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El papel del papel

Paper and cardboard: a curated selection of projects regarding this topic.


El debate sobre si los libros y en general lo impreso va a desaparecer no es nuevo. Llevamos años hablando sobre si por fin los libros y revistas van a desaparecer o no, sobre si las nuevas generaciones sólo leerán en dispositivos electrónicos que aún están por inventar o si recibir cartas se convertirá en una rareza imposible. También se habla de la inmaterialidad de los productos, de si cada vez nos harán menos falta «cosas físicas» y podremos solucionar muchas de nuestras necesidades cotidianas sin recurrir a objetos.

Independientemente de estas cuestiones, detrás de ese debate está la posible desaparición de un material que consideramos casi exclusivamente vinculado a este tipo de fines: el papel, y su primo hermano, el cartón. Si los libros y publicaciones en general desaparecen, también lo harán el papel, el cartón, las imprentas, los fabricantes de packaging…

Pero… ¿es esto del todo cierto?. El papel no deja de ser otro tipo de material, con sus propiedades, características, posibilidades… quizás el que hasta ahora sólo hayamos pensado en él como soporte de la palabra escrita nos ha limitado un poco en cuanto a buscarle otro tipo de usos.

En esta recopilación que te he preparado encontrarás ideas de todo tipo sobre cómo usar el papel y el cartón, pero sin duda todas son ideas interesantes creadas por personas que han ido más allá de las funciones habituales. Quizás te dé ideas, o puede que encuentres lo que estabas buscando. Sea lo que sea, recuerda: no están todos los que son, pero son todos los que están. Si quieres añadir el trabajo de algún diseñador, ingeniero, artista, etc. que te haya parecido interesante, adelante. Gracias.


Diseño gráfico y de producto


Tokujin Yoshioka es un diseñador japonés del que seguramente ya hayas visto piezas (en este mismo blog, sin ir más lejos). Sus trabajos son poéticos y delicados, pero al mismo tiempo conceptuales y sofisticados. En su trabajo los materiales toman formas de elementos naturales de propiedades muy distintas, como plásticos que parecen agua o pajitas de plástico que parecen nubes. En alguno de sus primeros trabajos creó mobiliario siguiendo las milenarias técnicas orientales de plegado de papel en nido de abeja, como su sillón Honeycomb.

Pero no es el único diseñador o arquitecto que ha hecho sus experimentos con este tipo de materiales. El ultra conocido Frank Gehry -el mismo que diseñó el Guggenheim de Bilbao, si- creó la silla Wiggle Side Chair dentro de su serie Easy Edges de 1972, donde investigó y creó distintas piezas de mobiliario enteramente de cartón. Ahora la edita Vitra, y es una pieza que encontrarás en museos de todo el mundo. Pero no fue su única incursión con este material en el diseño de muebles, unos diez años más tarde lanzó Experimental Edges -que también encontrarás en el catálogo de Vitra- donde el diseño es mucho más escultórico y crudo.

 

Instalación llamada Murmurations realizada por el artista Graypants en la Feria de Diseño de Milán 2015, compuesta por varias lámparas de cartón

Molo es un estudio de diseño canadiense que diseña, produce y vende diversos elementos de mobiliario -algunos de ellos en cartón- versátiles y resistentes que llaman la atención en cualquier estancia. Puedes echar un vistazo en su web y, si quieres y eres afortunado, comprar alguno…

Milimetrado es una marca española que diseña, produce y vende también productos hechos de cartón, en este caso pequeños objetos de mobiliario que simulan perros «casi» de verdad. Sus productos son originales y divertidos.

Cartonlab es otra empresa española -fundada por el estudio de arquitectura Moho Arquitectos- que crea sus propios productos de cartón, pero esta vez con una perspectiva más amplia. Puedes encargarles desde un stand hasta mobiliario personalizado.

La Boombox es un invento del diseñador alemán Axel Pfaender, que imagino será un apasionado de la estética de los viejos reproductores de cassettes que se llevaban en los infames 80, que permite construirte un reproductor de música y radio portátil ligero y muy reciclable para smartphones. La estética es muy chula, hay que reconocerlo, y el sonido no tiene mala pinta. Si quieres saber más, dale al play 😉

Zim&Zou es el estudio de una joven pareja de diseñadores y artistas franceses formada por Lucie Thomas y Thibault Zimmermann que se han especializado en la creación de instalaciones y piezas efímeras de papel, madera, cartón… Aman lo hecho a mano y la versatilidad del papel, que en sus manos adquiere vida propia en esculturas y entornos radiantes de vivos colores que parecen extraídos de un cuento. Han realizado increíbles escaparates para Hermés o portadas para conocidos magazines.

image by http://zimandzou.fr/
image by http://zimandzou.fr/

Eiko Ojala es un diseñador e ilustrador estonio cuyos trabajos suelen estar destinados a medios editoriales. Su dominio del corte y plegado del papel además de la iluminación y composición hacen que sus trabajos tengan un estilo sofisticado, conceptual, simple, poético y muy reconocible.

Images by ploom.tv

Dotmot es un estudio de diseño coreano especializado en gráfico, animación y paper art, al que incluso dedican una sección entera de su portfolio. Entre sus trabajos destacaría la paper camera kit, en el que recrean una cámara fotográfica enteramente en papel, hasta sus más pequeños detalles.

El AgIC es una especie de rotulador especial de tinta plateada cuyas nanopartículas de plata conducen la electricidad y permiten, como puedes ver en el ejemplo, que puedas dibujar directamente circuitos en un papel y crear instalaciones con luz. Te dejo con dos vídeos, el primero es un comercial realizado para la marca Kandenko en el que una ciudad de papel cobra vida y luz gracias a los circuitos creados con esta tinta especial. El segundo es un vídeo en el que explican sus posibilidades. Vía thekidshouldseethis.

YellDesign es un estudio de diseño australiano especializado en stop motion y animaciones comerciales. Entre sus trabajos tienen unos que han sido bastante virales, Paper Meal, en el podrás ver variados y casi apetitosos platos realizados enteramente -cómo no- con papel. No te pierdas su canal en Vimeo, pero te advierto, es posible que te entre el hambre… ¡Ñam!

PAPERMEAL 1 – Penne Meatballs from yelldesign on Vimeo.

Doro Ottermann es una ilustradora alemana cuyo perfil en Instagram está lleno de pequeños seres de papel que juegan entre charcos o parecen ligeramente perdidos con un estilo algo naif. También tiene divertidos stop motion donde juega con lápices de colores y una caja de cerillas, recreando famosos cuadros.

wildthings dresses (blue) from dorobot on Vimeo.

Los popups de Matthew Reinhart son alucinantes, no sólo el resultado, si no también el proceso. En este vídeo podrás ver cuánta técnica y experiencia requieren en realidad este tipo de efectos que puedes encontrar en muchos libros -independientemente de que por estética o por tema estos sean de tu agrado, que ahí ya no entro-. Muy interesante.

Si tienes niños pequeños -vale, y por ti también- no puedes dejar de visitar Mr Printables. En un momento en que el que parece que los niños ya sólo saben -o quieren- jugar con aparatos electrónicos, esta web y las personas que hay detrás creen que con las manos y papel pueden hacerse muchas cosas creativas e interesantes. Además, todo es gratis y especialmente bien hecho. No sé qué mas puedes pedir…

Y como no todo iba a ser para los humanos, la empresa holandesa Poopy Cat ha creado casas en cartón para las mascotas más presumidas y estetas -que no podían ser otras que los gatos, claro-. Pero no son casetas aburridas y anodinas, no. Éstas son reproducciones a escala de los principales monumentos arquitectónicos del mundo. Ahí es nada…


Arquitectura y Espacios


Quizás cuando hayas visto esta sección hayas pensado «vale Belén, que se puedan hacer manualidades con papel o cartón me lo creo, pero casas… como que no». Pues vete dándole una vuelta a lo que creías saber sobre estos materiales, porque se usan en construcción, y no precisamente -o no sólo- en instalaciones efímeras o por arquitectos de segunda.

Wikkelhouse es una casa realizada en cartón en su estructura principal y madera en el exterior. Si, como lo oyes. Mejor dejo que te lo expliquen ellos. Pero no me digas que no tienes ganas de una…

Wikkelhouse from Wikkelhouse on Vimeo.

Pero Frank Gehry, de quien te hablaba antes, no es el único. Shigeru Ban, uno de los arquitectos más famosos del mundo y ganador del premio Pritzker en 2014, ha usado el papel y el cartón como material constructivo en numerosas ocasiones, a  menudo con fines solidarios. Sus estructuras con resistentes tubos de cartón son ampliamente conocidas, puedes leer más sobre ellas en este estupendo artículo de world-architects.

El cartón es un material que también se emplea a menudo en la construcción de elementos de arquitectura efímera, como stands, tiendas pop-up, exhibiciones o exposiciones… a continuación te muestro varios ejemplos de ello, aunque hay muchos más.

OFF THE WALL EXHIBITION DESIGN, by Studio ST Architects with Z-A Studio
Proyecto realizado por Lazerian para la agencia de noticias internacional Bloomberg, preocupada por reutilizar la gran cantidad de papel y cartón que despilfarran a diario en sus oficinas.


Arte


Li Hongbo es un artista de origen chino cuyos conocimientos de arte y técnicas tradicionales chinas de manipulado del papel le han permitido darle un giro inesperado a lo que creíamos que podía hacerse con este material. Es posible que hayas visto algún vídeo de su serie de esculturas «Tools of Study» (2014), en las que anodinos bustos que parecían de pesada escayola revelaban ser en realidad miles de capas de papel unidos con la técnica de nido de abeja, de manera que al manipularlos revelaban su naturaleza. En este vídeo lo verás mejor:

Una de sus últimas instalaciones, Irons for the Ages, Flowers for the Day, muestra preciosas cadenas de vivos colores de lo que parecen ser arco iris de papel, que en realidad son siluetas de diversas armas, en un claro contraste entre la realidad del objeto, la delicadeza del material y los colores primarios, casi infantiles.

images by fubiz.net

Matt Shilian es, como él mismo se describe, un ingeniero del papel. Con un perfil mucho más cercano a la matemática, la ciencia y la ingeniería que otros artistas -lo que es evidente viendo el resultado final de sus piezas- se inspira en la naturaleza y la geometría para crear formas y movimientos en obras que no siempre sabe de antemano cómo acabarán siendo, dejando paso a la curiosidad y cierta improvisación. En su web encontrarás también una amplia selección de vídeos que explican su trabajo o muestran divertidas actividades con niños.

image by www.mattshlian.com
image by www.mattshlian.com

Risa Fukui es una artista japonesa que trabaja revitalizando y dándole nuevos significados al ancestral arte de «Kirie» o cortado de papel creando expresivos retratos o figuras naturales o humanas que parecen trazadas en rotulador o lápiz grueso de color, aunque en realidad estén delicadamente recortadas en papel.

image by http://www.thetreemag.com

Mia Perlman es una artista británica que también trabaja el papel en el campo del arte, con instalaciones, comerciales o no, en las que las dimensiones del papel y su color -a menudo igual que el de la pared- juega con la percepción del espectador.

