Moda

El espacio

The space: a curated selection of projects regarding this topic.


No soy científica ni especialista en el tema, pero supongo que una de las primeras cosas que hicieron los homínidos fue mirar al cielo y empezar a hacerse preguntas. En un momento de nuestra historia en la que nuestros antepasados eran aún mucho más vulnerables que nosotros a los desastres ambientales y las variaciones climatológicas, el cielo debía parecerles algo aterrador y al mismo tiempo maravilloso. Quizás por ello las primeras mitologías de las que tenemos constancia fueron creadas a partir de elementos naturales: animales, fenómenos atmosféricos, planetas o estrellas. Desde tiempos inmemoriales el ser humano ha observado el cielo, ha creado mapas del mismo, se ha guiado por las estrellas o ha construido espacios dedicados sólo a su observación. Es tal la fascinación que nos provoca que ha sido morada de dioses o de seres fantásticos desde hace siglos.

Pensar en el espacio nos lleva irremediablemente a lidiar con conceptos tan abstractos y difíciles para nosotros como puedan ser el tiempo, el infinito, la energía o el vacío. No sé a ti, pero a mi me fascina pensar en estas cosas. Me imagino viajando en el espacio y en el tiempo, atravesando agujeros negros o descubriendo otras formas de vida. No soy capaz de concebir nada de esto más allá de lo que mis sentidos y capacidad de imaginar me permiten, y es en esos momentos en los que soy especialmente consciente de que posiblemente nosotros, los seres humanos, somos una suerte de casualidad casi imposible, pero probablemente no la única. No sé si alguna vez tendremos la capacidad o las herramientas para superar estos límites.

Esa fascinación ha sido llevada a cualquier aspecto de la creación humana, desde el arte hasta las películas, pasado por la literatura, la música, la arquitectura o el diseño. Cada autor hace una interpretación personal de las maravillas y misterios que esa inmensidad desconocida puede contener, que puede ser naif, intelectual, terrorífica… Podría decirse que ha llegado un momento en el que la inspiración proviene más bien de los infinitos mundos y formas que nuestra imaginación ha creado inspirándose en el espacio que de lo que realmente sabemos de él.


Ciencia


Empiezo por echar un vistazo a algunas de las cosas que sabemos o podemos ver y oír sobre el espacio gracias a la ciencia, porque después podrás entender mejor el origen de la inspiración de los proyectos que te mostraré a continuación.

Y comienzo con uno de los vídeos más alucinantes que he visto en bastante tiempo, no tanto por el vídeo en sí, si no porque te ayuda a entender la distancia real que hay entre planetas y estrellas en el sistema solar. Estamos tan acostumbrados a ver imágenes en las que los planetas están muy cerca que no es fácil ser consciente de que las distancias y los tamaños son en realidad de una dimensión escalofriante. El vídeo se titula «To scale: the Solar System» y fue realizado por Wylie Overstreet y Alex Gorosh.

To Scale: The Solar System from Wylie Overstreet on Vimeo.

En la web de Faena Aleph encontrarás una selección de vídeos y artículos que, sin profundizar demasiado, nos introducen en diversos temas relacionados con el espacio. Y si hablamos del espacio, hablamos de Carl Sagan, posiblemente el mejor divulgador científico de las maravillas del universo. En este vídeo Carl nos invita a reflexionar sobre lo maravilloso que es el planeta Tierra y lo absurdo que resulta que los seres humanos nos empeñemos en destruirnos no sólo a nosotros mismos, si no al único planeta habitable que conocemos:

Pale Blue Dot – Animation from Ehdubya on Vimeo.

Pero no es único vídeo interesante que encontraremos en esta web, te recomiendo también que le eches un vistazo a éste. ¿Una composición musical «cantada» por Carl Sagan y Stephen Hawking? porqué no. Tiene ya más de 10 millones de visitas en Youtube, y además de un poquito friki, es una estupenda ocasión para reflexionar acerca del momento tan impresionante que vivimos. Nunca antes habíamos podido visitar otros planetas o intuir qué hay más allá de la Vía Láctea…

¿Alguna vez te has preguntado cómo suena el espacio? en teoría a nada, porque al no haber aire no se transmiten los sonidos, pero sí que hay ondas electromagnéticas, y con los aparatos adecuados, éstas pueden transformarse en sonidos audibles por el ser humano. En esta página de la Nasa podrás encontrar algunas grabaciones de planetas o de naves, pero el sonido que más me ha impresionado es el del Sol. Eso sí, aviso: ¡baja los altavoces!!…

El Royal Observatory Greenwich creó un vídeo muuuy divertido para que todos -no sólo los peques- podamos entender las diferencias entre las distintas rocas que hay en el universo. Mediante stop-motion, plastilina e ilustraciones nos explican qué distingue un meteorito de un asteroide, por ejemplo. Otro buen ejemplo de cómo el diseño y la creatividad ayudan a explicar la ciencia.

No sé si podría decirse que tiene relación con la ciencia o no, pero ya hay una empresa pionera que ofrecerá viajes comerciales al espacio. Es Virgin Galactic y si, forma parte del conglomerado de empresas de Virgin, propiedad del carismático y visionario Richard Branson. Aunque todavía no hay viajes disponibles para el público en general (aunque ya puedes ir ahorrando…) te aconsejo encarecidamente que veas este vídeo que encontré en su web, en el que astronautas, científicos, filósofos, etc. relatan sus experiencias acerca de los viajes por el espacio. Es una maravilla.

OVERVIEW from Planetary Collective on Vimeo.


Diseño gráfico y de producto


¿Ya estás soñando con viajes espaciales y aventuras con alienigenas? pues tengo buenas noticias para ti si además te gusta el diseño retro. La NASA te regala 14 posters estilo años 50-60 sobre viajes espaciales. Realizados (aunque creo que no todos) por www.invisiblecreature.com, nos recuerdan que en esa época la fiebre por todo aquello que tuviese que ver con planetas y aventuras galácticas estaba mucho más presente que ahora. Recordemos que el 21 de julio 1969 fue la primera vez en toda la historia de la humanidad que un ser humano pisaba otro planeta, satélite o estrella, en este caso la Luna. Puedes descargarlos aquí. Vía thescienceexplorer.com.

