Interiorismo

El papel del papel

Paper and cardboard: a curated selection of projects regarding this topic.


El debate sobre si los libros y en general lo impreso va a desaparecer no es nuevo. Llevamos años hablando sobre si por fin los libros y revistas van a desaparecer o no, sobre si las nuevas generaciones sólo leerán en dispositivos electrónicos que aún están por inventar o si recibir cartas se convertirá en una rareza imposible. También se habla de la inmaterialidad de los productos, de si cada vez nos harán menos falta «cosas físicas» y podremos solucionar muchas de nuestras necesidades cotidianas sin recurrir a objetos.

Independientemente de estas cuestiones, detrás de ese debate está la posible desaparición de un material que consideramos casi exclusivamente vinculado a este tipo de fines: el papel, y su primo hermano, el cartón. Si los libros y publicaciones en general desaparecen, también lo harán el papel, el cartón, las imprentas, los fabricantes de packaging…

Pero… ¿es esto del todo cierto?. El papel no deja de ser otro tipo de material, con sus propiedades, características, posibilidades… quizás el que hasta ahora sólo hayamos pensado en él como soporte de la palabra escrita nos ha limitado un poco en cuanto a buscarle otro tipo de usos.

En esta recopilación que te he preparado encontrarás ideas de todo tipo sobre cómo usar el papel y el cartón, pero sin duda todas son ideas interesantes creadas por personas que han ido más allá de las funciones habituales. Quizás te dé ideas, o puede que encuentres lo que estabas buscando. Sea lo que sea, recuerda: no están todos los que son, pero son todos los que están. Si quieres añadir el trabajo de algún diseñador, ingeniero, artista, etc. que te haya parecido interesante, adelante. Gracias.


Diseño gráfico y de producto


Tokujin Yoshioka es un diseñador japonés del que seguramente ya hayas visto piezas (en este mismo blog, sin ir más lejos). Sus trabajos son poéticos y delicados, pero al mismo tiempo conceptuales y sofisticados. En su trabajo los materiales toman formas de elementos naturales de propiedades muy distintas, como plásticos que parecen agua o pajitas de plástico que parecen nubes. En alguno de sus primeros trabajos creó mobiliario siguiendo las milenarias técnicas orientales de plegado de papel en nido de abeja, como su sillón Honeycomb.

Pero no es el único diseñador o arquitecto que ha hecho sus experimentos con este tipo de materiales. El ultra conocido Frank Gehry -el mismo que diseñó el Guggenheim de Bilbao, si- creó la silla Wiggle Side Chair dentro de su serie Easy Edges de 1972, donde investigó y creó distintas piezas de mobiliario enteramente de cartón. Ahora la edita Vitra, y es una pieza que encontrarás en museos de todo el mundo. Pero no fue su única incursión con este material en el diseño de muebles, unos diez años más tarde lanzó Experimental Edges -que también encontrarás en el catálogo de Vitra- donde el diseño es mucho más escultórico y crudo.

 

Instalación llamada Murmurations realizada por el artista Graypants en la Feria de Diseño de Milán 2015, compuesta por varias lámparas de cartón

Molo es un estudio de diseño canadiense que diseña, produce y vende diversos elementos de mobiliario -algunos de ellos en cartón- versátiles y resistentes que llaman la atención en cualquier estancia. Puedes echar un vistazo en su web y, si quieres y eres afortunado, comprar alguno…

Milimetrado es una marca española que diseña, produce y vende también productos hechos de cartón, en este caso pequeños objetos de mobiliario que simulan perros «casi» de verdad. Sus productos son originales y divertidos.

Cartonlab es otra empresa española -fundada por el estudio de arquitectura Moho Arquitectos- que crea sus propios productos de cartón, pero esta vez con una perspectiva más amplia. Puedes encargarles desde un stand hasta mobiliario personalizado.