Como puedes ver, no son pocos los artistas que trabajan con papel, y entre ellos hay muchas mujeres. Quizás sea lo delicado del papel, o quizás en algunas culturas sea un arte tradicional femenino, pero esa parece ser la tónica. Y lo es también en el caso de Donna Ruff, aunque para ella el papel, más que tener un carácter escultural, lo tiene en cuanto soporte con una carga de significados propia pero alterada, tergiversada o aumentada con los diferentes cortes -como cuando utiliza periódicos viejos- o familiar y emotiva -porque sus abuelos tenían una empresa de recogida y reciclado de papel desechado. Como ella dice, desde pequeña se acostumbró a ver trozos de papel y a valorar su uso.

image by huffpost.com

Rogan Brown es otro artista que también hace uso del papel en sus delicadas y etéreas esculturas cuya inequívoca relación con diversas estructuras naturales (micro y macroscópicas) no hace si no aportarles un aura científica y al mismo tiempo irreal, a lo que contribuye el uso casi exclusivo del color blanco. Como podrás imaginar, son piezas que llevan meses de duro y concienzudo trabajo. De lo que no cabe duda es de que son muy bellas.

Creo que Jen Stark fue una de las primeras -si no la primera- artista del papel que captó mi atención. Sus alucinógenas composiciones realizadas con cientos y cientos de capas de papeles troquelados, coloridas como psicodélicos arco iris, juegan con la profundidad, los cortes y dobleces simples para crear piezas muy reconocibles que juegan con tu sentido de la vista -y un posible dolor de cabeza si te quedas demasiado tiempo mirándolas-.

Akira Yoshizawa fue para muchos el mayor maestro y renovador del ancestral arte japonés de origami del mundo, hasta Google le dedicó uno de sus famosos doodles. En este video puedes ver alguno de sus trabajos, y en Emoz puedes leer una biografía sobre él y consultar más datos sobre su vida y trabajo.

La artista japonesa Chie Hitotsuyama, con su colectivo Hitotsuyama Studio, crea imponentes e impresionantes esculturas de papel enrollado -a menudo papel de periódico- que simulan animales o figuras en movimiento. No sólo el nivel de detalle y texturas es increíble, es que además parecen tener una pesadez y densidad que choca con nuestras ideas sobre el papel.

Pero éstos que te muestro son sólo algunos ejemplos de artistas que trabajan el papel. Si el tema te interesa, puedes ver algunos más en este recopilatorio de Bored Panda, tanto de papel cortado o plegado como de origami, incluyendo gente tan conocida como Yulia Brodskaya. También encontrarás libros que muestran el trabajo de diversos artistas y diseñadores en papel, como Paper Play.


Ciencia y tecnología


Éste sí que es un uso fantástico de un material tan económico y fácil de transportar como es el papel o el cartón, sobre todo para aquellos países o entornos donde no pueden acceder a carísimos equipos de investigación y análisis. El biofísico Manu Prakash, de la Universidad de Standford, creó este microscopio basado en la técnica del origami, que con unos pocos cartones y unas lentes permite poder tener un aparato de estas características por sólo un dólar. La idea surgió cuando visitó una clínica en Tailandia, donde su técnicos se sentían intimidados por la cara maquinaria del hospital y apenas se atrevían a usarla por miedo a romperla y no tener más posibilidad de comprar otra. El proyecto, llamado Foldscope, ha sido un éxito por todo el mundo, en su web encontrarás más información. Vía thekidshouldseethis.

Londres es una de las ciudades europeas más antiguas, y de hecho se dice que los sucesivos habitantes y culturas de la urbe han ido dejando un poso que forma capas y capas de historia que podrían excavarse. En esta maravillosa animación realizada enteramente con diversos tipos de papel, el equipo de la revista National Geographic liderado por Hans Weise, Fernando Baptista, y Monica Serrano, recrea las principales escenas de la historia de la ciudad mediante un espectacular uso de los pliegues, cortes y texturas del papel (además de una cuidada iluminación). Te dejo con el vídeo y con el making off. Vía thekidshouldseethis.


Creo que en realidad el bielorruso Aliaksei Zholner debe tener la ayuda de algún topo de gnomo o duende para hacer sus increíbles y diminutas máquinas en papel, porque si no, no puedo entender cómo puede hacer un motor de ocho cilindros enteramente en papel del tamaño de un huevo Kinder. Y funciona. Échale un vistazo al resto de máquinas que tiene en su canal de Youtube, porque hay algunas que realmente te hacen dudar sobre lo que creías que era posible hacer con papel y cartón.

El AgIC es una especie de rotulador especial de tinta plateada cuyas nanopartículas de plata conducen la electricidad y permiten, como puedes ver en el ejemplo, que puedas dibujar directamente circuitos en un papel y crear instalaciones con luz. Te dejo con dos vídeos, el primero es un comercial realizado para la marca Kandenko en el que una ciudad de papel cobra vida y luz gracias a los circuitos creados con esta tinta especial. El segundo es un vídeo en el que explican sus posibilidades. Vía thekidshouldseethis.


El espacio

The space: a curated selection of projects regarding this topic.


No soy científica ni especialista en el tema, pero supongo que una de las primeras cosas que hicieron los homínidos fue mirar al cielo y empezar a hacerse preguntas. En un momento de nuestra historia en la que nuestros antepasados eran aún mucho más vulnerables que nosotros a los desastres ambientales y las variaciones climatológicas, el cielo debía parecerles algo aterrador y al mismo tiempo maravilloso. Quizás por ello las primeras mitologías de las que tenemos constancia fueron creadas a partir de elementos naturales: animales, fenómenos atmosféricos, planetas o estrellas. Desde tiempos inmemoriales el ser humano ha observado el cielo, ha creado mapas del mismo, se ha guiado por las estrellas o ha construido espacios dedicados sólo a su observación. Es tal la fascinación que nos provoca que ha sido morada de dioses o de seres fantásticos desde hace siglos.

Pensar en el espacio nos lleva irremediablemente a lidiar con conceptos tan abstractos y difíciles para nosotros como puedan ser el tiempo, el infinito, la energía o el vacío. No sé a ti, pero a mi me fascina pensar en estas cosas. Me imagino viajando en el espacio y en el tiempo, atravesando agujeros negros o descubriendo otras formas de vida. No soy capaz de concebir nada de esto más allá de lo que mis sentidos y capacidad de imaginar me permiten, y es en esos momentos en los que soy especialmente consciente de que posiblemente nosotros, los seres humanos, somos una suerte de casualidad casi imposible, pero probablemente no la única. No sé si alguna vez tendremos la capacidad o las herramientas para superar estos límites.

Esa fascinación ha sido llevada a cualquier aspecto de la creación humana, desde el arte hasta las películas, pasado por la literatura, la música, la arquitectura o el diseño. Cada autor hace una interpretación personal de las maravillas y misterios que esa inmensidad desconocida puede contener, que puede ser naif, intelectual, terrorífica… Podría decirse que ha llegado un momento en el que la inspiración proviene más bien de los infinitos mundos y formas que nuestra imaginación ha creado inspirándose en el espacio que de lo que realmente sabemos de él.


Ciencia


Empiezo por echar un vistazo a algunas de las cosas que sabemos o podemos ver y oír sobre el espacio gracias a la ciencia, porque después podrás entender mejor el origen de la inspiración de los proyectos que te mostraré a continuación.

Y comienzo con uno de los vídeos más alucinantes que he visto en bastante tiempo, no tanto por el vídeo en sí, si no porque te ayuda a entender la distancia real que hay entre planetas y estrellas en el sistema solar. Estamos tan acostumbrados a ver imágenes en las que los planetas están muy cerca que no es fácil ser consciente de que las distancias y los tamaños son en realidad de una dimensión escalofriante. El vídeo se titula «To scale: the Solar System» y fue realizado por Wylie Overstreet y Alex Gorosh.

To Scale: The Solar System from Wylie Overstreet on Vimeo.

En la web de Faena Aleph encontrarás una selección de vídeos y artículos que, sin profundizar demasiado, nos introducen en diversos temas relacionados con el espacio. Y si hablamos del espacio, hablamos de Carl Sagan, posiblemente el mejor divulgador científico de las maravillas del universo. En este vídeo Carl nos invita a reflexionar sobre lo maravilloso que es el planeta Tierra y lo absurdo que resulta que los seres humanos nos empeñemos en destruirnos no sólo a nosotros mismos, si no al único planeta habitable que conocemos:

Pale Blue Dot – Animation from Ehdubya on Vimeo.

Pero no es único vídeo interesante que encontraremos en esta web, te recomiendo también que le eches un vistazo a éste. ¿Una composición musical «cantada» por Carl Sagan y Stephen Hawking? porqué no. Tiene ya más de 10 millones de visitas en Youtube, y además de un poquito friki, es una estupenda ocasión para reflexionar acerca del momento tan impresionante que vivimos. Nunca antes habíamos podido visitar otros planetas o intuir qué hay más allá de la Vía Láctea…

¿Alguna vez te has preguntado cómo suena el espacio? en teoría a nada, porque al no haber aire no se transmiten los sonidos, pero sí que hay ondas electromagnéticas, y con los aparatos adecuados, éstas pueden transformarse en sonidos audibles por el ser humano. En esta página de la Nasa podrás encontrar algunas grabaciones de planetas o de naves, pero el sonido que más me ha impresionado es el del Sol. Eso sí, aviso: ¡baja los altavoces!!…

El Royal Observatory Greenwich creó un vídeo muuuy divertido para que todos -no sólo los peques- podamos entender las diferencias entre las distintas rocas que hay en el universo. Mediante stop-motion, plastilina e ilustraciones nos explican qué distingue un meteorito de un asteroide, por ejemplo. Otro buen ejemplo de cómo el diseño y la creatividad ayudan a explicar la ciencia.

No sé si podría decirse que tiene relación con la ciencia o no, pero ya hay una empresa pionera que ofrecerá viajes comerciales al espacio. Es Virgin Galactic y si, forma parte del conglomerado de empresas de Virgin, propiedad del carismático y visionario Richard Branson. Aunque todavía no hay viajes disponibles para el público en general (aunque ya puedes ir ahorrando…) te aconsejo encarecidamente que veas este vídeo que encontré en su web, en el que astronautas, científicos, filósofos, etc. relatan sus experiencias acerca de los viajes por el espacio. Es una maravilla.

OVERVIEW from Planetary Collective on Vimeo.


Diseño gráfico y de producto


¿Ya estás soñando con viajes espaciales y aventuras con alienigenas? pues tengo buenas noticias para ti si además te gusta el diseño retro. La NASA te regala 14 posters estilo años 50-60 sobre viajes espaciales. Realizados (aunque creo que no todos) por www.invisiblecreature.com, nos recuerdan que en esa época la fiebre por todo aquello que tuviese que ver con planetas y aventuras galácticas estaba mucho más presente que ahora. Recordemos que el 21 de julio 1969 fue la primera vez en toda la historia de la humanidad que un ser humano pisaba otro planeta, satélite o estrella, en este caso la Luna. Puedes descargarlos aquí. Vía thescienceexplorer.com.