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image by www.jpl.nasa.gov

También de los mismos diseñadores (se ve que el tema les gusta, a juzgar por sus trabajos) tenemos este simpático juguete de madera con el que un niño puede crear su propio astronauta de madera, cohete incluido.

image by www.invisiblecreature.com
image by www.invisiblecreature.com

Existen multitud de apps dedicadas al espacio, algunas de la NASA y otras dedicadas a la divulgación. Pero si nos fijamos también en su diseño, una de las que más destaca es ésta diseñada por Sarah Jacoby para Tinybop llamada The Earth y creada especialmente para los niños. Porque si, existen muchos planetas, pero ninguno como el nuestro. Me parece todo un acierto vincular el buen diseño con la ciencia, necesitamos más ejemplos de colaboraciones como esta.

Aunque no es la única app interesante para los más peques (y algún niño grande…) sobre el espacio. Las aventuras del Professor Astro Cat, personaje creado por el profesor de física cuántica Dominic Walliman y por el ilustrador Ben Newman y del que podrás encontrar también un puñado de libros muy chulos, han ganado el premio Webby Award 2016 en la categoría de app familiar e infantil. Yo ya he jugado… (ejem).

Las ilustraciones del diseñador y animador Beeple (Mike Winkelmann) son cibernéticas, apocalípticas y nos envuelven en una asfixiante y angustiosa sensación de irrealidad. No te pierdas algunos de sus vídeos, porque son flipantes, aunque las ilustraciones no se quedan atrás. Y eso que, si no he entendido mal, hace una… cada día. De verdad, no sé de dónde sacan algunos el tiempo…

ZERO-DAY from beeple on Vimeo.

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Image by beeple-crap.com

El artista japonés del cristal Satoshi Tomizu crea increíbles (tanto que no parecen reales) bolas de cristal que parecen contener universos y planetas. En Youtube podrás ver un vídeo del proceso de creación, porque además son piezas bastante pequeñas.

image by www.thisiscolossal.com
image by www.thisiscolossal.com

La Atomic Age o Era atómica fue un periodo comprendido entre los años 40 y 60 del pasado siglo en el que la obsesión por los viajes espaciales y por la energía atómica estaban muy presentes en la política y en la sociedad americanas. Tras la Segunda Guerra Mundial, el poder de las bombas atómicas desató un interés y un pánico que influenció la imaginación de artistas y diseñadores, sobre todo en la cultura popular. De ahí surgieron por ejemplo muchos héroes de comics, aunque también numerosos diseños de mobiliario, casas y prendas de vestir que alegremente transmitían una confianza ciega y un tanto naif en la tecnología. Seguro que recuerdas dibujos animados como Los supersónicos o los extravagantes vestidos de Paco Rabanne o Courreges. Aunque pocos tan icónicos y representados como la Bubble chair de Eero Aarnio.

image by https://www.yahoo.com/news/blogs/spaces/hanging-chairs-put-swing-things-231359195.html
image by yahoo.com

La serie de lámparas nº28 de Bocci recuerdan mucho a una galaxia de planetas luminosos y translúcidos de colores, suspendidos en el espacio en una suerte de caos organizado. Aunque las tienen de muchos colores, las azules me recuerdan a la Tierra.

image by bocci.ca
image by bocci.ca

Louis Mounet es una firma de relojería que quizás no encaje «demasiado» en lo que podríamos llamar diseño de tendencia o de vanguardia, pero que tiene piezas exquisitas dedicadas al espacio y los planetas. En su catálogo ofrece relojes que contienen pequeños fragmentos de meteoritos o que representan el sistema solar, como el planetario que te muestro a continuación, una impresionante muestra de ingeniería relojera. Son para un tipo de cliente concreto -refinado, culto y clásico- pero sin duda son diseños que transportan tu imaginación hacia otras épocas y lugares… Puedes leer más sobre esta firma y sus asombrosos trabajos en Loffit.

image by louismoinet.com
image by louismoinet.com

Marc Newson es uno de esos diseñadores que podríamos calificar de futuristas, casi todos sus proyectos tienen un halo de modernidad que no desentonarían en una película de ciencia ficción espacial. Y como muestra, un par de proyectos. El primero es para una edición especial de Taschen del libro Moonfire de Norman Mailer, que guarda el libro en una especie de mesita que imita la base de un módulo lunar e incluye un pedazo de meteorito lunar auténtico. La superficie de esta pieza también representa fielmente una parte de la superficie lunar. En el segundo, Marc participó en el diseño de un prototipo de nave comercial que viajaría hasta una altura de más de 60 km, donde los pasajeros podrían experimentar la gravedad cero, creando tanto los interiores como su aspecto exterior. Puedes ver éstos y otros trabajos suyos en su web

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images by marc-newson.com

Pero no es el único diseñador de producto que es capaz de concebir piezas tan audaces. Ross Lovegrove, por quien tengo cierta debilidad, es un prodigio ideando productos que representan de una forma esencial elementos orgánicos como el agua o las células, pero que al mismo tiempo nos resultan tremendamente avanzados y futuristas. En su portfolio podréis encontrar también prototipos de coches redondos, farolas que parecen plantas de otros planetas o sillas que simulan estructuras óseas.

image by rosslovegrove.com
image by rosslovegrove.com

En Design Shack han hecho una recopilación también de cómo lo «espacial» ha influido al diseño, aunque desde un punto de vista meramente estético. Encontrarás desde la Guerra de las Galaxias hasta un video juego online.

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También en Creative Block tienen su propia recopilación, algo más naif y suave que la anterior (aunque, al menos para mi, más interesante), donde podrás encontrar proyectos como el de Spaceprob, de Ariel Waldman y Lisa Ballard, que muestra las siluetas de algunas de las máquinas enviadas al espacio.

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image by spaceprob.es

El diseñador e ilustrador Simon Page creó estos carteles como homenaje al año internacional de la astronomía, que se celebró hace ya algunos años, en 2009. Los diseños tienen un marcado aire retro e influencias de Saul Bass y Josef Muller-Brockmann. Vía davidairey.com

image by simoncpage.co.uk
image by simoncpage.co.uk

Arquitectura y Espacios


De la influencia del espacio en la arquitectura y los espacios que habitamos tenemos bastantes ejemplos, aunque según ha ido pasando el tiempo han evolucionado desde observatorios de las estrellas (hay quien dice que Stonehenge era un observatorio astronómico para conocer el paso de los solsticios) hasta extravagantes o exóticos hogares. En todo caso, parece haber dos posibles interpretaciones: o son lugares pensados para contemplar la bóveda celeste o sencillamente están influenciados a nivel formal y estético por la ciencia ficción inspirada en el espacio.