La Boombox es un invento del diseñador alemán Axel Pfaender, que imagino será un apasionado de la estética de los viejos reproductores de cassettes que se llevaban en los infames 80, que permite construirte un reproductor de música y radio portátil ligero y muy reciclable para smartphones. La estética es muy chula, hay que reconocerlo, y el sonido no tiene mala pinta. Si quieres saber más, dale al play 😉

Zim&Zou es el estudio de una joven pareja de diseñadores y artistas franceses formada por Lucie Thomas y Thibault Zimmermann que se han especializado en la creación de instalaciones y piezas efímeras de papel, madera, cartón… Aman lo hecho a mano y la versatilidad del papel, que en sus manos adquiere vida propia en esculturas y entornos radiantes de vivos colores que parecen extraídos de un cuento. Han realizado increíbles escaparates para Hermés o portadas para conocidos magazines.

image by http://zimandzou.fr/
image by http://zimandzou.fr/

Eiko Ojala es un diseñador e ilustrador estonio cuyos trabajos suelen estar destinados a medios editoriales. Su dominio del corte y plegado del papel además de la iluminación y composición hacen que sus trabajos tengan un estilo sofisticado, conceptual, simple, poético y muy reconocible.

Images by ploom.tv

Dotmot es un estudio de diseño coreano especializado en gráfico, animación y paper art, al que incluso dedican una sección entera de su portfolio. Entre sus trabajos destacaría la paper camera kit, en el que recrean una cámara fotográfica enteramente en papel, hasta sus más pequeños detalles.

El AgIC es una especie de rotulador especial de tinta plateada cuyas nanopartículas de plata conducen la electricidad y permiten, como puedes ver en el ejemplo, que puedas dibujar directamente circuitos en un papel y crear instalaciones con luz. Te dejo con dos vídeos, el primero es un comercial realizado para la marca Kandenko en el que una ciudad de papel cobra vida y luz gracias a los circuitos creados con esta tinta especial. El segundo es un vídeo en el que explican sus posibilidades. Vía thekidshouldseethis.

YellDesign es un estudio de diseño australiano especializado en stop motion y animaciones comerciales. Entre sus trabajos tienen unos que han sido bastante virales, Paper Meal, en el podrás ver variados y casi apetitosos platos realizados enteramente -cómo no- con papel. No te pierdas su canal en Vimeo, pero te advierto, es posible que te entre el hambre… ¡Ñam!

PAPERMEAL 1 – Penne Meatballs from yelldesign on Vimeo.

Doro Ottermann es una ilustradora alemana cuyo perfil en Instagram está lleno de pequeños seres de papel que juegan entre charcos o parecen ligeramente perdidos con un estilo algo naif. También tiene divertidos stop motion donde juega con lápices de colores y una caja de cerillas, recreando famosos cuadros.

wildthings dresses (blue) from dorobot on Vimeo.

Los popups de Matthew Reinhart son alucinantes, no sólo el resultado, si no también el proceso. En este vídeo podrás ver cuánta técnica y experiencia requieren en realidad este tipo de efectos que puedes encontrar en muchos libros -independientemente de que por estética o por tema estos sean de tu agrado, que ahí ya no entro-. Muy interesante.

Si tienes niños pequeños -vale, y por ti también- no puedes dejar de visitar Mr Printables. En un momento en que el que parece que los niños ya sólo saben -o quieren- jugar con aparatos electrónicos, esta web y las personas que hay detrás creen que con las manos y papel pueden hacerse muchas cosas creativas e interesantes. Además, todo es gratis y especialmente bien hecho. No sé qué mas puedes pedir…

Y como no todo iba a ser para los humanos, la empresa holandesa Poopy Cat ha creado casas en cartón para las mascotas más presumidas y estetas -que no podían ser otras que los gatos, claro-. Pero no son casetas aburridas y anodinas, no. Éstas son reproducciones a escala de los principales monumentos arquitectónicos del mundo. Ahí es nada…


Arquitectura y Espacios


Quizás cuando hayas visto esta sección hayas pensado «vale Belén, que se puedan hacer manualidades con papel o cartón me lo creo, pero casas… como que no». Pues vete dándole una vuelta a lo que creías saber sobre estos materiales, porque se usan en construcción, y no precisamente -o no sólo- en instalaciones efímeras o por arquitectos de segunda.

Wikkelhouse es una casa realizada en cartón en su estructura principal y madera en el exterior. Si, como lo oyes. Mejor dejo que te lo expliquen ellos. Pero no me digas que no tienes ganas de una…

Wikkelhouse from Wikkelhouse on Vimeo.

Pero Frank Gehry, de quien te hablaba antes, no es el único. Shigeru Ban, uno de los arquitectos más famosos del mundo y ganador del premio Pritzker en 2014, ha usado el papel y el cartón como material constructivo en numerosas ocasiones, a  menudo con fines solidarios. Sus estructuras con resistentes tubos de cartón son ampliamente conocidas, puedes leer más sobre ellas en este estupendo artículo de world-architects.