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image by www.jpl.nasa.gov

También de los mismos diseñadores (se ve que el tema les gusta, a juzgar por sus trabajos) tenemos este simpático juguete de madera con el que un niño puede crear su propio astronauta de madera, cohete incluido.

image by www.invisiblecreature.com
image by www.invisiblecreature.com

Existen multitud de apps dedicadas al espacio, algunas de la NASA y otras dedicadas a la divulgación. Pero si nos fijamos también en su diseño, una de las que más destaca es ésta diseñada por Sarah Jacoby para Tinybop llamada The Earth y creada especialmente para los niños. Porque si, existen muchos planetas, pero ninguno como el nuestro. Me parece todo un acierto vincular el buen diseño con la ciencia, necesitamos más ejemplos de colaboraciones como esta.

Aunque no es la única app interesante para los más peques (y algún niño grande…) sobre el espacio. Las aventuras del Professor Astro Cat, personaje creado por el profesor de física cuántica Dominic Walliman y por el ilustrador Ben Newman y del que podrás encontrar también un puñado de libros muy chulos, han ganado el premio Webby Award 2016 en la categoría de app familiar e infantil. Yo ya he jugado… (ejem).

Las ilustraciones del diseñador y animador Beeple (Mike Winkelmann) son cibernéticas, apocalípticas y nos envuelven en una asfixiante y angustiosa sensación de irrealidad. No te pierdas algunos de sus vídeos, porque son flipantes, aunque las ilustraciones no se quedan atrás. Y eso que, si no he entendido mal, hace una… cada día. De verdad, no sé de dónde sacan algunos el tiempo…

ZERO-DAY from beeple on Vimeo.

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Image by beeple-crap.com

El artista japonés del cristal Satoshi Tomizu crea increíbles (tanto que no parecen reales) bolas de cristal que parecen contener universos y planetas. En Youtube podrás ver un vídeo del proceso de creación, porque además son piezas bastante pequeñas.

image by www.thisiscolossal.com
image by www.thisiscolossal.com

La Atomic Age o Era atómica fue un periodo comprendido entre los años 40 y 60 del pasado siglo en el que la obsesión por los viajes espaciales y por la energía atómica estaban muy presentes en la política y en la sociedad americanas. Tras la Segunda Guerra Mundial, el poder de las bombas atómicas desató un interés y un pánico que influenció la imaginación de artistas y diseñadores, sobre todo en la cultura popular. De ahí surgieron por ejemplo muchos héroes de comics, aunque también numerosos diseños de mobiliario, casas y prendas de vestir que alegremente transmitían una confianza ciega y un tanto naif en la tecnología. Seguro que recuerdas dibujos animados como Los supersónicos o los extravagantes vestidos de Paco Rabanne o Courreges. Aunque pocos tan icónicos y representados como la Bubble chair de Eero Aarnio.

image by https://www.yahoo.com/news/blogs/spaces/hanging-chairs-put-swing-things-231359195.html
image by yahoo.com

La serie de lámparas nº28 de Bocci recuerdan mucho a una galaxia de planetas luminosos y translúcidos de colores, suspendidos en el espacio en una suerte de caos organizado. Aunque las tienen de muchos colores, las azules me recuerdan a la Tierra.

image by bocci.ca
image by bocci.ca

Louis Mounet es una firma de relojería que quizás no encaje «demasiado» en lo que podríamos llamar diseño de tendencia o de vanguardia, pero que tiene piezas exquisitas dedicadas al espacio y los planetas. En su catálogo ofrece relojes que contienen pequeños fragmentos de meteoritos o que representan el sistema solar, como el planetario que te muestro a continuación, una impresionante muestra de ingeniería relojera. Son para un tipo de cliente concreto -refinado, culto y clásico- pero sin duda son diseños que transportan tu imaginación hacia otras épocas y lugares… Puedes leer más sobre esta firma y sus asombrosos trabajos en Loffit.

image by louismoinet.com
image by louismoinet.com

Marc Newson es uno de esos diseñadores que podríamos calificar de futuristas, casi todos sus proyectos tienen un halo de modernidad que no desentonarían en una película de ciencia ficción espacial. Y como muestra, un par de proyectos. El primero es para una edición especial de Taschen del libro Moonfire de Norman Mailer, que guarda el libro en una especie de mesita que imita la base de un módulo lunar e incluye un pedazo de meteorito lunar auténtico. La superficie de esta pieza también representa fielmente una parte de la superficie lunar. En el segundo, Marc participó en el diseño de un prototipo de nave comercial que viajaría hasta una altura de más de 60 km, donde los pasajeros podrían experimentar la gravedad cero, creando tanto los interiores como su aspecto exterior. Puedes ver éstos y otros trabajos suyos en su web

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images by marc-newson.com

Pero no es el único diseñador de producto que es capaz de concebir piezas tan audaces. Ross Lovegrove, por quien tengo cierta debilidad, es un prodigio ideando productos que representan de una forma esencial elementos orgánicos como el agua o las células, pero que al mismo tiempo nos resultan tremendamente avanzados y futuristas. En su portfolio podréis encontrar también prototipos de coches redondos, farolas que parecen plantas de otros planetas o sillas que simulan estructuras óseas.

image by rosslovegrove.com
image by rosslovegrove.com

En Design Shack han hecho una recopilación también de cómo lo «espacial» ha influido al diseño, aunque desde un punto de vista meramente estético. Encontrarás desde la Guerra de las Galaxias hasta un video juego online.

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También en Creative Block tienen su propia recopilación, algo más naif y suave que la anterior (aunque, al menos para mi, más interesante), donde podrás encontrar proyectos como el de Spaceprob, de Ariel Waldman y Lisa Ballard, que muestra las siluetas de algunas de las máquinas enviadas al espacio.

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image by spaceprob.es

El diseñador e ilustrador Simon Page creó estos carteles como homenaje al año internacional de la astronomía, que se celebró hace ya algunos años, en 2009. Los diseños tienen un marcado aire retro e influencias de Saul Bass y Josef Muller-Brockmann. Vía davidairey.com

image by simoncpage.co.uk
image by simoncpage.co.uk

Arquitectura y Espacios


De la influencia del espacio en la arquitectura y los espacios que habitamos tenemos bastantes ejemplos, aunque según ha ido pasando el tiempo han evolucionado desde observatorios de las estrellas (hay quien dice que Stonehenge era un observatorio astronómico para conocer el paso de los solsticios) hasta extravagantes o exóticos hogares. En todo caso, parece haber dos posibles interpretaciones: o son lugares pensados para contemplar la bóveda celeste o sencillamente están influenciados a nivel formal y estético por la ciencia ficción inspirada en el espacio.

Como ejemplo de lo primero tenemos a James Turrel, artista americano obsesionado con el espacio y la luz. En su obra encontramos numerosos ejemplos de lo que él llama Turrell Skyspaces, que son espacios delimitados con aperturas en su parte superior que muestran un pedazo de cielo. Turrel «enmarca» el cielo para hacernos más conscientes de él, creando espacios físicos y temporales para que podamos observarlo de una forma pausada y meditativa, siguiendo una tradición milenaria que nos puede llevar desde construcciones primitivas como Stonehenge hasta los ultra modernos observatorios astronómicos. Su mayor proyecto hasta la fecha, el Roden Crater, fue creado partiendo del asesoramiento de científicos y astrónomos para destacar acontecimientos como solsticios o el paso de la luna.

image by rodencrater.com

John Edward Lautner fue un arquitecto americano que vivió y trabajó principalmente en el sur de California. Aprendiz de Frank Lloyd Wright, creó numerosos edificios – casi todos hogares privados- con una fuerte influencia del diseño espacial. Uno de sus trabajos más conocidos es The Chemosphere, situada cerca de las famosas colinas de Hollywood. Su forma recuerda a un ovni a punto de aterrizar (o despegar, según se mire) y está elevada sobre el suelo unos 9 metros. Sujeta por una gran columna de cemento, ésta fue la solución dada por el arquitecto a un terreno cuya inclinación, unos 45º, hacía prácticamente imposible construir en él. Aunque parezca poco estable, ha sobrevivido a terremotos y lluvias torrenciales. Está catalogada como monumento histórico-cultural y ha tenido varios dueños -alguno famoso, como Benedikt Taschen- y hasta algún trágico asesinato.

image by mcmdaily.com
image by mcmdaily.com

Les Palais Bulles (palacio de burbujas) fue construida posteriormente, pero bebe de las influencias que la space age dejó en el diseño, más si consideramos que fue la residencia preferida del diseñador de moda Pierre Cardin, muy aficionado a los diseños futuristas y excéntricos. Escenario de fiestas locas y extravagantes durante muchos años, ha sido restaurada recientemente respetando lo máximo posible su espíritu inicial. Creada por el arquitecto húngaro Antti Lovag en 1989, sigue su filosofía de que la arquitectura debía ser divertida, espontánea, llena de sorpresas y adaptada a las formas humanas, más curvas.

image by palaisbulles.com
image by palaisbulles.com

Arte


Aunque The Weather Project tiene unos años, su repercusión social y las lecturas que se le pueden sacar siguen siendo muy interesantes. En 2003 Olafur Eliasson y su equipo instalaron en la sala de turbinas de la Tate Modern, en Londres, una pantalla luminosa semicircular pegada al techo que estaba cubierto de espejos de aluminio. El efecto recuerda a un sol a punto de ocultarse en el horizonte, acrecentado por el uso de niebla artificial. Durante el tiempo que estuvo instalado la gente acudía a la sala para pasar el tiempo, tumbarse en el suelo o hacerse fotos, siendo una de las instalaciones artísticas que más eco tuvo tanto en los medios como entre los visitantes. El proyecto giraba entorno a la influencia que el clima tiene sobre nuestro carácter y percepciones.

image by www.olafureliasson.net
image by www.olafureliasson.net

image by rodencrater.com

La Universidad de Cambridge invitó el 17 de octubre de 2015 al artista Miguel Chevalier a crear, por primera vez en su historia, una instalación artística inmersiva en la capilla del King´s College. Con motivo de diferentes actos que buscaban recaudar fondos, diferentes personalidades del mundo de la ciencia y el arte hablaban en este espacio mientras sobre las paredes y cúpulas se proyectaban distintas imágenes. Especialmente bello es el momento en que, mientras Stephen Hawking hablaba, toda la capilla simulaba ser un baile de constelaciones y estrellas. Pocos escenarios tan impresionantes e incluso apropiados para algo así. Podrás verlo en este vídeo, a partir del minuto 3:00.

Miguel CHEVALIER Dear World… Yours, Cambridge from Claude Mossessian on Vimeo.