Como ejemplo de lo primero tenemos a James Turrel, artista americano obsesionado con el espacio y la luz. En su obra encontramos numerosos ejemplos de lo que él llama Turrell Skyspaces, que son espacios delimitados con aperturas en su parte superior que muestran un pedazo de cielo. Turrel «enmarca» el cielo para hacernos más conscientes de él, creando espacios físicos y temporales para que podamos observarlo de una forma pausada y meditativa, siguiendo una tradición milenaria que nos puede llevar desde construcciones primitivas como Stonehenge hasta los ultra modernos observatorios astronómicos. Su mayor proyecto hasta la fecha, el Roden Crater, fue creado partiendo del asesoramiento de científicos y astrónomos para destacar acontecimientos como solsticios o el paso de la luna.

image by rodencrater.com

John Edward Lautner fue un arquitecto americano que vivió y trabajó principalmente en el sur de California. Aprendiz de Frank Lloyd Wright, creó numerosos edificios – casi todos hogares privados- con una fuerte influencia del diseño espacial. Uno de sus trabajos más conocidos es The Chemosphere, situada cerca de las famosas colinas de Hollywood. Su forma recuerda a un ovni a punto de aterrizar (o despegar, según se mire) y está elevada sobre el suelo unos 9 metros. Sujeta por una gran columna de cemento, ésta fue la solución dada por el arquitecto a un terreno cuya inclinación, unos 45º, hacía prácticamente imposible construir en él. Aunque parezca poco estable, ha sobrevivido a terremotos y lluvias torrenciales. Está catalogada como monumento histórico-cultural y ha tenido varios dueños -alguno famoso, como Benedikt Taschen- y hasta algún trágico asesinato.

image by mcmdaily.com
image by mcmdaily.com

Les Palais Bulles (palacio de burbujas) fue construida posteriormente, pero bebe de las influencias que la space age dejó en el diseño, más si consideramos que fue la residencia preferida del diseñador de moda Pierre Cardin, muy aficionado a los diseños futuristas y excéntricos. Escenario de fiestas locas y extravagantes durante muchos años, ha sido restaurada recientemente respetando lo máximo posible su espíritu inicial. Creada por el arquitecto húngaro Antti Lovag en 1989, sigue su filosofía de que la arquitectura debía ser divertida, espontánea, llena de sorpresas y adaptada a las formas humanas, más curvas.

image by palaisbulles.com
image by palaisbulles.com

Arte


Aunque The Weather Project tiene unos años, su repercusión social y las lecturas que se le pueden sacar siguen siendo muy interesantes. En 2003 Olafur Eliasson y su equipo instalaron en la sala de turbinas de la Tate Modern, en Londres, una pantalla luminosa semicircular pegada al techo que estaba cubierto de espejos de aluminio. El efecto recuerda a un sol a punto de ocultarse en el horizonte, acrecentado por el uso de niebla artificial. Durante el tiempo que estuvo instalado la gente acudía a la sala para pasar el tiempo, tumbarse en el suelo o hacerse fotos, siendo una de las instalaciones artísticas que más eco tuvo tanto en los medios como entre los visitantes. El proyecto giraba entorno a la influencia que el clima tiene sobre nuestro carácter y percepciones.

image by www.olafureliasson.net
image by www.olafureliasson.net

image by rodencrater.com

La Universidad de Cambridge invitó el 17 de octubre de 2015 al artista Miguel Chevalier a crear, por primera vez en su historia, una instalación artística inmersiva en la capilla del King´s College. Con motivo de diferentes actos que buscaban recaudar fondos, diferentes personalidades del mundo de la ciencia y el arte hablaban en este espacio mientras sobre las paredes y cúpulas se proyectaban distintas imágenes. Especialmente bello es el momento en que, mientras Stephen Hawking hablaba, toda la capilla simulaba ser un baile de constelaciones y estrellas. Pocos escenarios tan impresionantes e incluso apropiados para algo así. Podrás verlo en este vídeo, a partir del minuto 3:00.

Miguel CHEVALIER Dear World… Yours, Cambridge from Claude Mossessian on Vimeo.

El fotógrafo español Joan Fontcuberta desarrolló en 1997 un proyecto fotográfico en el que hablaba de nuestra tendencia a creer todo lo que vemos y oímos (según la fuente) a través de la historia totalmente ficticia de un supuesto astronauta ruso (el mismo Fontcuberta) perdido en el espacio en extrañas circunstancias. La serie, llamada Sputnik, está formada por fotografías -algunas manipulaciones de fotografías antiguas- y falsos documentos, parodiando la mística política y popular rusa -que bien podía ser americana- que gusta de construir héroes a partir de sus astronautas.

image by angelsbarcelona.com
image by angelsbarcelona.com

La aproximación al tema del fotógrafo conceptual David Schermann es muy distinta, más cinematográfica y desde luego sin esa carga satírica y humorística. En ella, un solitario astronauta ruso y un tanto alien vaga en parajes naturales que mezclan elementos reconocibles con otros que nos resultan extraños e inquietantes, como el color rojizo. Realizadas en las montañas austriacas, muestran un escenario onírico y melancólico en el que no parece haber más vida que la del protagonista.

image by illusion.scene360.com
image by illusion.scene360.com

El artista austriaco Klaus Pinter tiene entre sus obras algunas que parecen jugar con los conceptos del espacio-tiempo, como si fuesen un agujero negro que hubiese decidido instalarse en un museo a distorsionar nuestras coordenadas espaciales. En otras, extrañas medusas sobredimensionadas que no parecen de este planeta flotan en el aire rodeándonos.

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image by www.fubiz.net

We Colonised the Moon es un colectivo artístico formado por Sue Corke (Londinense) y Hagen Betzwieser (alemán). Su trabajo gira en torno al absurdo y a nuestros más profundos terrores sobre el futuro, aunque desde un punto de vista irónico y sin dramas. Algunos de sus trabajos tratan de sintetizar el «olor de la luna», solucionar el problema de la basura espacial disfrazando los satélites de asteroides o construyen un solarium basado en la energía solar porque, total, el sol algún día se acabará. Vamos, que sentido del humor tienen de sobra.