El cartón es un material que también se emplea a menudo en la construcción de elementos de arquitectura efímera, como stands, tiendas pop-up, exhibiciones o exposiciones… a continuación te muestro varios ejemplos de ello, aunque hay muchos más.

OFF THE WALL EXHIBITION DESIGN, by Studio ST Architects with Z-A Studio
Proyecto realizado por Lazerian para la agencia de noticias internacional Bloomberg, preocupada por reutilizar la gran cantidad de papel y cartón que despilfarran a diario en sus oficinas.


Arte


Li Hongbo es un artista de origen chino cuyos conocimientos de arte y técnicas tradicionales chinas de manipulado del papel le han permitido darle un giro inesperado a lo que creíamos que podía hacerse con este material. Es posible que hayas visto algún vídeo de su serie de esculturas «Tools of Study» (2014), en las que anodinos bustos que parecían de pesada escayola revelaban ser en realidad miles de capas de papel unidos con la técnica de nido de abeja, de manera que al manipularlos revelaban su naturaleza. En este vídeo lo verás mejor:

Una de sus últimas instalaciones, Irons for the Ages, Flowers for the Day, muestra preciosas cadenas de vivos colores de lo que parecen ser arco iris de papel, que en realidad son siluetas de diversas armas, en un claro contraste entre la realidad del objeto, la delicadeza del material y los colores primarios, casi infantiles.

images by fubiz.net

Matt Shilian es, como él mismo se describe, un ingeniero del papel. Con un perfil mucho más cercano a la matemática, la ciencia y la ingeniería que otros artistas -lo que es evidente viendo el resultado final de sus piezas- se inspira en la naturaleza y la geometría para crear formas y movimientos en obras que no siempre sabe de antemano cómo acabarán siendo, dejando paso a la curiosidad y cierta improvisación. En su web encontrarás también una amplia selección de vídeos que explican su trabajo o muestran divertidas actividades con niños.

image by www.mattshlian.com
image by www.mattshlian.com

Risa Fukui es una artista japonesa que trabaja revitalizando y dándole nuevos significados al ancestral arte de «Kirie» o cortado de papel creando expresivos retratos o figuras naturales o humanas que parecen trazadas en rotulador o lápiz grueso de color, aunque en realidad estén delicadamente recortadas en papel.

image by http://www.thetreemag.com

Mia Perlman es una artista británica que también trabaja el papel en el campo del arte, con instalaciones, comerciales o no, en las que las dimensiones del papel y su color -a menudo igual que el de la pared- juega con la percepción del espectador.

Como puedes ver, no son pocos los artistas que trabajan con papel, y entre ellos hay muchas mujeres. Quizás sea lo delicado del papel, o quizás en algunas culturas sea un arte tradicional femenino, pero esa parece ser la tónica. Y lo es también en el caso de Donna Ruff, aunque para ella el papel, más que tener un carácter escultural, lo tiene en cuanto soporte con una carga de significados propia pero alterada, tergiversada o aumentada con los diferentes cortes -como cuando utiliza periódicos viejos- o familiar y emotiva -porque sus abuelos tenían una empresa de recogida y reciclado de papel desechado. Como ella dice, desde pequeña se acostumbró a ver trozos de papel y a valorar su uso.

image by huffpost.com

Rogan Brown es otro artista que también hace uso del papel en sus delicadas y etéreas esculturas cuya inequívoca relación con diversas estructuras naturales (micro y macroscópicas) no hace si no aportarles un aura científica y al mismo tiempo irreal, a lo que contribuye el uso casi exclusivo del color blanco. Como podrás imaginar, son piezas que llevan meses de duro y concienzudo trabajo. De lo que no cabe duda es de que son muy bellas.

Creo que Jen Stark fue una de las primeras -si no la primera- artista del papel que captó mi atención. Sus alucinógenas composiciones realizadas con cientos y cientos de capas de papeles troquelados, coloridas como psicodélicos arco iris, juegan con la profundidad, los cortes y dobleces simples para crear piezas muy reconocibles que juegan con tu sentido de la vista -y un posible dolor de cabeza si te quedas demasiado tiempo mirándolas-.

Akira Yoshizawa fue para muchos el mayor maestro y renovador del ancestral arte japonés de origami del mundo, hasta Google le dedicó uno de sus famosos doodles. En este video puedes ver alguno de sus trabajos, y en Emoz puedes leer una biografía sobre él y consultar más datos sobre su vida y trabajo.