El fotógrafo español Joan Fontcuberta desarrolló en 1997 un proyecto fotográfico en el que hablaba de nuestra tendencia a creer todo lo que vemos y oímos (según la fuente) a través de la historia totalmente ficticia de un supuesto astronauta ruso (el mismo Fontcuberta) perdido en el espacio en extrañas circunstancias. La serie, llamada Sputnik, está formada por fotografías -algunas manipulaciones de fotografías antiguas- y falsos documentos, parodiando la mística política y popular rusa -que bien podía ser americana- que gusta de construir héroes a partir de sus astronautas.

image by angelsbarcelona.com
image by angelsbarcelona.com

La aproximación al tema del fotógrafo conceptual David Schermann es muy distinta, más cinematográfica y desde luego sin esa carga satírica y humorística. En ella, un solitario astronauta ruso y un tanto alien vaga en parajes naturales que mezclan elementos reconocibles con otros que nos resultan extraños e inquietantes, como el color rojizo. Realizadas en las montañas austriacas, muestran un escenario onírico y melancólico en el que no parece haber más vida que la del protagonista.

image by illusion.scene360.com
image by illusion.scene360.com

El artista austriaco Klaus Pinter tiene entre sus obras algunas que parecen jugar con los conceptos del espacio-tiempo, como si fuesen un agujero negro que hubiese decidido instalarse en un museo a distorsionar nuestras coordenadas espaciales. En otras, extrañas medusas sobredimensionadas que no parecen de este planeta flotan en el aire rodeándonos.

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image by www.fubiz.net

We Colonised the Moon es un colectivo artístico formado por Sue Corke (Londinense) y Hagen Betzwieser (alemán). Su trabajo gira en torno al absurdo y a nuestros más profundos terrores sobre el futuro, aunque desde un punto de vista irónico y sin dramas. Algunos de sus trabajos tratan de sintetizar el «olor de la luna», solucionar el problema de la basura espacial disfrazando los satélites de asteroides o construyen un solarium basado en la energía solar porque, total, el sol algún día se acabará. Vamos, que sentido del humor tienen de sobra.

WORKS 2010 – 2012 from Hagen Betzwieser on Vimeo.

Muchas religiones incluyen representaciones más o menos fidedignas del espacio y los planetas (principalmente la luna, el sol y las estrellas, los únicos claramente visibles y distinguibles a simple vista) dentro de sus representaciones y explicaciones sobre el origen del mundo. Una de las menos conocidas, al menos para un occidental como nosotros, son los mandalas, realizados con arenas de colores y mucha paciencia. Aunque su significado es complejo y posiblemente poco accesible para nosotros, parten de una visión esquematizada y muy bella del universo, de las fuerzas y energías que lo componen, aunque no en un sentido espacial. Y esa representación es tan fiel que, cuando el mandala se termina, se destruye. Como la energía y la materia, ya sabes: nada se crea ni se destruye, todo se transforma.

image by rincondeltibet.com
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El artista Michael Najjar está dedicado en cuerpo y alma al espacio, y no sólo en sentido figurado. Será uno de los primeros astronautas que viajen en las naves de Virgin Galactic cuando sean posibles, y seguramente será también el primer artista que visite el espacio. En su web podéis ver muchas fotografías y montajes de cualquier tema que tenga que ver con el espacio y con naves espaciales, entre otras razones porque tiene un acceso privilegiado a toda esta tecnología. Incluso ha decorado una suite del hotel Kameha Grand Zurich con una temática totalmente espacial. Es una aproximación artística interesante porque, al contrario que todas las que te he mostrado hasta ahora, parte de la realidad para crear su propuesta, no de la ciencia ficción. Su punto de vista tiene mucho de científico, pero también de filosófico.

image by www.michaelnajjar.com
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Image by www.frameweb.com
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Algunos artistas y diseñadores han optado por crear obras más amables e irónicas a través de una técnica tan manual como el collage. Son piezas que mezclan tópicas imágenes de los años 50 y 60 con otras de planetas o estrellas, con evidentes choques de escala que desafían nuestras percepciones (además de resultar bastante divertidas). Los ejemplos que te muestro son de Djuno Tomsni y de Trash Riot.

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image by djunotomsni.tumblr.com
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image by undermatic.com

Moda


Aunque pueda resultar chocante, el espacio y sobre todo el imaginario colectivo que la ciencia ficción sobre el tema nos ha dejado han influido en muchos creadores de moda. Desde los más experimentales hasta las firmas más clásicas, puedes encontrar muchos ejemplos sobre cómo los diseñadores se han visto influenciados por planetas, alienígenas y estrellas.

Y comienzo por mi admirado Alexander McQueen cuyos alucinados y geniales diseños parecían provenir de otro planeta, por no decir que de otra dimensión. En su colección de primavera de 2010 nos mostró una serie de vestidos que hubiesen sido la delicia de la novia del alien de Ridley Scott.

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Pero no es el único. Otros diseñadores, como Iris Van Herpen o Junya Watanabe tienen diseños inspirados en un futuro apocalíptico y espacial en el caso de la primera o naif y pop en el segundo.

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images by illusion.scene360.com

El diseñador Christopher Kane ha ido más allá y ha estampado imágenes realistas de galaxias y estrellas directamente sobre los tejidos. Una colección, la de primavera-verano 2011, de lo más galáctica.

image by http://www.sickchirpse.com/christopher-kane-resort-ing-to-the-high-street/
image by sickchirpse.com

No menos célebre es la colección de Valentino (aunque si posterior, de 2015), que estampó planetas, estrellas y constelaciones sobre vestidos, jerseys, faldas… son grafismos de cierto aire retro pero cargados de colorido y detalles muy cuidados.

image by vestirdesentido.com
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Es posible que te preguntes que si estamos hablando de moda inspirada en el espacio, lo lógico sería que también hubiese moda creada para el espacio… ¿verdad? pues existe. Dava Newman es una científico e ingeniera que trabaja en el MIT creando trajes espaciales que no limiten los movimientos y desplazamientos del astronauta, pensando sobre todo en los futuros viajes a Marte, donde será necesario algún que otro paseo por su superficie. Fruto de sus investigaciones nace el Bio-suit, un traje que comprime el cuerpo y le permite protegerse del entorno. Pero, y aquí viene lo curioso, también han sido diseñados para que fuesen interesantes desde el punto de vista del diseño. Más bien, para hacer que los astronautas parezcan super héroes y llamar la atención de la gente. Ya se sabe que la NASA y otras agencias espaciales andan preocupadas por el descenso del interés del público general en las aventuras espaciales (al menos, comparado con los años 60 del pasado siglo) y por los menguantes presupuestos, así que esta iniciativa no viene mal. Vía wired.com

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image by wired.com

Ya para terminar, te dejo con este vídeo que muestra distintas secuencias de observatorios y bóvedas celestes creado porThe Skyglow Project. Seguro que después de todo esto, tendrás material suficiente para soñar durante mucho, mucho tiempo… vía thekidshouldseethis.com

SKYGLOW: DISHDANCE from Sunchaser Pictures on Vimeo.

Folklore y modernidad

Folklore and traditional arts and crafts: a curated selection of projects regarding this topic.


Reconozco que tenía especiales ganas de abordar este artículo. Me interesan estos temas -el folklore, la artesanía tradicional, las culturas ancestrales- desde hace muchos años, aunque no con un matiz nostálgico o reivindicativo, si no más bien como fuente de inspiración e imaginación. El salto cultural y generacional es en la mayoría de los casos enorme, por lo que mi interpretación y la de cualquiera que no sea parte de esa cultura será sin duda alguna superficial y un poco frívola, pero este intercambio-contaminación cultural lleva sucediendo miles de años y ha difundido leyendas, artes y mitologías que se han sumado a las ya existentes, creando nuevos mitos y religiones. Lo que ahora hacemos, por tanto, no es tan distinto de lo que se hizo siempre: interpretar otras realidades y conocimientos, dándoles nueva vida al añadirlas a las nuestras propias.

Cambian, eso sí, los tiempos de producción. Pasamos de objetos hechos a mano a producirlos -aunque no siempre- industrialmente y a velocidades inconcebibles hace tan sólo unos años. El intercambio cultural es tan amplio y sucede a una velocidad tan vertiginosa que supone un importante esfuerzo consciente pararse a profundizar y darse tiempo para curiosear a fondo. Pero ésa sí es una gran ventaja de nuestro tiempo: el acceso a la información nunca ha sido tan universal y económico en toda la historia de la humanidad como lo es ahora. Podemos aprender sobre cultura japonesa sin poner el pie en Tokio, o inspirarnos en las máscaras de los nativos americanos sin perdernos en el desierto. No necesitamos disponer de grandes cantidades de tiempo y dinero para viajar, e incluso podemos conocer culturas que hace cientos o miles de años que desaparecieron.

Pero no es menos cierto que todo esta información se está perdiendo a pasos agigantados. No sólo porque lógicamente nuestra evolución como sociedad ha dejado de lado muchas de las costumbres y necesidades que daban sentido al uso diario de estos mitos o técnicas, si no más bien por nuestra dejadez y falta de interés a la hora de preservar y registrar todas esas manifestaciones culturales de cara al futuro. Y no sólo con un interés antropológico o histórico, también porque creo firmemente que son un recurso fantástico para la creación y la innovación. En España podrás encontrar una cantidad considerable de pequeños museos locales que malviven en la mayoría de los casos con colecciones dispersas, mejor o peor documentadas y mostradas, llevados a menudo por personas con una enorme pasión por la conservación del folklore tradicional. Si bien encontramos áreas en los museos de antropología dedicadas al folklore, suelen ser exposiciones un tanto apáticas que no ayudan a despertar interés en las nuevas generaciones. Echo de menos un punto de teatralidad e imaginación, necesarias para ayudarnos a entender cómo esas tradiciones -que ahora se os antojan fantasía pura y de las cuales apenas percibimos formas y diseños- formaban parte de la vida y creencias de las personas.

Creo que Alexander Girard expresó mejor que yo la importancia de preservar nuestro legado artístico, mitológico y artesanal no sólo por razones etnográficas o sentimentales, si no como inagotable fuente de inspiración para el futuro:

I believe we should preserve this evidence of the past, not as a pattern for sentimental imitation, but as nourishment for the creative spirit of the present.»

—Alexander Girard


Identidad, gráfico y packaging


Si hablamos de la influencia que tiene el folklore en el diseño tenemos que hablar de Alexander Girard, uno de los diseñadores más renombrados e influyentes del pasado siglo. Profundamente admirador y conocedor del folklore y el arte tradicional de muchos pueblos alrededor del mundo, Girard no sólo asimiló e incorporó lo aprendido en sus trabajos, si no que recopiló a lo largo de los años una de las mayores colecciones privadas de Folk Art del mundo, donándola en parte al Museo Internacional de Folk Art en Santa Fe, Nuevo Mexico.

