Marcas

Folklore y modernidad

Folklore and traditional arts and crafts: a curated selection of projects regarding this topic.


Reconozco que tenía especiales ganas de abordar este artículo. Me interesan estos temas -el folklore, la artesanía tradicional, las culturas ancestrales- desde hace muchos años, aunque no con un matiz nostálgico o reivindicativo, si no más bien como fuente de inspiración e imaginación. El salto cultural y generacional es en la mayoría de los casos enorme, por lo que mi interpretación y la de cualquiera que no sea parte de esa cultura será sin duda alguna superficial y un poco frívola, pero este intercambio-contaminación cultural lleva sucediendo miles de años y ha difundido leyendas, artes y mitologías que se han sumado a las ya existentes, creando nuevos mitos y religiones. Lo que ahora hacemos, por tanto, no es tan distinto de lo que se hizo siempre: interpretar otras realidades y conocimientos, dándoles nueva vida al añadirlas a las nuestras propias.

Cambian, eso sí, los tiempos de producción. Pasamos de objetos hechos a mano a producirlos -aunque no siempre- industrialmente y a velocidades inconcebibles hace tan sólo unos años. El intercambio cultural es tan amplio y sucede a una velocidad tan vertiginosa que supone un importante esfuerzo consciente pararse a profundizar y darse tiempo para curiosear a fondo. Pero ésa sí es una gran ventaja de nuestro tiempo: el acceso a la información nunca ha sido tan universal y económico en toda la historia de la humanidad como lo es ahora. Podemos aprender sobre cultura japonesa sin poner el pie en Tokio, o inspirarnos en las máscaras de los nativos americanos sin perdernos en el desierto. No necesitamos disponer de grandes cantidades de tiempo y dinero para viajar, e incluso podemos conocer culturas que hace cientos o miles de años que desaparecieron.

Pero no es menos cierto que todo esta información se está perdiendo a pasos agigantados. No sólo porque lógicamente nuestra evolución como sociedad ha dejado de lado muchas de las costumbres y necesidades que daban sentido al uso diario de estos mitos o técnicas, si no más bien por nuestra dejadez y falta de interés a la hora de preservar y registrar todas esas manifestaciones culturales de cara al futuro. Y no sólo con un interés antropológico o histórico, también porque creo firmemente que son un recurso fantástico para la creación y la innovación. En España podrás encontrar una cantidad considerable de pequeños museos locales que malviven en la mayoría de los casos con colecciones dispersas, mejor o peor documentadas y mostradas, llevados a menudo por personas con una enorme pasión por la conservación del folklore tradicional. Si bien encontramos áreas en los museos de antropología dedicadas al folklore, suelen ser exposiciones un tanto apáticas que no ayudan a despertar interés en las nuevas generaciones. Echo de menos un punto de teatralidad e imaginación, necesarias para ayudarnos a entender cómo esas tradiciones -que ahora se os antojan fantasía pura y de las cuales apenas percibimos formas y diseños- formaban parte de la vida y creencias de las personas.

Creo que Alexander Girard expresó mejor que yo la importancia de preservar nuestro legado artístico, mitológico y artesanal no sólo por razones etnográficas o sentimentales, si no como inagotable fuente de inspiración para el futuro:

I believe we should preserve this evidence of the past, not as a pattern for sentimental imitation, but as nourishment for the creative spirit of the present.»

—Alexander Girard


Identidad, gráfico y packaging


Si hablamos de la influencia que tiene el folklore en el diseño tenemos que hablar de Alexander Girard, uno de los diseñadores más renombrados e influyentes del pasado siglo. Profundamente admirador y conocedor del folklore y el arte tradicional de muchos pueblos alrededor del mundo, Girard no sólo asimiló e incorporó lo aprendido en sus trabajos, si no que recopiló a lo largo de los años una de las mayores colecciones privadas de Folk Art del mundo, donándola en parte al Museo Internacional de Folk Art en Santa Fe, Nuevo Mexico.

Puedes leer un breve resumen de su trayectoria en la página que le ha dedicado Vitra con motivo de la exposición de parte de sus trabajos.

image by magazine.designbest.com
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image by www.vidivisuals.com
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Sanna Annukka es una diseñadora inglesa de ascendencia en parte finlandesa que pasó parte de su infancia en Finlandia, con su abuela y parte de la familia. La riqueza del folklore y las leyendas del lugar, sus colores y formas básicas, inspiraron profundamente a Sanna, que a partir de entonces las incorporó a su trabajo con un estilo muy personal pero completamente adaptado al gusto contemporáneo. Se dio a conocer gracias a la portada que creó para el album «Under the iron sea» de Keane. En la actualidad Trabaja para Marimekko y para su propia firma.

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image by www.happymundane.com

El Project K (The Korean Fil Festival) fue realizado en 2013 para dar a conocer el cine actual coreano en Frankfurt, Alemania. El diseñador Il-ho Jung fue el encargado de realizar el diseño de la identidad del evento y todas sus aplicaciones, para lo que se inspiró en el estilo Dancheong, una mezcla de patrones y tramas que suelen adornar los templos, además de en las máscaras tradicionales de su país, que fueron transformadas para reflejar momentos o personajes de las películas mostradas en el festival. El Dancheong se caracteriza por el uso de colores brillantes y complejas tramas y dibujos. En Wikipedia podéis ver ejemplos. Un trabajo muy interesante.