WORKS 2010 – 2012 from Hagen Betzwieser on Vimeo.

Muchas religiones incluyen representaciones más o menos fidedignas del espacio y los planetas (principalmente la luna, el sol y las estrellas, los únicos claramente visibles y distinguibles a simple vista) dentro de sus representaciones y explicaciones sobre el origen del mundo. Una de las menos conocidas, al menos para un occidental como nosotros, son los mandalas, realizados con arenas de colores y mucha paciencia. Aunque su significado es complejo y posiblemente poco accesible para nosotros, parten de una visión esquematizada y muy bella del universo, de las fuerzas y energías que lo componen, aunque no en un sentido espacial. Y esa representación es tan fiel que, cuando el mandala se termina, se destruye. Como la energía y la materia, ya sabes: nada se crea ni se destruye, todo se transforma.

image by rincondeltibet.com
image by rincondeltibet.com

El artista Michael Najjar está dedicado en cuerpo y alma al espacio, y no sólo en sentido figurado. Será uno de los primeros astronautas que viajen en las naves de Virgin Galactic cuando sean posibles, y seguramente será también el primer artista que visite el espacio. En su web podéis ver muchas fotografías y montajes de cualquier tema que tenga que ver con el espacio y con naves espaciales, entre otras razones porque tiene un acceso privilegiado a toda esta tecnología. Incluso ha decorado una suite del hotel Kameha Grand Zurich con una temática totalmente espacial. Es una aproximación artística interesante porque, al contrario que todas las que te he mostrado hasta ahora, parte de la realidad para crear su propuesta, no de la ciencia ficción. Su punto de vista tiene mucho de científico, pero también de filosófico.

image by www.michaelnajjar.com
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Image by www.frameweb.com
Image by www.frameweb.com

Algunos artistas y diseñadores han optado por crear obras más amables e irónicas a través de una técnica tan manual como el collage. Son piezas que mezclan tópicas imágenes de los años 50 y 60 con otras de planetas o estrellas, con evidentes choques de escala que desafían nuestras percepciones (además de resultar bastante divertidas). Los ejemplos que te muestro son de Djuno Tomsni y de Trash Riot.

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image by djunotomsni.tumblr.com
image by http://www.undermatic.com/diseno/alucinantes-collages-de-ciencia-ficcion-cargo-de-trash-riot/
image by undermatic.com

Moda


Aunque pueda resultar chocante, el espacio y sobre todo el imaginario colectivo que la ciencia ficción sobre el tema nos ha dejado han influido en muchos creadores de moda. Desde los más experimentales hasta las firmas más clásicas, puedes encontrar muchos ejemplos sobre cómo los diseñadores se han visto influenciados por planetas, alienígenas y estrellas.

Y comienzo por mi admirado Alexander McQueen cuyos alucinados y geniales diseños parecían provenir de otro planeta, por no decir que de otra dimensión. En su colección de primavera de 2010 nos mostró una serie de vestidos que hubiesen sido la delicia de la novia del alien de Ridley Scott.

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Pero no es el único. Otros diseñadores, como Iris Van Herpen o Junya Watanabe tienen diseños inspirados en un futuro apocalíptico y espacial en el caso de la primera o naif y pop en el segundo.

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images by illusion.scene360.com

El diseñador Christopher Kane ha ido más allá y ha estampado imágenes realistas de galaxias y estrellas directamente sobre los tejidos. Una colección, la de primavera-verano 2011, de lo más galáctica.

image by http://www.sickchirpse.com/christopher-kane-resort-ing-to-the-high-street/
image by sickchirpse.com

No menos célebre es la colección de Valentino (aunque si posterior, de 2015), que estampó planetas, estrellas y constelaciones sobre vestidos, jerseys, faldas… son grafismos de cierto aire retro pero cargados de colorido y detalles muy cuidados.

image by vestirdesentido.com
image by vestirdesentido.com

Es posible que te preguntes que si estamos hablando de moda inspirada en el espacio, lo lógico sería que también hubiese moda creada para el espacio… ¿verdad? pues existe. Dava Newman es una científico e ingeniera que trabaja en el MIT creando trajes espaciales que no limiten los movimientos y desplazamientos del astronauta, pensando sobre todo en los futuros viajes a Marte, donde será necesario algún que otro paseo por su superficie. Fruto de sus investigaciones nace el Bio-suit, un traje que comprime el cuerpo y le permite protegerse del entorno. Pero, y aquí viene lo curioso, también han sido diseñados para que fuesen interesantes desde el punto de vista del diseño. Más bien, para hacer que los astronautas parezcan super héroes y llamar la atención de la gente. Ya se sabe que la NASA y otras agencias espaciales andan preocupadas por el descenso del interés del público general en las aventuras espaciales (al menos, comparado con los años 60 del pasado siglo) y por los menguantes presupuestos, así que esta iniciativa no viene mal. Vía wired.com

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image by wired.com

Ya para terminar, te dejo con este vídeo que muestra distintas secuencias de observatorios y bóvedas celestes creado porThe Skyglow Project. Seguro que después de todo esto, tendrás material suficiente para soñar durante mucho, mucho tiempo… vía thekidshouldseethis.com

SKYGLOW: DISHDANCE from Sunchaser Pictures on Vimeo.

Folklore y modernidad

Folklore and traditional arts and crafts: a curated selection of projects regarding this topic.


Reconozco que tenía especiales ganas de abordar este artículo. Me interesan estos temas -el folklore, la artesanía tradicional, las culturas ancestrales- desde hace muchos años, aunque no con un matiz nostálgico o reivindicativo, si no más bien como fuente de inspiración e imaginación. El salto cultural y generacional es en la mayoría de los casos enorme, por lo que mi interpretación y la de cualquiera que no sea parte de esa cultura será sin duda alguna superficial y un poco frívola, pero este intercambio-contaminación cultural lleva sucediendo miles de años y ha difundido leyendas, artes y mitologías que se han sumado a las ya existentes, creando nuevos mitos y religiones. Lo que ahora hacemos, por tanto, no es tan distinto de lo que se hizo siempre: interpretar otras realidades y conocimientos, dándoles nueva vida al añadirlas a las nuestras propias.