Puedes leer un breve resumen de su trayectoria en la página que le ha dedicado Vitra con motivo de la exposición de parte de sus trabajos.

image by magazine.designbest.com
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image by www.vidivisuals.com
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Sanna Annukka es una diseñadora inglesa de ascendencia en parte finlandesa que pasó parte de su infancia en Finlandia, con su abuela y parte de la familia. La riqueza del folklore y las leyendas del lugar, sus colores y formas básicas, inspiraron profundamente a Sanna, que a partir de entonces las incorporó a su trabajo con un estilo muy personal pero completamente adaptado al gusto contemporáneo. Se dio a conocer gracias a la portada que creó para el album «Under the iron sea» de Keane. En la actualidad Trabaja para Marimekko y para su propia firma.

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image by www.happymundane.com

El Project K (The Korean Fil Festival) fue realizado en 2013 para dar a conocer el cine actual coreano en Frankfurt, Alemania. El diseñador Il-ho Jung fue el encargado de realizar el diseño de la identidad del evento y todas sus aplicaciones, para lo que se inspiró en el estilo Dancheong, una mezcla de patrones y tramas que suelen adornar los templos, además de en las máscaras tradicionales de su país, que fueron transformadas para reflejar momentos o personajes de las películas mostradas en el festival. El Dancheong se caracteriza por el uso de colores brillantes y complejas tramas y dibujos. En Wikipedia podéis ver ejemplos. Un trabajo muy interesante.

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images by www.il-ho.com

El diseñador guatemalteco Jorge Letona diseñó la tipografía Hunab-Ku con influencias mayas. Hunab-Ku significa «dios supremo». Por esas vueltas que da la vida, esta tipografía terminó siendo usada por la banda de rock americana Iron Maiden para su disco The Book of Souls, de 2015.

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images by Jorge Letona

 

Las marcas han sabido explotar muy bien la riqueza gráfica y simbólica del folklore especialmente en el diseño de envases y envoltorios, apropiándose con mayor o menor fortuna de sus signos, personajes, formas y colores. He seleccionado algunos ejemplos que he encontrado y que, bajo mi punto de vista, han conseguido incorporar esa estética con más elegancia o modernidad.

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Etiqueta creada por Shotopop para Johnnie Walker y basada en el folklore chino, mostrando el inmortal árbol de la luna y el conejo de jade. Enlazando la leyenda con el personaje de la marca, el caballero permanentemente en camino, incorporan el mensaje y valores de la historia original. Image by www.designweek.co.uk
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Es increíble que este proyecto sea obra de un estudiante y que no se haya sacado al mercado, porque me parece realmente interesante. Diseñado por Caleb Heisey, ilustra personajes y leyendas propios del folklore sueco. La intención era hacer el producto, un licor típico de la zona llamado akvavit, más comprensible para el mercado americano. Image by www.calebheisey.com
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Packaging realizado por Studio Parr para la marca de cervezas High Weald e inspirado en antiguas leyendas anglosajonas. Image by www.thedieline.com
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A la agencia canadiense Goods & Services no se le ocurrió mejor regalo que enviar a sus clientes por navidad que estas dos botellas de vino, especialmente creadas y diseñadas para la ocasión. La que contiene vino blanco nos muestra a Nicholas, personaje origen de Papá Noel, mientras que la otra contiene vino rojo y se cubre con el personaje de Krampus, que imagino no será tan buen tipo… image by www.packagingoftheworld.com
Diseñados por la agencia Big Fish para
Diseñados por la agencia Big Fish para la marca de tortas de arroz Kallo, muestran diferentes escenas o personajes inspirados en el folklore escandinavo. En este caso el diseño es mucho más contenido en color y en abundancia de gráficos y el resultado es sólo vagamente reconocible. Image by www.designweek.co.uk

Arte


El uso de técnicas tradicionales como el bordado o el tejido en el arte nos ha dado ejemplos muy interesantes de cómo podemos evolucionar y transformar nuestro legado, dotándolo de significados completamente distintos. Y son las mujeres las que, aprovechando la tradición casi exclusivamente femenina de muchas de esas técnicas, están creado las piezas más interesantes.

Buen ejemplo de ello la obra de la portuguesa Joana Vasconcelos, que descontextualiza y «pervierte» muchas de esas destrezas tradicionales como el ganchillo, creando monumentales, rupturistas y orgánicas instalaciones.

images by joanavasconcelos.com
Valkyrie Marina Rinaldi, 2014
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True faith, 2014 – images by joanavasconcelos.com

La artista peruana Ana Teresa Barboza reinventa las técnicas del bordado y la costura, sirviéndose de ellas como elementos pictóricos con los que construye paisajes desestructurados de ricas y expresivas texturas o escenas cotidianas vestidas con un halo de surrealismo.

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images by www.fubiz.net

Como ellos mismos se definen, Play Clan parte del folklore tradicional, reinterpretándolo desde una base contemporánea para crear colecciones de objetos y ropa con ilustraciones basadas en la mitología hindú.

image by www.fubiz.net
image by www.fubiz.net

Te recomiendo dos artículos si quieres profundizar en esta técnica: comienzo con este completo artículo de illusion.scene360.com «10 artist who contemporize the ancient craft of embroidery«, donde encontrarás una estupenda selección de artistas que trabajan con la técnica tradicional de bordado desde una perspectiva totalmente contemporánea. Y en «10 Contemporary embroidery artists» encontrarás alguna más en una web (Textileartist.org) que deberías guardar si te interesan este tipo de técnicas enfocadas al arte.

Pero no sólo del bordado viven las mujeres artistas interesadas en el folklore. La fotógrafa noruega Bjørg-Elise Tuppen se inspiró en la mitología y los paisajes de su país para crear la serie «Norway – The land of Myths and Folklore«, formada por etéreas y bellísimas composiciones.

image by Bjørg-Elise Tuppen
image by Bjørg-Elise Tuppen

Lore of the North es un proyecto fotográfico del estudio inglés Lord Whitney, capitaneado por Amy Lord y Rebekah Whitney. Volcado posteriormente en un libro homónimo, ofrece instantáneas inspiradas en el folklore del norte de Inglaterra aunque pasadas por un filtro de estilo muy personal que en ocasiones nos resulta casi cinematográfico. El libro no sólo ofrece una visión muy particular de estos mitos, si no que permite al lector desarrollar su propia historia y hacerla interactiva.

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images by lordwhitney.co.uk

Con un acercamiento similar, pero muy diferente en cuanto a las mitologías que lo inspiran y al estilo, creó el fotógrafo Charles Fréger su serie «Yokainoshima«. Profundamente inspirado en la mitología japonesa, las imágenes nos muestran distintos seres que habitan la naturaleza y vinculan a los habitantes con ella, concentrando este encuentro en festivales y festividades locales. Con una interpretación un tanto libre de esos mitos, el fotógrafo recoge todo lo visto y aprendido durante sus viajes por la zona, destacando la enorme influencia que aún tienen en la cultura japonesa actual. No dejéis de visitar su web, tiene trabajos muy interesantes. Via www.itsnicethat.com.

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images by www.charlesfreger.com

Moda


Que los elaborados bordados propios de la vestimenta tradicional de muchos pueblos tuviesen una amplia influencia en la moda era algo lógico y previsible, una suerte de evolución natural. Fuertemente cargados de simbolismo y connotaciones religiosas, históricas o relacionadas con el entorno natural, su rico imaginario es y ha sido fuente inagotable de inspiración -y apropiación- para los diseñadores de moda desde hace mucho tiempo. El que lo hagan con mayor o menor respeto y conocimiento es otro tema…

La firma Valentino, con los diseñadores Maria Grazia Chiuri y Pier Paolo Piccioli al frente del equipo creativo, ha construido un universo propio basado en buena medida en el folklore de diversos pueblos, sobre todo del este de Europa. Con sus delicados y etéreos vestidos y bordados han dotado de modernidad a un estilo que huye de lo hippie para convertirse en sensual e intelectual, revalorizando técnicas artesanales que estaban a punto de perderse para siempre.

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image by culturacolectiva.com
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image by www.blouinartinfo.com

Otro diseñador cuya trayectoria ha estado influenciada en ocasiones por el folklore es el belga Dries Van Noten. Las imágenes a continuación proceden de su colección de primavera verano de 2014.

images by thestylecrusader.com
images by thestylecrusader.com

Otro más de los maravillosos libros editados por Gestalten. En este caso, dedicado a la vestimenta tradicional del norte de Europa y acompañado de preciosas e impactantes fotografías.

Vlisco Fabrics es una curiosa mezcla entre empresa textil casi de lujo e institución dedicada a la conservación y comunicación de los diseños textiles tradicionales en África. Aunque no es una empresa africana, si no holandesa, los diseños son puramente africanos y tienen una enorme popularidad en el continente. Basados en tradiciones e historias a menudo familiares, cada diseño tiene vinculada su propia historia.

image by vlisco.com
image by vlisco.com

Increíbles y elaborados vestidos realizados en papel por la artista Asya Kozina, basados en el folklore indígena de Siberia. La artista tiene en su portfolio más ejemplos de interpretaciones bastante libres de trajes tradicionales en papel.

image by Asya Kozina
image by Asya Kozina

Diseño de producto y espacios


Ideado y construido para la Expo de Milán 2015, este pabellón para Ecuador fue diseñado por los españoles Zorrozua y Asociados en conjunción con KriskaDECOR, empresa especializada en el uso de cadenas metálicas de color para la decoración de interiores. El exterior del edificio, realizado con estas cadenas, está inspirado en los conocidos textiles ecuatorianos y en su riqueza de color y tramas.

image via www.frameweb.com
image via www.frameweb.com

Los hermanos Campana se han caracterizado desde sus comienzos por incorporar no tanto el folklore de su país, Brasil, como el estilo y la capacidad de invención de la gente de la calle. Consiguen así dotar de modernidad e interés objetos que, creados sin una perspectiva de diseño, podrían ser considerados burdos, toscos. Una de sus últimas colecciones es la llamada Cangaço, bandidos del pueblo que vivieron a finales del s XIX y principios del XX de los que la leyenda dice que, cual Robin Hood brasileño, robaban a los ricos para dárselo a los pobres. La realidad no siempre era tan amable, pero lo cierto es que dejaron un estilo propio fuertemente étnico y colorido en el que se han inspirado los Campana para esta colección, construida con pieles de colores cosidas, abalorios, etc.

image by dezeen.com
image by dezeen.com

Moroso es una de mis firmas de diseño de mobiliario preferidas, por lo creativas y originales que son sus piezas. Dentro de su catálogo tiene muchos ejemplos de diseños inspirados o influenciados por las tradiciones africanas, entre los que he seleccionado los siguientes:

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Diseños de Ayse Birsel & Bibi Seck, Tord Boontje, Patricia Urquiola y Sebastian Herkner. Image by www.moroso.it

Ettore Sottsass, uno de los diseñadores más conocidos del grupo Memphis, viajó a la India en numerosas ocasiones, enamorado del país y de su uso libre y desmesurado del color. Estos viajes y el contacto con su cultura tuvieron una enorme influencia en él y en sus diseños. Este interesante artículo de Architizer.com nos muestra la relación entre las casas de Tirunamavalai, situada al sur de la India, y los diseños de Ettore. Estos edificios, construidos alrededor de los años 40 del pasado siglo, se exhiben con una aparentemente disparatada mezcla de colores y formas, como si el art-deco y la psicodelia hubiesen pasado una loca noche juntos. En realidad ésa es más bien nuestra perspectiva como occidentales, porque esas elecciones de formas y colores no son arbitrarias para ellos y responden a un uso del color y las formas muy arraigado en la cultura india.