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images by www.il-ho.com

El diseñador guatemalteco Jorge Letona diseñó la tipografía Hunab-Ku con influencias mayas. Hunab-Ku significa «dios supremo». Por esas vueltas que da la vida, esta tipografía terminó siendo usada por la banda de rock americana Iron Maiden para su disco The Book of Souls, de 2015.

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images by Jorge Letona

 

Las marcas han sabido explotar muy bien la riqueza gráfica y simbólica del folklore especialmente en el diseño de envases y envoltorios, apropiándose con mayor o menor fortuna de sus signos, personajes, formas y colores. He seleccionado algunos ejemplos que he encontrado y que, bajo mi punto de vista, han conseguido incorporar esa estética con más elegancia o modernidad.

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Etiqueta creada por Shotopop para Johnnie Walker y basada en el folklore chino, mostrando el inmortal árbol de la luna y el conejo de jade. Enlazando la leyenda con el personaje de la marca, el caballero permanentemente en camino, incorporan el mensaje y valores de la historia original. Image by www.designweek.co.uk
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Es increíble que este proyecto sea obra de un estudiante y que no se haya sacado al mercado, porque me parece realmente interesante. Diseñado por Caleb Heisey, ilustra personajes y leyendas propios del folklore sueco. La intención era hacer el producto, un licor típico de la zona llamado akvavit, más comprensible para el mercado americano. Image by www.calebheisey.com
Packaging realizado por
Packaging realizado por Studio Parr para la marca de cervezas High Weald e inspirado en antiguas leyendas anglosajonas. Image by www.thedieline.com
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A la agencia canadiense Goods & Services no se le ocurrió mejor regalo que enviar a sus clientes por navidad que estas dos botellas de vino, especialmente creadas y diseñadas para la ocasión. La que contiene vino blanco nos muestra a Nicholas, personaje origen de Papá Noel, mientras que la otra contiene vino rojo y se cubre con el personaje de Krampus, que imagino no será tan buen tipo… image by www.packagingoftheworld.com
Diseñados por la agencia Big Fish para
Diseñados por la agencia Big Fish para la marca de tortas de arroz Kallo, muestran diferentes escenas o personajes inspirados en el folklore escandinavo. En este caso el diseño es mucho más contenido en color y en abundancia de gráficos y el resultado es sólo vagamente reconocible. Image by www.designweek.co.uk

Arte


El uso de técnicas tradicionales como el bordado o el tejido en el arte nos ha dado ejemplos muy interesantes de cómo podemos evolucionar y transformar nuestro legado, dotándolo de significados completamente distintos. Y son las mujeres las que, aprovechando la tradición casi exclusivamente femenina de muchas de esas técnicas, están creado las piezas más interesantes.

Buen ejemplo de ello la obra de la portuguesa Joana Vasconcelos, que descontextualiza y «pervierte» muchas de esas destrezas tradicionales como el ganchillo, creando monumentales, rupturistas y orgánicas instalaciones.

images by joanavasconcelos.com
Valkyrie Marina Rinaldi, 2014
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True faith, 2014 – images by joanavasconcelos.com

La artista peruana Ana Teresa Barboza reinventa las técnicas del bordado y la costura, sirviéndose de ellas como elementos pictóricos con los que construye paisajes desestructurados de ricas y expresivas texturas o escenas cotidianas vestidas con un halo de surrealismo.

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images by www.fubiz.net

Como ellos mismos se definen, Play Clan parte del folklore tradicional, reinterpretándolo desde una base contemporánea para crear colecciones de objetos y ropa con ilustraciones basadas en la mitología hindú.

image by www.fubiz.net
image by www.fubiz.net

Te recomiendo dos artículos si quieres profundizar en esta técnica: comienzo con este completo artículo de illusion.scene360.com «10 artist who contemporize the ancient craft of embroidery«, donde encontrarás una estupenda selección de artistas que trabajan con la técnica tradicional de bordado desde una perspectiva totalmente contemporánea. Y en «10 Contemporary embroidery artists» encontrarás alguna más en una web (Textileartist.org) que deberías guardar si te interesan este tipo de técnicas enfocadas al arte.

Pero no sólo del bordado viven las mujeres artistas interesadas en el folklore. La fotógrafa noruega Bjørg-Elise Tuppen se inspiró en la mitología y los paisajes de su país para crear la serie «Norway – The land of Myths and Folklore«, formada por etéreas y bellísimas composiciones.

image by Bjørg-Elise Tuppen
image by Bjørg-Elise Tuppen

Lore of the North es un proyecto fotográfico del estudio inglés Lord Whitney, capitaneado por Amy Lord y Rebekah Whitney. Volcado posteriormente en un libro homónimo, ofrece instantáneas inspiradas en el folklore del norte de Inglaterra aunque pasadas por un filtro de estilo muy personal que en ocasiones nos resulta casi cinematográfico. El libro no sólo ofrece una visión muy particular de estos mitos, si no que permite al lector desarrollar su propia historia y hacerla interactiva.