Cambian, eso sí, los tiempos de producción. Pasamos de objetos hechos a mano a producirlos -aunque no siempre- industrialmente y a velocidades inconcebibles hace tan sólo unos años. El intercambio cultural es tan amplio y sucede a una velocidad tan vertiginosa que supone un importante esfuerzo consciente pararse a profundizar y darse tiempo para curiosear a fondo. Pero ésa sí es una gran ventaja de nuestro tiempo: el acceso a la información nunca ha sido tan universal y económico en toda la historia de la humanidad como lo es ahora. Podemos aprender sobre cultura japonesa sin poner el pie en Tokio, o inspirarnos en las máscaras de los nativos americanos sin perdernos en el desierto. No necesitamos disponer de grandes cantidades de tiempo y dinero para viajar, e incluso podemos conocer culturas que hace cientos o miles de años que desaparecieron.

Pero no es menos cierto que todo esta información se está perdiendo a pasos agigantados. No sólo porque lógicamente nuestra evolución como sociedad ha dejado de lado muchas de las costumbres y necesidades que daban sentido al uso diario de estos mitos o técnicas, si no más bien por nuestra dejadez y falta de interés a la hora de preservar y registrar todas esas manifestaciones culturales de cara al futuro. Y no sólo con un interés antropológico o histórico, también porque creo firmemente que son un recurso fantástico para la creación y la innovación. En España podrás encontrar una cantidad considerable de pequeños museos locales que malviven en la mayoría de los casos con colecciones dispersas, mejor o peor documentadas y mostradas, llevados a menudo por personas con una enorme pasión por la conservación del folklore tradicional. Si bien encontramos áreas en los museos de antropología dedicadas al folklore, suelen ser exposiciones un tanto apáticas que no ayudan a despertar interés en las nuevas generaciones. Echo de menos un punto de teatralidad e imaginación, necesarias para ayudarnos a entender cómo esas tradiciones -que ahora se os antojan fantasía pura y de las cuales apenas percibimos formas y diseños- formaban parte de la vida y creencias de las personas.

Creo que Alexander Girard expresó mejor que yo la importancia de preservar nuestro legado artístico, mitológico y artesanal no sólo por razones etnográficas o sentimentales, si no como inagotable fuente de inspiración para el futuro:

I believe we should preserve this evidence of the past, not as a pattern for sentimental imitation, but as nourishment for the creative spirit of the present.»

—Alexander Girard


Identidad, gráfico y packaging


Si hablamos de la influencia que tiene el folklore en el diseño tenemos que hablar de Alexander Girard, uno de los diseñadores más renombrados e influyentes del pasado siglo. Profundamente admirador y conocedor del folklore y el arte tradicional de muchos pueblos alrededor del mundo, Girard no sólo asimiló e incorporó lo aprendido en sus trabajos, si no que recopiló a lo largo de los años una de las mayores colecciones privadas de Folk Art del mundo, donándola en parte al Museo Internacional de Folk Art en Santa Fe, Nuevo Mexico.

Puedes leer un breve resumen de su trayectoria en la página que le ha dedicado Vitra con motivo de la exposición de parte de sus trabajos.

image by magazine.designbest.com
image by magazine.designbest.com
image by www.vidivisuals.com
image by www.vidivisuals.com

Sanna Annukka es una diseñadora inglesa de ascendencia en parte finlandesa que pasó parte de su infancia en Finlandia, con su abuela y parte de la familia. La riqueza del folklore y las leyendas del lugar, sus colores y formas básicas, inspiraron profundamente a Sanna, que a partir de entonces las incorporó a su trabajo con un estilo muy personal pero completamente adaptado al gusto contemporáneo. Se dio a conocer gracias a la portada que creó para el album «Under the iron sea» de Keane. En la actualidad Trabaja para Marimekko y para su propia firma.

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image by www.happymundane.com

El Project K (The Korean Fil Festival) fue realizado en 2013 para dar a conocer el cine actual coreano en Frankfurt, Alemania. El diseñador Il-ho Jung fue el encargado de realizar el diseño de la identidad del evento y todas sus aplicaciones, para lo que se inspiró en el estilo Dancheong, una mezcla de patrones y tramas que suelen adornar los templos, además de en las máscaras tradicionales de su país, que fueron transformadas para reflejar momentos o personajes de las películas mostradas en el festival. El Dancheong se caracteriza por el uso de colores brillantes y complejas tramas y dibujos. En Wikipedia podéis ver ejemplos. Un trabajo muy interesante.

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images by www.il-ho.com

El diseñador guatemalteco Jorge Letona diseñó la tipografía Hunab-Ku con influencias mayas. Hunab-Ku significa «dios supremo». Por esas vueltas que da la vida, esta tipografía terminó siendo usada por la banda de rock americana Iron Maiden para su disco The Book of Souls, de 2015.

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images by Jorge Letona

 

Las marcas han sabido explotar muy bien la riqueza gráfica y simbólica del folklore especialmente en el diseño de envases y envoltorios, apropiándose con mayor o menor fortuna de sus signos, personajes, formas y colores. He seleccionado algunos ejemplos que he encontrado y que, bajo mi punto de vista, han conseguido incorporar esa estética con más elegancia o modernidad.

