad nipona a los desastres padecidos después del terremoto y el tsunami de 2011, cuando muchos japoneses se quedaron sin luz o se les pidió que las apagaran. Aunque la estética tradicional japonesa hace un exquisito uso de la sombra y los materiales opacos, su evolución y la influencia occidental de los últimos años ha llevado a asociar lo japonés con la sobre-exposición lumínica, sobre todo en los espacios públicos. 

image by Frameweb.com
image by Frameweb.com

Imagen de eclipse solar total fotografiado en Australia el 13 de noviembre de 2012. Imagen de Romeo Durscher para la NASA.

NCTP_Cafe_Eclipse


La sombra a escena


Lotte Reiniger, a la que recientemente Google dedicó uno de sus famosos doodles, fue una cineasta alemana aunque nacionalizada británica. Se especializó en el teatro de siluetas -a veces animadas-, donde la sombra proyectada por las mismas sobre una pantalla permite desarrollar las diversas historias. En 1926 creó «Las aventuras del príncipe Achmed», posiblemente su obra más conocida. En el siguiente documental se muestra su proceso de trabajo.

Representación de Miwa Matreyek para TED, en la la sombra de su cuerpo interactúa con las animaciones mostradas en la pantalla.

El director y escenógrafo italiano Fabrizio Montecchi es una de las figuras más renombradas a nivel mundial del llamado teatro de las sombras. Actualmente vive y trabaja en Piacenza para el teatro Gioco Vita, con el cual desarrolla la mayor parte de sus obras. En esta pieza «Sogno di una notte di mezza estate», con música de Félix Mendelssohn-Bartholdy, las sombras complementan el movimiento de los actores en escena.


Sobre la sombra


Alegoría o mito de la caverna

En la considerada la más célebre alegoría de la historia de la filosofía, obra de Platón, las sombras tienen un importante papel.

Light Matters: Louis Kahn and the Power of Shadow.

Ensayo de Thomas Schielke sobre la obra del arquitecto Louis Kahn y su uso de la luz y la sombra.

¿Por qué la sombra?

Artículo de, fotógrafo Alois Glogar sobre el efecto de la sombra en la fotografía.

Ciudades sombra

Un vídeo de TED que nos muestra la charla que dio Robert Neuwirth sobre las «ciudades sombra» (basada en su libro Shadow Cities: A Billion Squatters, a New Urban World) esas áreas que crecen a gran velocidad en los límites de las grandes ciudades, especialmente en el tercer mundo. Donde los más pobres, los que «no existen», malviven y crean su propia economía y sus propias normas. Una realidad en la sombra, la menos para los demás.