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images by lordwhitney.co.uk

Con un acercamiento similar, pero muy diferente en cuanto a las mitologías que lo inspiran y al estilo, creó el fotógrafo Charles Fréger su serie «Yokainoshima«. Profundamente inspirado en la mitología japonesa, las imágenes nos muestran distintos seres que habitan la naturaleza y vinculan a los habitantes con ella, concentrando este encuentro en festivales y festividades locales. Con una interpretación un tanto libre de esos mitos, el fotógrafo recoge todo lo visto y aprendido durante sus viajes por la zona, destacando la enorme influencia que aún tienen en la cultura japonesa actual. No dejéis de visitar su web, tiene trabajos muy interesantes. Via www.itsnicethat.com.

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images by www.charlesfreger.com

Moda


Que los elaborados bordados propios de la vestimenta tradicional de muchos pueblos tuviesen una amplia influencia en la moda era algo lógico y previsible, una suerte de evolución natural. Fuertemente cargados de simbolismo y connotaciones religiosas, históricas o relacionadas con el entorno natural, su rico imaginario es y ha sido fuente inagotable de inspiración -y apropiación- para los diseñadores de moda desde hace mucho tiempo. El que lo hagan con mayor o menor respeto y conocimiento es otro tema…

La firma Valentino, con los diseñadores Maria Grazia Chiuri y Pier Paolo Piccioli al frente del equipo creativo, ha construido un universo propio basado en buena medida en el folklore de diversos pueblos, sobre todo del este de Europa. Con sus delicados y etéreos vestidos y bordados han dotado de modernidad a un estilo que huye de lo hippie para convertirse en sensual e intelectual, revalorizando técnicas artesanales que estaban a punto de perderse para siempre.

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image by culturacolectiva.com
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image by www.blouinartinfo.com

Otro diseñador cuya trayectoria ha estado influenciada en ocasiones por el folklore es el belga Dries Van Noten. Las imágenes a continuación proceden de su colección de primavera verano de 2014.

images by thestylecrusader.com
images by thestylecrusader.com

Otro más de los maravillosos libros editados por Gestalten. En este caso, dedicado a la vestimenta tradicional del norte de Europa y acompañado de preciosas e impactantes fotografías.

Vlisco Fabrics es una curiosa mezcla entre empresa textil casi de lujo e institución dedicada a la conservación y comunicación de los diseños textiles tradicionales en África. Aunque no es una empresa africana, si no holandesa, los diseños son puramente africanos y tienen una enorme popularidad en el continente. Basados en tradiciones e historias a menudo familiares, cada diseño tiene vinculada su propia historia.

image by vlisco.com
image by vlisco.com

Increíbles y elaborados vestidos realizados en papel por la artista Asya Kozina, basados en el folklore indígena de Siberia. La artista tiene en su portfolio más ejemplos de interpretaciones bastante libres de trajes tradicionales en papel.

image by Asya Kozina
image by Asya Kozina

Diseño de producto y espacios


Ideado y construido para la Expo de Milán 2015, este pabellón para Ecuador fue diseñado por los españoles Zorrozua y Asociados en conjunción con KriskaDECOR, empresa especializada en el uso de cadenas metálicas de color para la decoración de interiores. El exterior del edificio, realizado con estas cadenas, está inspirado en los conocidos textiles ecuatorianos y en su riqueza de color y tramas.

image via www.frameweb.com
image via www.frameweb.com

Los hermanos Campana se han caracterizado desde sus comienzos por incorporar no tanto el folklore de su país, Brasil, como el estilo y la capacidad de invención de la gente de la calle. Consiguen así dotar de modernidad e interés objetos que, creados sin una perspectiva de diseño, podrían ser considerados burdos, toscos. Una de sus últimas colecciones es la llamada Cangaço, bandidos del pueblo que vivieron a finales del s XIX y principios del XX de los que la leyenda dice que, cual Robin Hood brasileño, robaban a los ricos para dárselo a los pobres. La realidad no siempre era tan amable, pero lo cierto es que dejaron un estilo propio fuertemente étnico y colorido en el que se han inspirado los Campana para esta colección, construida con pieles de colores cosidas, abalorios, etc.

image by dezeen.com
image by dezeen.com

Moroso es una de mis firmas de diseño de mobiliario preferidas, por lo creativas y originales que son sus piezas. Dentro de su catálogo tiene muchos ejemplos de diseños inspirados o influenciados por las tradiciones africanas, entre los que he seleccionado los siguientes:

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Diseños de Ayse Birsel & Bibi Seck, Tord Boontje, Patricia Urquiola y Sebastian Herkner. Image by www.moroso.it

Ettore Sottsass, uno de los diseñadores más conocidos del grupo Memphis, viajó a la India en numerosas ocasiones, enamorado del país y de su uso libre y desmesurado del color. Estos viajes y el contacto con su cultura tuvieron una enorme influencia en él y en sus diseños. Este interesante artículo de Architizer.com nos muestra la relación entre las casas de Tirunamavalai, situada al sur de la India, y los diseños de Ettore. Estos edificios, construidos alrededor de los años 40 del pasado siglo, se exhiben con una aparentemente disparatada mezcla de colores y formas, como si el art-deco y la psicodelia hubiesen pasado una loca noche juntos. En realidad ésa es más bien nuestra perspectiva como occidentales, porque esas elecciones de formas y colores no son arbitrarias para ellos y responden a un uso del color y las formas muy arraigado en la cultura india.