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images by architizer.com

Li Edelkoort, posiblemente una de las personalidades más influyentes a nivel internacional en el campo del diseño, comisarió una exposición en 2013 para la Design Indaba Expo denominada «Totemism: Memphis Meets Africa». Un título de lo más sugerente para una exposición que maridaba el diseño africano contemporáneo con su ancestral cultura. Te dejo un vídeo del evento:

Totemism: Memphis Meets Africa at Design Indaba Expo from Design Indaba on Vimeo.

El diseñador Bertjan Pot comenzó construyendo estas máscaras como un simple ejercicio de experimentación con materiales para la construcción de alfombras, cosiendo cuerdas de diferentes colores. Finalmente se dio cuenta de que para ese fin no servía, pero se les ocurrió crear con ellas divertidas máscaras que recuerdan al arte africano o indio americano.

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image by bertjanpot.nl

La diseñadora Patricia Urquiola tiene un estilo reconocible y al mismo tiempo difícil de clasificar. Rejuvenece técnicas, estilos y materiales propios de la artesanía de distintos pueblos, dándoles un aire fresco y femenino que resulta de lo más apetecible.

mesa y taburetes en madera, hechos a mano en colaboración con Mabeo, un fabricante de muebles de Botswana. Image by patriciaurquiola.com
Mesa y taburetes en madera hechos a mano en colaboración con Mabeo ( fabricante de muebles de Botswana) para la colección Sefefo. Image by patriciaurquiola.com
Parte de la colección Margas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero tamaños y diseños modernizados que invitan al disfrute y bueno, a abrazarlos :)
Alfombra que forma parte de la colección Mangas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero escala y diseño modernizados que invitan al disfrute y.. bueno, a abrazarlas. Image by patriciaurquiola.com

Un poco de información extra…


Vídeo del TED Institute.

Interesante vídeo del Museo Británico del Folklore para intentar salvar la institución de la desaparición, ya que no tiene ni siquiera edificio donde colocar su colección. Vía itsnicethat.com

Juego de adultos

Play for adults: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


No está bien visto que los adultos juguemos.

Jugar nos obliga a “soltarnos la melena”, a no tener miedo de hacer el ridículo, a olvidarnos de la competición y de los problemas más mundanos, a dejarnos llevar por la diversión y el disfrute libremente. A menos que se entienda dicho juego como una actividad con connotaciones sexuales -en cuyo caso tendremos otro escenario muy distinto- no se nos permite dar rienda suelta a nuestro instinto más aventurero y libre. 

Jugar parece sólo cosa de niños, quienes por otra parte cada vez sienten sus juegos más dirigidos y manipulados por nosotros, los adultos. El juego por sí solo no es suficiente, les decimos, tienes que aprender algo mientras tanto. Al final el juego se convierte en otra prueba más, en objetivos que hay que alcanzar, en algo que les hace sentir mal si no lo “hacen bien”. A nosotros, por otro lado, nos ofrecen guerras de paintball, destrozar coches de desguace o realizar actividades de “supervivencia” en el bosque con la cara pintada. Incluso existen piscinas de bolas para emborracharse mientras te pierdes en un mar de pelotas de colores. 

La aproximación de los diseñadores, artistas y expertos en creatividad al juego puede ser superficial o conceptual, lúdica o crítica. No hay un punto de vista único ni una tipología de productos clara, pero si mucha experimentación. La selección que he realizado es sólo una muestra de los muchos proyectos o diseños que podéis encontrar, os animo a buscar y no olvidéis compartir con todos vuestros hallazgos en los comentarios.

En realidad no creo que jugar sea una actividad concreta a realizar en un periodo determinado. Creo que el valor del juego va más allá, es una forma de ver la vida en la que lo inesperado y la aventura están presentes en cada minuto del día. Es darle un sentido lúdico a todo lo que hacemos y experimentar, ya sea con un objeto, una experiencia o una emoción.

«We don’t stop playing because we grow old; we grow old because we stop playing.»

George Bernard Shaw

¿Jugamos?…


El juego, los objetos y el espacio


The Kingdom

Oficinas realizadas por Adolfsson & Partners para la empresa de juegos King, inspirada en sus productos y personajes. Se me hace difícil creer que alguien pueda tener una discusión de trabajo muy seria en este entorno tan «juguetón» y naif. Puedes ver el proyecto completo www.adolfssonpartners.se.

image by www.adolfssonpartners.se

image by www.adolfssonpartners.se

image by www.adolfssonpartners.se
images by www.adolfssonpartners.se

The King Arthur

Mesa de reuniones diseñada por Duffy London, inspirada en la mítica mesa redonda de Arturo y los caballeros de la mesa redonda. Su forma promueve la participación e igualdad entre los participantes. Estoy segura de que las reuniones en una mesa como éste tienen que ser más creativas (y divertidas)… ¿no dicen acaso que el movimiento impulsa las ideas? no son pocos los ejemplos de creadores o pensadores que tienen las mejores ideas dando un paseo o haciendo ejercicio. Puedes ver los detalles -y comprarla si tu empresa tiene una economía saneada- en duffylondon.com.

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images by duffylondon.com

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Stuffed Toys Collection, por los Hermanos Campana

Los brasileños consiguieron repercusión mundial gracias a sus sillones y butacas realizadas con peluches cosidos entre sí a mano, en series limitadas y diversos materiales. Desde entonces han explotado el recurso con otros materiales y muebles  Puedes ver la serie completa en su web, campanas.com.br.

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images by campanas.com.br

Bourgie de Kartell, por Snarkitecture

De nuevo los neoyorkinos de Snarkitecture nos ofrecen un producto a medias entre el juego y la sorpresa. Homenaje a la lámpara Bourgie, diseño de Ferruccio Laviani, el diseño evoca el acto de tapar una lámpara con una tela para matizar su luz, aunque también nos recuerda a un fantasma… ¡¡buuu!!

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image by snarkitecture.com

Props, de Hella Jongerius

Proyecto experimental de creación de híbridos entre objetos de uso común y formas que nos recuerdan personajes famosos o animales. Hella trabajó en esta serie sobre los nuevos significados del concepto funcionalidad para la marca Vitra, en uno más de sus proyectos de investigación de formas y materiales en los que desarrolla todo su talento y experiencia (como el reciente estudio de color para Vitra).

www.jongeriuslab.com

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images by www.jongeriuslab.com

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Hi Life, por Matali Crasset

Una serie de hoteles diferente donde poder sentirse a gusto en un alojamiento sencillo, económico y ecológico, que invita a disfrutar la estancia de una forma relajada e informal. Matali siempre se ha caracterizado por tener un universo propio, muy reconocible, que provoca tantas adhesiones como extrañeza. Personalmente, es una de las diseñadoras a las que más admiro por esa capacidad para crear un lenguaje propio y coherente. Más info en  www.matalicrasset.com

HI-MATIC from Matali Crasset on Vimeo.

Sillas, sillones

Diversos diseños para sentarse, recogerse, trepar, disfrazarse, esconderse o inventar. O para lo que se ocurra…

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De izquierda a derecha y de arriba a abajo – clockwise from left top: serie UP, de Gaetano Pesce (image by bebitalia.com) – Blowing Series, por Seungjin Yang (image by www.seungjinyang.com) – Colección Gran Hotel, de Mariscal (image by www.mariscal.com) – Sketch, de JSPR (image by jspr.eu) – Vodo Masko, por A. Maggiar para TOG (image by www.togallcreatorstogether.com)

 

Sofá Nest, de Tjep
Sofá Nest, de Tjep
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Sketch Furniture Performance Design, por Front
Principessa day bed, por Doshi Levien
Principessa day bed, por Doshi Levien. Basada en el cuento de la princesa y el guisante.
Serie Mah Jong, de Roche Bobois. Ahora si podrás tirarte al suelo.
Serie Mah Jong, de Roche Bobois. Ahora si podrás tirarte al suelo.
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Cama o ring para conversaciones de Masanori Umeda’s ‘Tawaraya’ , puro estilo Menphis. Image by www.artnews.com
Attila y Napoleon, por Starck
Attila y Napoleon, por Starck

Otros objetos

Mariscal siempre se ha destacado por su espíritu juguetón y amable. En esta lámpara, más contenida de color que otros proyectos suyos -el diseño pide claramente el color negro- se conjugan ambas características. Seguro que es fácil cogerle cariño…

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Mr Light, de Mariscal

Son varios los diseñadores, ya desde mediados del siglo pasado, que han diseñado y construido juguetes o pequeños personajes que parecen vivir en un universo creado a imagen y semejanza del autor.

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Funny Farm, de Isidro Ferrer. Image by Contemporist.
Wooden dolls, de Alexander Girard
Wooden dolls, de Alexander Girard para Vitra. Image by Stardust

El juego irreverente


Alpha Pin ups, por Malika Favre

Malika es una artista francesa afincada en Londres. Éste es un proyecto tipográfico personal de carácter erótico que fue publicado en diversos magazines (Wallpaper, IdN) y que no es el único de estas características creados por la ilustradora. Podéis ver más en su web, e incluso creo que comprar el poster.

Image by Malika Favre
Image by Malika Favre

Florero Shiva, por Ettore Sottsass

Cuenta la historia que el maestro italiano se enamoró de una catalana, y fruto de aquel amor nació el irreverente y juguetón florero Shiva, para la editora Bdbarcelona. No sabemos si la historia es cierta o no, pero es evidente que Ettore tiene mucho sentido del humor… 🙂

image by www.1stdibs.com
image by www.1stdibs.com

The Guest, de Jaime Hayón para Lladró Atelier

Proyecto colaborativo entre Jaime Hayón y diversos artistas (Tim Biskup, Devilrobots, Gary Baseman. Rolitoland…) que intervienen y personalizan la figura inicial creada por él. Aunque el proyecto en sí no resultaría sorprendente en otras marcas más underground, para Lladró supone una incursión arriesgada y original en un estilo muy distinto al que nos tiene acostumbrados (pastorcillos y demás figuras un tanto kitsch para el gusto actual).

image by www.hayonstudio.com
image by www.hayonstudio.com

El juego y las sensaciones


The Beach

750.000 pelotas de plástico blanco reciclables inundaron el hall del National Building Museum en Washington en el verano de 2015. El estudio Snarkitecture construyó una playa artificial -que a ratos nos recuerda a una nube- en la que grandes y pequeños disfrutaron de una experiencia muy poco habitual en un museo. No sé si los museos son los emplazamientos ideales para este tipo de iniciativas, pero si creo firmemente que deberían hacerse más. No todos los días tengo la excusa perfecta para hacer el payaso y convertirlo en un acto cultural…

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Image by www.boredpanda.com
Image by Snarkitecture
Image by Snarkitecture

El parque tejido

La artista Toshiko Horiuchi MacAdam teje esculturas para jugar y experimentar. Realizadas totalmente a mano, terminar una puede llevarle meses, a veces incluso años. Influenciada por la obra de Gaudí, se inspira en los niños y sus juegos.