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Etiqueta creada por Shotopop para Johnnie Walker y basada en el folklore chino, mostrando el inmortal árbol de la luna y el conejo de jade. Enlazando la leyenda con el personaje de la marca, el caballero permanentemente en camino, incorporan el mensaje y valores de la historia original. Image by www.designweek.co.uk
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Es increíble que este proyecto sea obra de un estudiante y que no se haya sacado al mercado, porque me parece realmente interesante. Diseñado por Caleb Heisey, ilustra personajes y leyendas propios del folklore sueco. La intención era hacer el producto, un licor típico de la zona llamado akvavit, más comprensible para el mercado americano. Image by www.calebheisey.com
Packaging realizado por
Packaging realizado por Studio Parr para la marca de cervezas High Weald e inspirado en antiguas leyendas anglosajonas. Image by www.thedieline.com
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A la agencia canadiense Goods & Services no se le ocurrió mejor regalo que enviar a sus clientes por navidad que estas dos botellas de vino, especialmente creadas y diseñadas para la ocasión. La que contiene vino blanco nos muestra a Nicholas, personaje origen de Papá Noel, mientras que la otra contiene vino rojo y se cubre con el personaje de Krampus, que imagino no será tan buen tipo… image by www.packagingoftheworld.com
Diseñados por la agencia Big Fish para
Diseñados por la agencia Big Fish para la marca de tortas de arroz Kallo, muestran diferentes escenas o personajes inspirados en el folklore escandinavo. En este caso el diseño es mucho más contenido en color y en abundancia de gráficos y el resultado es sólo vagamente reconocible. Image by www.designweek.co.uk

Arte


El uso de técnicas tradicionales como el bordado o el tejido en el arte nos ha dado ejemplos muy interesantes de cómo podemos evolucionar y transformar nuestro legado, dotándolo de significados completamente distintos. Y son las mujeres las que, aprovechando la tradición casi exclusivamente femenina de muchas de esas técnicas, están creado las piezas más interesantes.

Buen ejemplo de ello la obra de la portuguesa Joana Vasconcelos, que descontextualiza y «pervierte» muchas de esas destrezas tradicionales como el ganchillo, creando monumentales, rupturistas y orgánicas instalaciones.

images by joanavasconcelos.com
Valkyrie Marina Rinaldi, 2014
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True faith, 2014 – images by joanavasconcelos.com

La artista peruana Ana Teresa Barboza reinventa las técnicas del bordado y la costura, sirviéndose de ellas como elementos pictóricos con los que construye paisajes desestructurados de ricas y expresivas texturas o escenas cotidianas vestidas con un halo de surrealismo.

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images by www.fubiz.net

Como ellos mismos se definen, Play Clan parte del folklore tradicional, reinterpretándolo desde una base contemporánea para crear colecciones de objetos y ropa con ilustraciones basadas en la mitología hindú.

image by www.fubiz.net
image by www.fubiz.net

Te recomiendo dos artículos si quieres profundizar en esta técnica: comienzo con este completo artículo de illusion.scene360.com «10 artist who contemporize the ancient craft of embroidery«, donde encontrarás una estupenda selección de artistas que trabajan con la técnica tradicional de bordado desde una perspectiva totalmente contemporánea. Y en «10 Contemporary embroidery artists» encontrarás alguna más en una web (Textileartist.org) que deberías guardar si te interesan este tipo de técnicas enfocadas al arte.

Pero no sólo del bordado viven las mujeres artistas interesadas en el folklore. La fotógrafa noruega Bjørg-Elise Tuppen se inspiró en la mitología y los paisajes de su país para crear la serie «Norway – The land of Myths and Folklore«, formada por etéreas y bellísimas composiciones.

image by Bjørg-Elise Tuppen
image by Bjørg-Elise Tuppen

Lore of the North es un proyecto fotográfico del estudio inglés Lord Whitney, capitaneado por Amy Lord y Rebekah Whitney. Volcado posteriormente en un libro homónimo, ofrece instantáneas inspiradas en el folklore del norte de Inglaterra aunque pasadas por un filtro de estilo muy personal que en ocasiones nos resulta casi cinematográfico. El libro no sólo ofrece una visión muy particular de estos mitos, si no que permite al lector desarrollar su propia historia y hacerla interactiva.

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images by lordwhitney.co.uk

Con un acercamiento similar, pero muy diferente en cuanto a las mitologías que lo inspiran y al estilo, creó el fotógrafo Charles Fréger su serie «Yokainoshima«. Profundamente inspirado en la mitología japonesa, las imágenes nos muestran distintos seres que habitan la naturaleza y vinculan a los habitantes con ella, concentrando este encuentro en festivales y festividades locales. Con una interpretación un tanto libre de esos mitos, el fotógrafo recoge todo lo visto y aprendido durante sus viajes por la zona, destacando la enorme influencia que aún tienen en la cultura japonesa actual. No dejéis de visitar su web, tiene trabajos muy interesantes. Via www.itsnicethat.com.

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images by www.charlesfreger.com

Moda


Que los elaborados bordados propios de la vestimenta tradicional de muchos pueblos tuviesen una amplia influencia en la moda era algo lógico y previsible, una suerte de evolución natural. Fuertemente cargados de simbolismo y connotaciones religiosas, históricas o relacionadas con el entorno natural, su rico imaginario es y ha sido fuente inagotable de inspiración -y apropiación- para los diseñadores de moda desde hace mucho tiempo. El que lo hagan con mayor o menor respeto y conocimiento es otro tema…

La firma Valentino, con los diseñadores Maria Grazia Chiuri y Pier Paolo Piccioli al frente del equipo creativo, ha construido un universo propio basado en buena medida en el folklore de diversos pueblos, sobre todo del este de Europa. Con sus delicados y etéreos vestidos y bordados han dotado de modernidad a un estilo que huye de lo hippie para convertirse en sensual e intelectual, revalorizando técnicas artesanales que estaban a punto de perderse para siempre.

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image by culturacolectiva.com
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image by www.blouinartinfo.com

Otro diseñador cuya trayectoria ha estado influenciada en ocasiones por el folklore es el belga Dries Van Noten. Las imágenes a continuación proceden de su colección de primavera verano de 2014.

images by thestylecrusader.com
images by thestylecrusader.com

Otro más de los maravillosos libros editados por Gestalten. En este caso, dedicado a la vestimenta tradicional del norte de Europa y acompañado de preciosas e impactantes fotografías.