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images by architizer.com

Li Edelkoort, posiblemente una de las personalidades más influyentes a nivel internacional en el campo del diseño, comisarió una exposición en 2013 para la Design Indaba Expo denominada «Totemism: Memphis Meets Africa». Un título de lo más sugerente para una exposición que maridaba el diseño africano contemporáneo con su ancestral cultura. Te dejo un vídeo del evento:

Totemism: Memphis Meets Africa at Design Indaba Expo from Design Indaba on Vimeo.

El diseñador Bertjan Pot comenzó construyendo estas máscaras como un simple ejercicio de experimentación con materiales para la construcción de alfombras, cosiendo cuerdas de diferentes colores. Finalmente se dio cuenta de que para ese fin no servía, pero se les ocurrió crear con ellas divertidas máscaras que recuerdan al arte africano o indio americano.

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image by bertjanpot.nl

La diseñadora Patricia Urquiola tiene un estilo reconocible y al mismo tiempo difícil de clasificar. Rejuvenece técnicas, estilos y materiales propios de la artesanía de distintos pueblos, dándoles un aire fresco y femenino que resulta de lo más apetecible.

mesa y taburetes en madera, hechos a mano en colaboración con Mabeo, un fabricante de muebles de Botswana. Image by patriciaurquiola.com
Mesa y taburetes en madera hechos a mano en colaboración con Mabeo ( fabricante de muebles de Botswana) para la colección Sefefo. Image by patriciaurquiola.com
Parte de la colección Margas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero tamaños y diseños modernizados que invitan al disfrute y bueno, a abrazarlos :)
Alfombra que forma parte de la colección Mangas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero escala y diseño modernizados que invitan al disfrute y.. bueno, a abrazarlas. Image by patriciaurquiola.com

Un poco de información extra…


Vídeo del TED Institute.

Interesante vídeo del Museo Británico del Folklore para intentar salvar la institución de la desaparición, ya que no tiene ni siquiera edificio donde colocar su colección. Vía itsnicethat.com

Color y transparencia

Transparency and color: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


No hay demasiados elementos en la naturaleza -al menos fácil de observar y comunes- que sean de colores transparentes. Quizás el arco iris fuese uno de los pocos que pudiesen ser observados en casi cualquier punto del globo, mientras hubiese humedad y sol. Las bellísimas auroras boreales son imposibles de ver si no vives muy al norte, y las piedras preciosas de color no suelen estar al alcance de cualquiera.

Quizás por esta razón no se empezase a trabajar la transparencia del color en el arte occidental hasta que la técnica de la veladura, en la que capas semi-transparentes de pintura se van añadiendo al cuadro, apareció en el Renacimiento, aunque ya antes las detalladas y complejas vidrieras de colores de las catedrales deslumbraban a quien pudiese contemplarlas. Desde entonces han aparecido técnicas y materiales diferentes, como las acuarelas. Pero no fue hasta que dominamos la luz de color que entendimos todas sus posibilidades creativas y apareció un nuevo mundo de posibilidades.

La mezcla del color y la transparencia sigue teniendo un aire de modernidad, de tecnología. Muchos de los proyectos que he seleccionado no hubiesen sido posibles hace 50 años. Las pantallas (de ordenador, de móvil, de TV) han invadido nuestras vidas con luces de colores. Nuestras casas tienen accesorios o muebles de cristal o vidrio de colores. Nos vestimos con ropa realizada con capas de tela translúcida de múltiples tonos.

Quizás sea el signo de los tiempos y la cada vez mayor inmaterialidad que rodea nuestras vidas influencie también al color con el que fabricamos nuestros objetos. ¿Tú que opinas?…


Arte


The Portrait Machine Proyect

Carlo Van de Roer es un artista neozelandés que vive en New York. Una de sus obras más conocidas es ésta, en la que fotografía diferentes personas con una cámara Polaroid modificada y conectada mediante sensores al sujeto, midiendo al mismo tiempo su campo electromagnético. Con esta herramienta, llamada coloquialmente como la cámara del aura, el artista consigue retratos cargados de belleza y poesía, en las que -supuestamente- los colores que rodean al retratado corresponden a su estado de ánimo.