«All children can play together. They do not have to be athletic, but can still use their whole bodies for fun – laughing, giggling and screaming.  They have a great time together.
Often it is parents who are the problem. They seem to have forgotten what it was like to be a child.»

Extracto de la entrevista realizada para Archdaily. Puedes leerla completa aquí.

No sé tu, pero a mi me encantaría saltar en esta especie de tela de araña multicolor y sorprendente, ¿verdad?.

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Pin & Pop

Pseudónimo de la artista australiana Tanya Schultz, que crea oníricos y coloridos mundos en miniatura inspirados en los cuentos y en el concepto de paraíso. Sus esculturas e instalaciones están realizadas con azúcar, purpurina, caramelos, flores de plástico o cualquier otro elemento que llame su atención. Su arte recuerda a los mandalas realizados por los monjes tibetanos, efímeros e hipnóticos. Tan artificial como bello.

pin&pop.com.au

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Winter Wonderland, de Tord Boontje Studio.

Creado por en colaboración con Swarovski y basado en los cuentos infantiles y las historias de aventuras. Instalación completa. Tord trabaja habitualmente con este tipo de ilustraciones y grafismos. Si os gusta esta instalación y queréis recrearla en vuestra casa, podréis tener algo parecido con sus lámparas.

image by tordboontje.com
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El juego gráfico


Identidad para la peluquería Get Up Hair Stylist realizada por Alexis Romero Estudio. Las tarjetas se hacen y personalizan en el momento, con trozos de papel y los distintos sellos, jugando con los personajes y sus peinados. Ya me imagino a algunos clientes dudando de qué peluca quieren para su personaje…

image by alexisromeroestudio.eu
image by Alexis Romero Estudio

Cartel realizado para el Festival L´Arpentier por www.brestbrestbrest.fr en 2014. Unos sencillos trazos bastan para presentarnos unos personajes simpáticos y entrañables.

image by www.brestbrestbrest.fr
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Imagen que componía una de las campañas realizadas por *S,C,P,F para Vueling. Las pequeñas nubes, que antes aparecían como dibujos planos en amarillos, blancos y negros, pasan a formar parte ahora del paisaje a una escala que invita a jugar e interactuar. No entiendo por qué toda esa gente no está saltando encima de la nube…

Campaña de *S,C,P,F para Vueling
Campaña de *S,C,P,F para Vueling

Identidad de marca realizada por Bibliothèque para Ollo. La imagen en sí es colorida y divertida, pero además en la web puedes jugar con el logo de una forma que resulta sorprendentemente adictiva. Espero que este juego no sea lo que justifique su forma, si no una entretenida ocurrencia que se les ocurrió después.

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Proyecto de branding de Bibliothèque para Ollo. Visita su web y juega con el logo.

¿Qué dicen los expertos sobre el juego?…



Play is more than just fun

Otra maravillosa charla más de TED, en este caso del Dr. Stuart Brown, director del instituto Nacional del Juego y especialista en el tema, que defiende las razones de la necesidad del juego adulto. En inglés, con subtítulos.

Tim Brown: Tales of creativity and play

Tim Brown, CEO de Ideo, nos habla aquí de la relación entre el juego y la creatividad, relacionando la capacidad de jugar libremente con la libertad de exponer nuestras ideas.

The Key to Happiness: A Taboo for Adults?

Interesante artículo de Joe Robinson sobre porqué los adultos necesitamos jugar, a pesar de que el juego no encaje en lo que entendemos por madurez. En inglés.

Por qué es tan importante que sigamos jugando cuando somos adultos

Con reflexiones similares a las del artículo de Joe Robinson, aunque -desde mi punto de vista- demasiado centrado en los videojuegos.

Contrastes insólitos

Uncommon mixes: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


El juego de los contrastes es a menudo un juego de percepciones, en el que el orden natural se ve trastocado, en el que nada es lo que parece, ni los objetos ni las sensaciones. Lo que era sólido es en realidad líquido, lo que parecía exterior nos sitúa en un interior.

Los artistas, diseñadores y creadores en general saben bien cómo exponernos a esas contradicciones y provocarnos incomodidad, desconcierto o que riamos a carcajadas. Es una estructura que funciona en historias, en chistes, en películas. Al desubicarnos no colocan en situaciones en las que -conscientemente o no- estamos abiertos a la sorpresa, ya que momentáneamente nuestro sistema de valores y creencias se desmonta, perdemos el hilo sin saber a qué atenernos.

Dicen que las mentes creativas están más abiertas a la incertidumbre, a lo inesperado. Que es un excelente caldo de cultivo para el crecimiento de nuevas e innovadoras ideas, donde conceptos aparentemente excluyentes explotan en algo radicalmente nuevo.

Sea como sea, te animo a que no rechaces los contrastes. Aunque sólo sea porque una vida lineal y predecible, calculada y monótona, es terriblemente aburrida.


Conceptos


Riverbed es uno de los proyectos más sorprendentes de Olafur Eliasson. Realizado en 2014 para el Museo de Arte Moderno de Louisiana, el artista recreó un paisaje exterior con un río, agua y piedras. En las sucesivas salas, toneladas de piedras y guijarros dejaban pasar un riachuelo de agua que se deslizaba como un rio «de verdad», mientras que todo lo que rodeaba a esta base (paredes, techo, iluminación) era la propia de un entorno cerrado y artificial como el de un museo. El contraste es evidente y perturbador. Aunque el algún sitio he leído que el resultado es un paisaje «encantador», pero reconozco que mi percepción es muy distinta. La ausencia total de vegetación, de cualquier otro tipo de vida que no sea la de los visitantes, el contraste con el ambiente estéril y casi quirúrgico de las salas, hace que el resultado sea inquietante, casi angustioso. Como una naturaleza virtual, encerrada, inerte.

 

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image by olafureliasson.net
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Los italianos Andrea Trimarchi y Simone Farresin componen Formafantasma, desde mi punto de vista uno de los estudios más interesantes y elegantes a nivel internacional. Entre sus trabajos -y te recomiendo que los veas todos con tiempo, leyéndote las exhaustivas explicaciones- tienen éste: «De Natura Fossilium«.

Los diseñadores realizaron este proyecto de investigación en colaboración con la Gallery Libby Sellers, estudiando los efectos del volcán Etna en el paisaje, la cultura y la artesanía del lugar: la cultura de la lava, como ellos mismos la denominan. Huyendo de y cuestionando las expresiones más turísticas y tópicas de dicha cultura, profundizaron en las técnicas que podían aplicarse a los materiales -tanto las ancestrales como las más innovadoras- diseñando objetos tan variados como relojes, tapices o mesas. Pero es con los relojes y las vasijas con los que a mi juicio han creado objetos tan sorprendentes como sugerentes. En los segundos, el contraste entre la frialdad de las formas rectangulares, simétricas, pulidas y las rocas en bruto, entre la endurecida lava negra y el cristal color fuego, son sublimes. Los primeros son aparentemente sencillos, pero su posición horizontal nos empieza ya a dar pistas sobre su excepcionalidad. La aguja que marca los minutos va desplazando en su lento movimiento la arena volcánica que forma la base del reloj. El tiempo no parece pasar fácilmente en este reloj, si no con esfuerzo y cierta dificultad. No se si es una metáfora de la vida bajo el volcán, pero podría serlo.

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images by www.formafantasma.com

La mesa UP Ballon, de Duffy London, supone un cambio de registro radical, es muy divertida y un punto gamberra. Aparentemente, unos globos sujetan como por arte de magia una base de cristal a la altura de una mesa, causando que nuestra impresión inicial sea que los globos terminarán por explotar y el cristal terminará en el suelo hecho añicos… obviamente, los globos no son tales, si no soportes metálicos con su forma que mediante los cables que simulan cuerdas sostienen la base de cristal. Ingenioso y efectivo.

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images by duffylondon.com

geist.xyz es un proyecto de ZEITGUISED, que se definen como un estudio de artistas, diseñadores y técnicos que crean arte «sintético» para marcas, desde la concepción hasta la producción. Concebido como un proyecto de moda «diferente», nos muestra distintos retales o piezas de tela con estampados basados en algoritmos, que flotan, bailan y giran siguiendo un ritmo suave e hipnótico. A medio camino entre lo reconocible y lo extraño, a veces nos parece reconocer un gesto humano, como si debajo hubiese un cuerpo danzante, pero al segundo siguiente este movimiento se torna irreal, incómodo.

geist.xyz from ZEITGUISED on Vimeo.

 

Materiales


En la River Collection, por ejemplo, Greg Klassen crea muebles (fundamentalmente mesas) con maderas encontradas en la naturaleza, que trabaja artesanalmente. Rellena las pequeñas o grandes fisuras naturales de la madera con cristal de color, como queriendo curar sus heridas. Sus piezas son únicas, y partiendo de lo que podría considerarse un «accidente» natural», una pieza imperfecta e inservible, recrea paisajes naturales, como ríos atravesando montañas rocosas.

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images by gregklassen.com

La gente de Duffy London tiene un buen puñado de piezas que podemos calificar de mezclas insólitas. Muestra de ello es la Abyss Table, que parte de la unión del cristal con la madera como en el caso anterior, pero con resultados muy distintos tanto a nivel visual como conceptual, a medio camino entre el diseño de producto y el objeto de arte con utilidad práctica. Mediante la superposición de capas de madera y cristal, este tipo de mesas proporcionan la ilusión de estar asomándonos a las profundidades abisales, provocando cierto desasosiego y sensación de vértigo.

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images by duffylondon.com

Tokujin Yoshioka es otro maestro a la hora de crear piezas que desafían nuestras percepciones. Una de ellas, la mesa Agravic -creada para la exposición «Marble across time», tuve la suerte de poder verla en la Feria de Diseño de Milán de 2014 y es aún más impactante en directo. Un equilibrio que se nos antoja imposible entre las medidas y los materiales, como si la gravedad no existiese. La enorme pieza de mármol -densa, opaca, pesada- es elevada y sujetada por dos pequeñas y aparentemente frágiles piezas de un material similar al cristal. Las proporciones de la mesa acrecientan esta sensación de inverosimilitud, y el espacio, limpio de cualquier otro elemento, destaca y hace brillar aún más la pieza.