Vlisco Fabrics es una curiosa mezcla entre empresa textil casi de lujo e institución dedicada a la conservación y comunicación de los diseños textiles tradicionales en África. Aunque no es una empresa africana, si no holandesa, los diseños son puramente africanos y tienen una enorme popularidad en el continente. Basados en tradiciones e historias a menudo familiares, cada diseño tiene vinculada su propia historia.

image by vlisco.com
image by vlisco.com

Increíbles y elaborados vestidos realizados en papel por la artista Asya Kozina, basados en el folklore indígena de Siberia. La artista tiene en su portfolio más ejemplos de interpretaciones bastante libres de trajes tradicionales en papel.

image by Asya Kozina
image by Asya Kozina

Diseño de producto y espacios


Ideado y construido para la Expo de Milán 2015, este pabellón para Ecuador fue diseñado por los españoles Zorrozua y Asociados en conjunción con KriskaDECOR, empresa especializada en el uso de cadenas metálicas de color para la decoración de interiores. El exterior del edificio, realizado con estas cadenas, está inspirado en los conocidos textiles ecuatorianos y en su riqueza de color y tramas.

image via www.frameweb.com
image via www.frameweb.com

Los hermanos Campana se han caracterizado desde sus comienzos por incorporar no tanto el folklore de su país, Brasil, como el estilo y la capacidad de invención de la gente de la calle. Consiguen así dotar de modernidad e interés objetos que, creados sin una perspectiva de diseño, podrían ser considerados burdos, toscos. Una de sus últimas colecciones es la llamada Cangaço, bandidos del pueblo que vivieron a finales del s XIX y principios del XX de los que la leyenda dice que, cual Robin Hood brasileño, robaban a los ricos para dárselo a los pobres. La realidad no siempre era tan amable, pero lo cierto es que dejaron un estilo propio fuertemente étnico y colorido en el que se han inspirado los Campana para esta colección, construida con pieles de colores cosidas, abalorios, etc.

image by dezeen.com
image by dezeen.com

Moroso es una de mis firmas de diseño de mobiliario preferidas, por lo creativas y originales que son sus piezas. Dentro de su catálogo tiene muchos ejemplos de diseños inspirados o influenciados por las tradiciones africanas, entre los que he seleccionado los siguientes:

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Diseños de Ayse Birsel & Bibi Seck, Tord Boontje, Patricia Urquiola y Sebastian Herkner. Image by www.moroso.it

Ettore Sottsass, uno de los diseñadores más conocidos del grupo Memphis, viajó a la India en numerosas ocasiones, enamorado del país y de su uso libre y desmesurado del color. Estos viajes y el contacto con su cultura tuvieron una enorme influencia en él y en sus diseños. Este interesante artículo de Architizer.com nos muestra la relación entre las casas de Tirunamavalai, situada al sur de la India, y los diseños de Ettore. Estos edificios, construidos alrededor de los años 40 del pasado siglo, se exhiben con una aparentemente disparatada mezcla de colores y formas, como si el art-deco y la psicodelia hubiesen pasado una loca noche juntos. En realidad ésa es más bien nuestra perspectiva como occidentales, porque esas elecciones de formas y colores no son arbitrarias para ellos y responden a un uso del color y las formas muy arraigado en la cultura india.

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images by architizer.com

Li Edelkoort, posiblemente una de las personalidades más influyentes a nivel internacional en el campo del diseño, comisarió una exposición en 2013 para la Design Indaba Expo denominada «Totemism: Memphis Meets Africa». Un título de lo más sugerente para una exposición que maridaba el diseño africano contemporáneo con su ancestral cultura. Te dejo un vídeo del evento:

Totemism: Memphis Meets Africa at Design Indaba Expo from Design Indaba on Vimeo.

El diseñador Bertjan Pot comenzó construyendo estas máscaras como un simple ejercicio de experimentación con materiales para la construcción de alfombras, cosiendo cuerdas de diferentes colores. Finalmente se dio cuenta de que para ese fin no servía, pero se les ocurrió crear con ellas divertidas máscaras que recuerdan al arte africano o indio americano.

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image by bertjanpot.nl

La diseñadora Patricia Urquiola tiene un estilo reconocible y al mismo tiempo difícil de clasificar. Rejuvenece técnicas, estilos y materiales propios de la artesanía de distintos pueblos, dándoles un aire fresco y femenino que resulta de lo más apetecible.

mesa y taburetes en madera, hechos a mano en colaboración con Mabeo, un fabricante de muebles de Botswana. Image by patriciaurquiola.com
Mesa y taburetes en madera hechos a mano en colaboración con Mabeo ( fabricante de muebles de Botswana) para la colección Sefefo. Image by patriciaurquiola.com
Parte de la colección Margas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero tamaños y diseños modernizados que invitan al disfrute y bueno, a abrazarlos :)
Alfombra que forma parte de la colección Mangas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero escala y diseño modernizados que invitan al disfrute y.. bueno, a abrazarlas. Image by patriciaurquiola.com

Un poco de información extra…


Vídeo del TED Institute.

Interesante vídeo del Museo Británico del Folklore para intentar salvar la institución de la desaparición, ya que no tiene ni siquiera edificio donde colocar su colección. Vía itsnicethat.com

Joyería contemporánea

Contemporary jewelry: a curated selection of projects regarding this topic.


Adornar el propio cuerpo es una costumbre que se ha repetido siglo tras siglo en innumerables culturas. Incluso hay animales que se adornan con distintos fines. En nuestro caso no siempre es por una cuestión de vanidad: las joyas o adornos corporales pueden indicar estatus, pertenencia a determinada tribu o familia, edad, estado civil, creencias religiosas o políticas… usamos los objetos que nos colocamos encima para comunicar mediante complejos códigos nuestra forma de ser y de pensar. O también para atraer al sexo contrario, por supuesto.

En las culturas occidentales la denominación de joyas se reservaba casi exclusivamente para piezas realizadas con piedras o metales preciosos. En las que los códigos de riqueza y exclusividad eran comprendidos por cualquiera, sea cual fuese su origen. Cuanto más grande y raro de conseguir, más rico y poderoso se era.

La situación ahora es un poco más difusa. Siguen existiendo joyas cuyo precio es obscenamente caro, pero al mismo tiempo existe un creciente grupo de diseñadores de joyas que creen que también son importantes la historia que envuelve la pieza, su belleza no siempre evidente, las sensaciones, las tendencias, la ecología…

Portar una joya de estas características no siempre es un síntoma de estatus pero, al igual que por sucede con la ropa, llevarla implica que pertenecemos a un selecto club de personas que entienden y valoran la creatividad y los valores que cada pieza pueda encerrar. Son más expresivas, más personales, mucho más imaginativas. Son piezas para personas que -a menudo- valoran más ser y conocer que tener.