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images by vanderoer.com

Your rainbow panorama

Es inevitable que Olafur Eliasson sea una fuente (casi) inagotable de posibles asociaciones. Su habilidad -y la del equipo que le acompaña- para imaginar y desarrollar proyectos con múltiples capas de significados y emociones es tan fructífera que son una constante fuente de inspiración para muchos, entre los que me incluyo.

En este proyecto, Your Rainbow Panorama, crearon un paseo circular y envuelto en colores para en la ciudad de Aarhus (Dinamarca). Como resultado de un concurso impulsado por el museo de arte de la ciudad, instalaron encima del edificio una estructura que permite un paseo continuo y contemplativo de la ciudad y el cielo. Los colores filtran las vistas, variando de tono según la zona de la ciudad que permitan ver.

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images by olafureliasson.net

Chromosaturation

Esta obra del artista franco-venezolano Carlos Cruz-Diez ha ido evolucionando con los años desde su primera instalación en 1965 en París. Dejemos que él mismo nos la explique:

Estas obras se relacionan con la idea de que en el origen de toda cultura reposa un acontecimiento primario como punto de partida. Una situación simple que genera todo un sistema de pensamiento, una sensibilidad, mitos, etc. La Chromosaturation es un ambiente artificial compuesto por tres cámaras de color, una roja, una verde y otra azul, que sumergen al visitante en una situación monocroma absoluta. Esta experiencia origina perturbaciones en la retina, habituada a percibir simultáneamente amplias gamas de colores. La Chromosaturation puede actuar como detonante activando en el espectador la noción del color en tanto que situación material, física, que sucede en el espacio sin la ayuda de la forma e incluso sin soporte alguno, independientemente de las convenciones culturales.

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image by www.hku.hk
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image by www.cruz-diez.com

De la gente de Raw Color citaremos dos trabajos, uno de gráfica (que encontrarás más abajo) y éste, The Fans. Esta instalación, sencilla pero efectiva, parte de un elemento -simples ventiladores- cuyas piezas son de colores sólidos, pero que gracias al movimiento se «transforman» en círculos de color vivo que dejan ver parcialmente lo que hay detrás.

The Fans – Installation from Raw Color on Vimeo.


Gráfica


Universo de Emociones

En este proyecto, creado conjuntamente entre varios autores (Eduard Punset, Rafael Bisquerra y el estudio de diseño Palau Gea), la ciencia y el diseño se unen para representar gráficamente un mapa de las emociones humanas. Mediante el uso del color y la transparencia se transmite no sólo el carácter de cada emoción, si no también su intensidad.

Se muestran las dos versiones del cartel realizado, de más antigua a más reciente.

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images by www.palaugea.com

Cartelería japonesa

Los diseñadores japoneses son maestros a la hora de crear estas mezclas tan interesantes y atrayentes con elementos abstractos y básicos. Es una de sus señas de identidad -y una habilidad que admiro profundamente-. Encontrarás numerosos ejemplos en los que el color, la luz y las superposiciones crean bellas y etéreas composiciones, éstos son sólo algunos ejemplos.

image by gurafiku.tumblr.com
Mitsuo Katsui – image by gurafiku.tumblr.com
unknown designer - image by mirror-site.org
unknown designer – image by mirror-site.org

Benevolent brand

Esta marca fue creada por Designworks para una de las organizaciones caritativas más antiguas de Australia, Benevolent Society. El objetivo era rejuvenecer y hacer relevante para la sociedad actual una institución con más de 200 años de antigüedad. Los colores representan sus principios y la superposición de los mismos, las ventajas que se obtienen cuando trabajan juntos. Todo el conjunto transmite juventud, alegría e integración, aunque cabe pensar porqué en varias de las aplicaciones las personas que aparecen están solas…

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image by www.designworks.com.au

Keukenconfessies es el nombre de un estudio de diseño especializado en comida que buscaba representar su trabajo mediante una identidad cambiante que reflejase su amor por la comida y los alimentos. El estudio Raw Color fue el encargado de desarrollar este proyecto, y el resultado es un muy amigable, divertido y con muchas combinaciones en el caso de algunas aplicaciones, como las tarjetas de visita, que pueden estamparse con diferentes sellos y colores que recuerdan ingredientes o platos.

image by www.rawcolor.nl
image by www.rawcolor.nl

Espacios y objetos


Los floreros de la marca japonesa D-Bros están realizados con diferentes plásticos. Son flexibles, moldeables, ligeros y económicos (y no se rompen al caer, aunque no te librarás de tener que recoger el agua…).

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images by db-shop.jp

Ventricle

Más jarrones, aunque en esta ocasión de carácter menos naif y más orgánico. La diseñadora Eva Milinkovic diseñó estos jarrones para la firma Tsunami Glassworks basándose en la belleza del corazón humano. Cada pieza es única y están realizadas a mano.

image by tsunamiglassworks.com
image by tsunamiglassworks.com

RGB Vase

Carlos Díez es un diseñador afincado en Londres que dirige un estudio homónimo en el que lo mismo diseñan muebles que carteles. Tras su experiencia trabajando para diseñadores como Matali Crasset o Ron Arad, creó su propio estudio en 2007, con clientes como MUJI, Hermès, o Veuve Cliquot.