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No es el único ejemplo que el japonés tiene de contrastes de materiales y conceptos que nos resultan extraños pero al mismo tiempo hipnóticos. Prueba de ello son las diferentes piezas que componen la serie «Water», que parecen congelar en el tiempo un bloque compacto de agua en el que el viento ha dibujado ondas suaves y rítmicas.

image by www.tokujin.com
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Marco Guazzini es un diseñador italiano que ha inventado un material nuevo: el Marwoolus. Mezcla de mármol y lana, el contraste de durezas, color y textura es sorprendente y efectivo. Me encantaría poder tocar uno para ver si el tacto es, efectivamente, distinto…

image by marcoguazzini.com
image by marcoguazzini.com

Elisa Strozyk
 ha conseguido crear un material con características textiles a partir de la madera. Sus alfombras, manteles e incluso mantas están realizados a partir de pequeños trozos triangulares de madera unidos a una tela de algodón, obteniendo un material que reúne lo mejor de ambos componentes, y que facilita la creación de diseños geométricos y coloridos con cierto aire tradicional y folk.

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image by www.elisastrozyk.de

Naoto Fukasawa creó en 2004 estos prototipos de envases para la exposición «the Haptic exhibition» que probablemente hayáis visto ya en numerosos blogs. Inicialmente, Naoto creó diseños que simulaban plátano, fresa, kiwi, leche, melocotón y manzana, aunque los más conocidos son los tres primeros. Uno de ellos, el de plátano, incluso llegó a producirse comercialmente durante un tiempo, aunque con variaciones respecto al diseño original. El contraste entre el envase -artificial y sujeto a códigos visuales y materiales muy conocidos- y la textura y color -totalmente natural- es chocante. Tanto, que parecen imágenes realizadas por ordenador y no objetos reales…

image by www.szeretlekmagyarorszag.hu
image by www.szeretlekmagyarorszag.hu

Jugar con las percepciones de los objetos y materiales conocidos, haciendo que parezcan lo que no son o que tengan distintas propiedades, es un recurso conocido pero casi siempre efectivo. En este caso, las chicas de Front concibieron un banco de madera maciza para la editora Moroso -al que llamaron Soft Wood– que… no es tal. Aunque la estructura esté realizada en este material rígido, el asiento y el respaldo son blandos, tapizados con una tela cuyo estampado imita perfectamente el color y los nudos de la madera natural.

Eso si, me imagino la cara de susto que se te debe quedar cuando te sientas esperando que sea un asiento rígido y te hundes hacia abajo…

image by www.frontdesign.se
image by www.frontdesign.se

 


Gráfica


En los proyectos de Stefan Sagmeister siempre encuentras una dosis mayor o menor de estudiado y certero contraste. En Deitch Proyects -realizado, si no me equivoco, antes de la incorporación de Jessica Walsh- forró literalmente una pared con 10.000 bananas verdes y amarillas que mostraban un mensaje: Self-confidence produces fine results (algo así como «la confianza en uno mismo produce buenos resultados»). El mensaje fue apareciendo y desapareciendo según el distinto grado de maduración de los plátanos, de manera que terminó por desaparecer cuando todos ellos se volvieron marrones (imaginamos que en ese momento decidieron quitar la instalación, antes de que el olor fuese insoportable…).

image by sagmeisterwalsh.com
image by sagmeisterwalsh.com

 

Joyería contemporánea

Contemporary jewelry: a curated selection of projects regarding this topic.


Adornar el propio cuerpo es una costumbre que se ha repetido siglo tras siglo en innumerables culturas. Incluso hay animales que se adornan con distintos fines. En nuestro caso no siempre es por una cuestión de vanidad: las joyas o adornos corporales pueden indicar estatus, pertenencia a determinada tribu o familia, edad, estado civil, creencias religiosas o políticas… usamos los objetos que nos colocamos encima para comunicar mediante complejos códigos nuestra forma de ser y de pensar. O también para atraer al sexo contrario, por supuesto.

En las culturas occidentales la denominación de joyas se reservaba casi exclusivamente para piezas realizadas con piedras o metales preciosos. En las que los códigos de riqueza y exclusividad eran comprendidos por cualquiera, sea cual fuese su origen. Cuanto más grande y raro de conseguir, más rico y poderoso se era.

La situación ahora es un poco más difusa. Siguen existiendo joyas cuyo precio es obscenamente caro, pero al mismo tiempo existe un creciente grupo de diseñadores de joyas que creen que también son importantes la historia que envuelve la pieza, su belleza no siempre evidente, las sensaciones, las tendencias, la ecología…

Portar una joya de estas características no siempre es un síntoma de estatus pero, al igual que por sucede con la ropa, llevarla implica que pertenecemos a un selecto club de personas que entienden y valoran la creatividad y los valores que cada pieza pueda encerrar. Son más expresivas, más personales, mucho más imaginativas. Son piezas para personas que -a menudo- valoran más ser y conocer que tener.


Joyería experimental


Kinetic rings, por Dukno Yoon

Joyas cinéticas realizadas por el artista norteamericano Dukno Yoon que exploran e imitan el vuelo de aves e insectos, replicándolas mediante complejos y sutiles mecanismos que se accionan con el movimiento de los dedos o de las manos.

image by art.ksu.edu
image by thisiscolossal.com
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Maiko Takeda

Sombrerera y diseñadora de joyas japonesa, que consiguió fama gracias a los accesorios creados para Bjork en su gira de 2013. A mitad de camino entre un casco y una joya, sus piezas envuelven toda la cabeza, distorsionando sus límites y desdibujando los rasgos.

image by www.maikotakeda.com
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Neclumi

Según sus creadores, el grupo de diseñadores Pangenerator, éste es el primer collar interactivo basado en la proyección de luces que reaccionan según diversos parámetros (movimiento, velocidad, giro, etc. del usuario).

Vía Fubiz.

Autodiscipline

La diseñadora Oleksandra Gerasymchuk, en colaboración con Florent Gros, ha creado una serie de joyas que obligan a su portadora a mantener una posición erguida y artificial. Bordeando en ocasiones la incomodidad, resultan una conceptualización un tanto perversa del título de la serie.

Vía Fubiz.

Autodiscipline. Image by Oleksandra Gerasymchuk

Autodiscipline. Image by Oleksandra Gerasymchuk
Autodiscipline. Images by Oleksandra Gerasymchuk

Mariko Kusumoto

Esta artista de origen japonés y afincada en Massachusetts crea pequeñas esculturas a partir de bolas de polyester translúcidas y coloridas que contienen pequeños objetos, y que pueden usarse como collares. Mediante un laborioso proceso de calentamiento de la tela, ésta guarda la forma deseada y aporta la rigidez necesaria para incluir pequeños animales, cochecitos, formas…

Mariko Kusumoto. Image by Fubiz

Mariko Kusumoto. Image by Fubiz
Mariko Kusumoto. Images by Fubiz


Naturaleza portátil


Paisajes cápsula

Creadas por Secret Wood desde Canadá, estas joyas están compuestas de madera, resina y cera de abeja. Recrean paisajes abstractos en miniatura, desde montañas nevadas hasta fondos marinos.

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Secret Wood, images by Fubiz
Secret Wood, images by Thisiscolossal

Joyas-cactus

Susan McLeary crea joyas de interior rígido y de exterior efímero y vegetal. Sus joyas, que son como pequeñas y metálicas «macetas», alojan plantas tipo suculentas y cactus que duran entre 2 y cuatro semanas. Cuando mueren, la artista propone seguir usando la joya desnuda o colocar nuevas plantas.

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images by fubiz.net
images by fubiz.net

Joyas recicladas


Son varios los diseñadores que realizan piezas a partir de trozos descartados o aparentemente inservibles de maderas y otros materiales, como resinas o libros.

El diseñador Marcen Dunger crea sus joyas a partir de piezas astilladas de madera de arce y bio-resinas.

image by Marcel Dunger
image by Marcel Dunger

Britta Boeckmann crea joyas similares en cuanto a los materiales empleados, pero con un resultado más vivo en color y de aspecto menos fragmentado, más pulido.
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images by thisiscolossal.com

Jeremy May, a través de su marca Littlefly, da un sentido completamente nuevo a la expresión «joya literaria». Sus joyas están creadas a partir de cientos de hojas cuidadosamente extraídas de viejos libros, con lo que cada pieza es única e irrepetible. Algunas de sus piezas han sido adquiridas por Museos o colecciones particulares.

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images by Littlefly
images by Littlefly

Orgánico vs mecánico


Lucie Houdková es una diseñadora de la República Checa que actualmente vive en Praga. Ha realizado estudios de arte y diseño en Praga y Dublín, y sus joyas ha sido adquiridas por algunos museos y coleccionistas privados de Europa y Estados Unidos. Sus piezas tienen un carácter orgánico y futurista, y están realizadas en materiales tan diversos como papel o metal.

Broche de papel, epoxy y acero - image by luciehoudkova.com
Broche de papel, epoxy y acero – image by luciehoudkova.com
Collar de papel, acero, plata y plástico - image by luciehoudkova.com
Collar de papel, acero, plata y plástico – image by luciehoudkova.com
Broches de papel, plata y acero - image by luciehoudkova.com
Broches de papel, plata y acero – image by luciehoudkova.com

El estudio Tjep, creado por Frank Tjepkema, desarrolla su creatividad a través de un variado rango de productos, incluidas joyas, divertidas y descaradas. Creadas a partir de capas de finísimas láminas metálicas, sus modernas e irreverentes interpretaciones de cruces y corazones incluyen famosos logotipos o piezas características de un reloj.

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images by www.tjep.com

Nervous System, según sus propias palabras, es un estudio de diseño generativo que trabaja en la intersección entre la ciencia, el arte y la tecnología. Desarrollan un software propio que les permite crear objetos para la casa o joyas inspirados en patrones y formas presentes en la naturaleza.

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images by n-e-r-v-o-u-s.com
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Arte y color


Eleonora Guidotti es una arquitecta de origen italiano afincada en España. Sus collares muestran una original y muy personal combinación de colores y texturas que los convierte en pequeñas esculturas. Algunos de ellos inspirados en la obra de diversos artistas, como los Delaunay. Pueden encontrarse, entre otros puntos de venta, en la tienda del Museo Thyssen de Madrid.

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images by Eleonora Guidotti

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La artista francesa -aunque residente en Londres- Blandine Bardeau inició su trayectoria en el campo de la moda y la joyería, aunque los trabajos que actualmente expone en su web son de carácter artístico. En 2013 creó una serie de insólitas joyas de colorido impactante y materiales plásticos, de carácter tribal, psicodélico y alegre.

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images by brwnpaperbag.com
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Tatty Devine es la marca bajo la cual diseñan sus alocadas y muy originales piezas Harriet Vine and Rosie Wolfenden. Todo el proceso, desde el diseño hasta la producción, lo realizan desde su taller en Londres. Son piezas para personas atrevidas y con mucho sentido del humor que no pasan desapercibidas.

image by tattydevine.com

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Collar para la Tate de Londres - image by tattydevine.com
Collar para la Tate de Londres – images by tattydevine.com