Joyería experimental


Kinetic rings, por Dukno Yoon

Joyas cinéticas realizadas por el artista norteamericano Dukno Yoon que exploran e imitan el vuelo de aves e insectos, replicándolas mediante complejos y sutiles mecanismos que se accionan con el movimiento de los dedos o de las manos.

image by art.ksu.edu
image by thisiscolossal.com
image by thisiscolossal.com

Maiko Takeda

Sombrerera y diseñadora de joyas japonesa, que consiguió fama gracias a los accesorios creados para Bjork en su gira de 2013. A mitad de camino entre un casco y una joya, sus piezas envuelven toda la cabeza, distorsionando sus límites y desdibujando los rasgos.

image by www.maikotakeda.com
image by www.maikotakeda.com

Neclumi

Según sus creadores, el grupo de diseñadores Pangenerator, éste es el primer collar interactivo basado en la proyección de luces que reaccionan según diversos parámetros (movimiento, velocidad, giro, etc. del usuario).

Vía Fubiz.

Autodiscipline

La diseñadora Oleksandra Gerasymchuk, en colaboración con Florent Gros, ha creado una serie de joyas que obligan a su portadora a mantener una posición erguida y artificial. Bordeando en ocasiones la incomodidad, resultan una conceptualización un tanto perversa del título de la serie.

Vía Fubiz.

Autodiscipline. Image by Oleksandra Gerasymchuk

Autodiscipline. Image by Oleksandra Gerasymchuk
Autodiscipline. Images by Oleksandra Gerasymchuk

Mariko Kusumoto

Esta artista de origen japonés y afincada en Massachusetts crea pequeñas esculturas a partir de bolas de polyester translúcidas y coloridas que contienen pequeños objetos, y que pueden usarse como collares. Mediante un laborioso proceso de calentamiento de la tela, ésta guarda la forma deseada y aporta la rigidez necesaria para incluir pequeños animales, cochecitos, formas…

Mariko Kusumoto. Image by Fubiz

Mariko Kusumoto. Image by Fubiz
Mariko Kusumoto. Images by Fubiz


Naturaleza portátil


Paisajes cápsula

Creadas por Secret Wood desde Canadá, estas joyas están compuestas de madera, resina y cera de abeja. Recrean paisajes abstractos en miniatura, desde montañas nevadas hasta fondos marinos.

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Secret Wood, images by Fubiz
Secret Wood, images by Thisiscolossal

Joyas-cactus

Susan McLeary crea joyas de interior rígido y de exterior efímero y vegetal. Sus joyas, que son como pequeñas y metálicas «macetas», alojan plantas tipo suculentas y cactus que duran entre 2 y cuatro semanas. Cuando mueren, la artista propone seguir usando la joya desnuda o colocar nuevas plantas.

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images by fubiz.net
images by fubiz.net

Joyas recicladas


Son varios los diseñadores que realizan piezas a partir de trozos descartados o aparentemente inservibles de maderas y otros materiales, como resinas o libros.

El diseñador Marcen Dunger crea sus joyas a partir de piezas astilladas de madera de arce y bio-resinas.

image by Marcel Dunger
image by Marcel Dunger

Britta Boeckmann crea joyas similares en cuanto a los materiales empleados, pero con un resultado más vivo en color y de aspecto menos fragmentado, más pulido.
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images by thisiscolossal.com

Jeremy May, a través de su marca Littlefly, da un sentido completamente nuevo a la expresión «joya literaria». Sus joyas están creadas a partir de cientos de hojas cuidadosamente extraídas de viejos libros, con lo que cada pieza es única e irrepetible. Algunas de sus piezas han sido adquiridas por Museos o colecciones particulares.

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images by Littlefly
images by Littlefly

Orgánico vs mecánico


Lucie Houdková es una diseñadora de la República Checa que actualmente vive en Praga. Ha realizado estudios de arte y diseño en Praga y Dublín, y sus joyas ha sido adquiridas por algunos museos y coleccionistas privados de Europa y Estados Unidos. Sus piezas tienen un carácter orgánico y futurista, y están realizadas en materiales tan diversos como papel o metal.

Broche de papel, epoxy y acero - image by luciehoudkova.com
Broche de papel, epoxy y acero – image by luciehoudkova.com
Collar de papel, acero, plata y plástico - image by luciehoudkova.com
Collar de papel, acero, plata y plástico – image by luciehoudkova.com
Broches de papel, plata y acero - image by luciehoudkova.com
Broches de papel, plata y acero – image by luciehoudkova.com

El estudio Tjep, creado por Frank Tjepkema, desarrolla su creatividad a través de un variado rango de productos, incluidas joyas, divertidas y descaradas. Creadas a partir de capas de finísimas láminas metálicas, sus modernas e irreverentes interpretaciones de cruces y corazones incluyen famosos logotipos o piezas características de un reloj.

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images by www.tjep.com

Nervous System, según sus propias palabras, es un estudio de diseño generativo que trabaja en la intersección entre la ciencia, el arte y la tecnología. Desarrollan un software propio que les permite crear objetos para la casa o joyas inspirados en patrones y formas presentes en la naturaleza.

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images by n-e-r-v-o-u-s.com
images by n-e-r-v-o-u-s.com

Arte y color


Eleonora Guidotti es una arquitecta de origen italiano afincada en España. Sus collares muestran una original y muy personal combinación de colores y texturas que los convierte en pequeñas esculturas. Algunos de ellos inspirados en la obra de diversos artistas, como los Delaunay. Pueden encontrarse, entre otros puntos de venta, en la tienda del Museo Thyssen de Madrid.

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images by Eleonora Guidotti

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La artista francesa -aunque residente en Londres- Blandine Bardeau inició su trayectoria en el campo de la moda y la joyería, aunque los trabajos que actualmente expone en su web son de carácter artístico. En 2013 creó una serie de insólitas joyas de colorido impactante y materiales plásticos, de carácter tribal, psicodélico y alegre.

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images by brwnpaperbag.com
images by brwnpaperbag.com

Tatty Devine es la marca bajo la cual diseñan sus alocadas y muy originales piezas Harriet Vine and Rosie Wolfenden. Todo el proceso, desde el diseño hasta la producción, lo realizan desde su taller en Londres. Son piezas para personas atrevidas y con mucho sentido del humor que no pasan desapercibidas.

image by tattydevine.com

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Collar para la Tate de Londres - image by tattydevine.com
Collar para la Tate de Londres – images by tattydevine.com