Para este proyecto de edición limitada, un jarrón compuesto a su vez de otros tres, Carlos partió del sistema de color RGB, con el que se componen los colores primarios en la luz y por tanto en cualquier pantalla digital. Buscando lograr un tono de púrpura concreto, lo dividió en los tres valores RGB correspondientes con los que creó cada jarrón. Cuando los tres se colocan uno dentro del otro, muestran ese color púrpura al paso de la luz.

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images by hwww.oscar-diaz.net

Bolle

Aunque si hablamos de jarrones de cristal de color, no podemos dejar de citar los icónicos jarrones diseñados por Tapio Wirkkala en 1966. Más complejos técnicamente de lo que pudiera parecer a primera vista, están creados con la técnica del incalmo, que consiste en unir dos piezas de cristal distintas cuando aún están calientes. Ésta permite obtener piezas de colores definidos y totalmente separados.

image by venini.com
image by venini.com

Patricia Urquiola

Asturiana pero residente en Milán, tiene entre sus trabajos espléndidos ejemplos del juego que pueda dar el color y la transparencia. En los que he seleccionado la diseñadora trabaja con el efecto conseguido con la superposición de materiales translúcidos de fuertes colores o con materiales de colorido difuso y apariencia futurista y amable.

En su serie Tropicalia Patricia recrea la riqueza y exuberancia propios de los paisajes y fauna tropical. Aunque los materiales empleados son opacos o sólo ligeramente translúcidos, la superposición de las distintas cuerdas crea una trama de colores y tonos que deja entrever lo que está detrás.

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images by www.patriciaurquiola.com

En Shimmer, es el propio material el que incorpora la mezcla de tonos y colores. Las piezas (mesas, estanterías…) de apariencia mágica y delicada, fueron creadas para la marca Glas Italia y están realizadas en cristal con efecto iridisado, mostrando diferentes colores según el ángulo desde el que las miremos.

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Detail – image by www.designboom.com
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image by www.patriciaurquiola.com

No se puede decir que las chicas de Front Design, las suecas Sofia Lagerkvist y Anna Lindgren, hagan piezas aburridas o tópicas. En su lámpara experimental Surface Tension Lamp, son las pompas de jabón que van creándose y explotando las que forman la pantalla. Con una luz led, la lámpara permite crear hasta 3 millones de pompas diferentes a lo largo de su vida útil. Siempre tendrás una lámpara diferente… y como sé que tienes curiosidad por ver cómo funciona, en este vídeo podrás verlo.

image by www.frontdesign.se
image by www.frontdesign.se

Segmentation

El artista americano Jiyong Lee se inspiró en las células y el proceso de creación de organismos vivos a partir de la división de éstas. Las diferentes piezas de cristal forman objetos inspirados en células, estructuras moleculares o embriones. Sirviéndose de las propiedades del material (transparente o translúcido, de color o sin él) y de distintas técnicas según el objetivo, concibe piezas al mismo tiempo bellas y cargadas de connotaciones. Vía thisiscolossal.com.

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images by www.jiyongleeglass.com

D-Tower

El estudio de arquitectura y arte holandés NOX es una rara mezcla de arquitectura, experimentación, arte, emociones y belleza (según se definen ellos mismos). Para este proyecto, ubicado en la ciudad holandesa de Doetinchem, partieron de un soporte estructural (una torre de 12 metros de altura, de formas orgánicas y un tanto alienígenas) que modificaba los colores proyectados según los datos obtenidos a partir de encuestas y de una web, creada específicamente para el proyecto, en la que se preguntaba a los habitantes de la ciudad cómo se sentían. Hay cuatro sentimientos básicos: odio, amor, felicidad y miedo, que a su vez eran reflejados en cuatro colores distintos (verde, rojo, azul y amarillo). Todos los elementos estaban íntimamente comunicados. La unión de lo aparentemente íntimo (las emociones) y lo externo (la ciudad) se mostraba como una especie de «faro» que reflejaba las emociones de los habitantes de la ciudad.

image by people.ucsc.edu
image by people.ucsc.edu
image by unamaquinalectoradecontexto.wordpress.com
image by unamaquinalectoradecontexto.wordpress.com

La sombra

The shadow: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


Las culturas occidentales relacionamos la sombra con lo oculto, donde se esconden los fantasmas y los monstruos, donde se agazapan las pesadillas. Quizás por razones geográficas y climáticas, en el norte de Europa aman la luz, los espacios blancos y etéreos, ambientes donde las pocas sombras que hallamos son en realidad tonos empolvados algo más oscuros.

Cuanto más nos acercamos al sur, al calor y al sol abrasador, es cuando la sombra y la oscuridad se hacen necesarias para subsistir. Necesitamos el frescor de las casas con ventanas estrechas y muros anchos, los patios estrechos, las horas del día que transcurren en una fresca e íntima penumbra.

Las culturas orientales, tan sensibles tradicionalmente hacia lo sutil y lo imperfecto, que huyen de lo obvio y ostentoso, adoraban esa frontera entre la luz y la oscuridad. Al menos, era lo que defendía  Junichiro Tanizaki en su conocida obra El Elogio de la sombra, escrita en 1933. Quizás sea difícil encajar esa imagen si pensamos en las caóticas y estridentes ciudades niponas con sus innumerables pantallas y anuncios de neón, pero es evidente viendo un templo o un objeto de laca antiguos que consiguieron obtener mucha más belleza que nosotros de la ausencia de luz artificial.

La sombra puede tener connotaciones anímicas también. Definimos una actitud sombría como triste y melancólica, estado que -a menos que vivas en el romanticismo del siglo XIX o pertenezcas a cierta tribu urbana- nos resulta incómodo y desagradable.

Pero la sombra puede indicar también tranquilidad, concentración, reflexión calmada. Un espacio, real o imaginado, donde la luz no nos deslumbre, pero tampoco nos acose la oscuridad. Donde encontremos paz y sosiego. En el que descubrir matices que pasan desapercibidos a la luz del día.

Así que adelante, da un paso hacia las sombras…


La sombra en el arte


Fabian Bürgy es un artista suizo que desarrolla sus obras en la frontera entre la escultura, el diseño y el arte digital. Sus obras conjugan aspectos tradicionales y tecnológicos, en un mix que combina el rigor conceptual con lo lúdico. A menudo juega con la percepción de formas y espacios en sus instalaciones, donde no siempre las cosas son lo que parecen.

The Hole - image by Fabian Bürgy
The Hole – image by Fabian Bürgy
Black cloud - image by Fabian Bürgy
Black cloud – image by Fabian Bürgy

Germaine Kruip es una artista holandesa que ha versado su trabajo, en gran parte, sobre la sombra. Entre sus piezas tiene varias en las que las sombras juegan un papel fundamental, en las que la misma luz proyecta sombras. En uno de sus trabajos, A possibility of an abstraction, diversas sobras son proyectas sobre el escenario de un teatro completamente vacío. En su web encontrarás más ejemplos de sus trabajos, aunque sospecho (no he tenido la suerte de ver ninguno en persona) que es imposible captar su efecto con sólo una imagen.

image by www.germainekruip.com

Kohei Nawa es un artista japonés afincado en Tokyo. Sus obras, con un fuerte componente tecnológico y futurista, juegan con la percepción y la distorsión de lo conocido. Es director del colectivo creativo Sandwich. En su obra «Foam», creada para la Aichi Triennale de 2013, desarrolló mediante «nubes» de espuma una parábola del comportamiento de las células. Jugando con las luces, las sombras y la casi total ausencia de color, el resultado es onírico y contemplativo.

Foam - image by kohei-nawa.net
Foam – image by kohei-nawa.net

The Weather Diaries es un proyecto realizado por las fotógrafas Sarah Cooper y Nina Gorfer, de Cooper & Gorfer, que trabajan desde Suecia y Berlin. Con motivo de la Nordic Fashion Biennale desarrollaron un proyecto complejo en el que el trabajo de los diseñadores de moda nórdicos se muestra en unas fotografías recargadas, barrocas y preciosistas donde nada se deja al azar y la puesta en escena es cuidadosamente preparada. La editorial Gestalten editó un libro sobre la muestra.

The Weather Diaries exhibition from Cooper & Gorfer on Vimeo.

Descension es una hiptnótica y un tanto angustiosa instalación del artista Anish Kapoor que, como sucede con la mayoría de sus piezas, es capaz de provocar ensimismamiento y abstracción en el espectador con unos pocos elementos básicos.

Si quieres conocer más de la obra de éste y otros muchos artistas, te recomiendo que visites la web de artsy.net, desde la que me han escrito muy amablemente para comentarme alguno de sus servicios y todo lo que su web puede ofrecer si te interesa el arte. Encontrarás datos sobre su biografía, exposiciones, obra, artistas relacionados, etc. (e incluso, si eres tremendamente afortunado, comprar alguna de sus obras).

A finales del verano de 2012, el ala dedicada al surrealismo de la Tate Modern apagaba sus luces y permitía el acceso de los visitantes iluminados solamente por sus lámparas Little Sun, en una colaboración entre el artista Olafur Eliasson y el museo. Las sombras entraban por fin en juego en un espacio, el museo de arte moderno, donde no suelen tener cabida a menos que la protección de las obras lo exija. La elección del tipo de arte tampoco es casual, y el surrealismo parece el movimiento perfecto para esa representación entre la luz y las sombras, lo visible y lo invisible.

image by olafureliasson.net
image by olafureliasson.net

Francisco de Zurbarán fue un pintor español del Siglo de Oro, coetáneo de Velázquez. Maestro del claroscuro, dominaba las sombras, su expresividad y efectos sobre los volúmenes. Sus obras, de marcado carácter espiritual, reflejan una interpretación mística e íntima de su religiosidad.

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San Francisco en meditación – image by en.wikipedia.org

Goya y las pinturas negras. Estas obras fueron realizadas en su casa la Quinta del Sordo en la última etapa de su vida, en la que la sordera y su vejez le aislaron de la mayor parte del mundo exterior. Son dramáticas, terribles, y muy expresivas. La sombra enfatiza la oscuridad de espíritu, la ignorancia, la crueldad y la brutalidad humanas.

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El aquelarre – image by en.wikipedia.org

Aunque Odilon Redon es posiblemente más conocido por sus obras rebosantes de color y luz, hubo una oscura etapa en su vida -marcada por las desgracias personales- en la que su obra gráfica y pictórica era casi en su totalidad negra, oscura.

The Eye - image by blogs.getty.edu
The Eye – image by blogs.getty.edu

Kumi Yamashita es una artista japonesa afincada en Nueva York que, mediante el uso de elementos tan simples como papel, alambres o basura y la luz, construye complejas y expresivas figuras.

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image by designboom.com

Nadav Kander es un fotógrafo de orígenes israelíes y sudafricanos. Colour fields es una serie donde la iluminación artificial de paisajes naturales crea atmósferas irreales, inquietantes y cargadas de misterio. Como si el peligro, lo insondable, estuviese sólo a un paso, acechándonos desde las sombras.

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images by http://www.nadavkander.com/

 


Sombra gráfica


No existen muchos ejemplos del uso de la sombra en el diseño gráfico, aún menos en el diseño de identidad. Sea porque la ambigüedad y ausencia de rotundidad y límites claros no encaja con las necesidades de las marcas actuales, que compiten en mercados donde a veces parece que el que más grite gana, lo cierto es que es un recurso que parece reservado a carteles o portadas de libros o discos.

Pero no tiene porqué ser así. El respetado diseñador Uwe Loesch diseñó en 2001 la identidad del Museum für Gegenwartskunst Siegen, situado en Alemania. Es una identidad escueta y formal, que gracias a la simplicidad y monocromatismo de su construcción consigue escapar de efectos fáciles y simplones. No es una identidad apta para cualquiera, desde luego, pero para un museo me parece muy apropiada. Elegante, cerebral y con misterio.

image by www.uweloesch.de
image by www.uweloesch.de

Malika Favré ilustró en 2015 estos posters para los premios Bafta, uno de ellos general y los demás alusivos a las cinco películas nominadas. La habilidad de la ilustradora para convertir las sombras en un personaje más, el que da sentido a la historia, es admirable.

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images by malikafavre.com

Sombra y espacio


TROOVE Salon es un salón de belleza ubicado en Tokio creado por Hiroyuki Miyake que refleja la sensibilidad nipona a los desastres padecidos después del terremoto y el tsunami de 2011, cuando muchos japoneses se quedaron sin luz o se les pidió que las apagaran. Aunque la estética tradicional japonesa hace un exquisito uso de la sombra y los materiales opacos, su evolución y la influencia occidental de los últimos años ha llevado a asociar lo japonés con la sobre-exposición lumínica, sobre todo en los espacios públicos. 

image by Frameweb.com
image by Frameweb.com

Imagen de eclipse solar total fotografiado en Australia el 13 de noviembre de 2012. Imagen de Romeo Durscher para la NASA.

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La sombra a escena


Lotte Reiniger, a la que recientemente Google dedicó uno de sus famosos doodles, fue una cineasta alemana aunque nacionalizada británica. Se especializó en el teatro de siluetas -a veces animadas-, donde la sombra proyectada por las mismas sobre una pantalla permite desarrollar las diversas historias. En 1926 creó «Las aventuras del príncipe Achmed», posiblemente su obra más conocida. En el siguiente documental se muestra su proceso de trabajo.

Representación de Miwa Matreyek para TED, en la la sombra de su cuerpo interactúa con las animaciones mostradas en la pantalla.

El director y escenógrafo italiano Fabrizio Montecchi es una de las figuras más renombradas a nivel mundial del llamado teatro de las sombras. Actualmente vive y trabaja en Piacenza para el teatro Gioco Vita, con el cual desarrolla la mayor parte de sus obras. En esta pieza «Sogno di una notte di mezza estate», con música de Félix Mendelssohn-Bartholdy, las sombras complementan el movimiento de los actores en escena.


Sobre la sombra


Alegoría o mito de la caverna

En la considerada la más célebre alegoría de la historia de la filosofía, obra de Platón, las sombras tienen un importante papel.

Light Matters: Louis Kahn and the Power of Shadow.

Ensayo de Thomas Schielke sobre la obra del arquitecto Louis Kahn y su uso de la luz y la sombra.

¿Por qué la sombra?

Artículo de, fotógrafo Alois Glogar sobre el efecto de la sombra en la fotografía.

Ciudades sombra

Un vídeo de TED que nos muestra la charla que dio Robert Neuwirth sobre las «ciudades sombra» (basada en su libro Shadow Cities: A Billion Squatters, a New Urban World) esas áreas que crecen a gran velocidad en los límites de las grandes ciudades, especialmente en el tercer mundo. Donde los más pobres, los que «no existen», malviven y crean su propia economía y sus propias normas. Una realidad en la sombra, la menos para los demás.