La artista japonesa Chie Hitotsuyama, con su colectivo Hitotsuyama Studio, crea imponentes e impresionantes esculturas de papel enrollado -a menudo papel de periódico- que simulan animales o figuras en movimiento. No sólo el nivel de detalle y texturas es increíble, es que además parecen tener una pesadez y densidad que choca con nuestras ideas sobre el papel.

Pero éstos que te muestro son sólo algunos ejemplos de artistas que trabajan el papel. Si el tema te interesa, puedes ver algunos más en este recopilatorio de Bored Panda, tanto de papel cortado o plegado como de origami, incluyendo gente tan conocida como Yulia Brodskaya. También encontrarás libros que muestran el trabajo de diversos artistas y diseñadores en papel, como Paper Play.


Ciencia y tecnología


Éste sí que es un uso fantástico de un material tan económico y fácil de transportar como es el papel o el cartón, sobre todo para aquellos países o entornos donde no pueden acceder a carísimos equipos de investigación y análisis. El biofísico Manu Prakash, de la Universidad de Standford, creó este microscopio basado en la técnica del origami, que con unos pocos cartones y unas lentes permite poder tener un aparato de estas características por sólo un dólar. La idea surgió cuando visitó una clínica en Tailandia, donde su técnicos se sentían intimidados por la cara maquinaria del hospital y apenas se atrevían a usarla por miedo a romperla y no tener más posibilidad de comprar otra. El proyecto, llamado Foldscope, ha sido un éxito por todo el mundo, en su web encontrarás más información. Vía thekidshouldseethis.

Londres es una de las ciudades europeas más antiguas, y de hecho se dice que los sucesivos habitantes y culturas de la urbe han ido dejando un poso que forma capas y capas de historia que podrían excavarse. En esta maravillosa animación realizada enteramente con diversos tipos de papel, el equipo de la revista National Geographic liderado por Hans Weise, Fernando Baptista, y Monica Serrano, recrea las principales escenas de la historia de la ciudad mediante un espectacular uso de los pliegues, cortes y texturas del papel (además de una cuidada iluminación). Te dejo con el vídeo y con el making off. Vía thekidshouldseethis.


Creo que en realidad el bielorruso Aliaksei Zholner debe tener la ayuda de algún topo de gnomo o duende para hacer sus increíbles y diminutas máquinas en papel, porque si no, no puedo entender cómo puede hacer un motor de ocho cilindros enteramente en papel del tamaño de un huevo Kinder. Y funciona. Échale un vistazo al resto de máquinas que tiene en su canal de Youtube, porque hay algunas que realmente te hacen dudar sobre lo que creías que era posible hacer con papel y cartón.

El AgIC es una especie de rotulador especial de tinta plateada cuyas nanopartículas de plata conducen la electricidad y permiten, como puedes ver en el ejemplo, que puedas dibujar directamente circuitos en un papel y crear instalaciones con luz. Te dejo con dos vídeos, el primero es un comercial realizado para la marca Kandenko en el que una ciudad de papel cobra vida y luz gracias a los circuitos creados con esta tinta especial. El segundo es un vídeo en el que explican sus posibilidades. Vía thekidshouldseethis.


El espacio

The space: a curated selection of projects regarding this topic.


No soy científica ni especialista en el tema, pero supongo que una de las primeras cosas que hicieron los homínidos fue mirar al cielo y empezar a hacerse preguntas. En un momento de nuestra historia en la que nuestros antepasados eran aún mucho más vulnerables que nosotros a los desastres ambientales y las variaciones climatológicas, el cielo debía parecerles algo aterrador y al mismo tiempo maravilloso. Quizás por ello las primeras mitologías de las que tenemos constancia fueron creadas a partir de elementos naturales: animales, fenómenos atmosféricos, planetas o estrellas. Desde tiempos inmemoriales el ser humano ha observado el cielo, ha creado mapas del mismo, se ha guiado por las estrellas o ha construido espacios dedicados sólo a su observación. Es tal la fascinación que nos provoca que ha sido morada de dioses o de seres fantásticos desde hace siglos.

Pensar en el espacio nos lleva irremediablemente a lidiar con conceptos tan abstractos y difíciles para nosotros como puedan ser el tiempo, el infinito, la energía o el vacío. No sé a ti, pero a mi me fascina pensar en estas cosas. Me imagino viajando en el espacio y en el tiempo, atravesando agujeros negros o descubriendo otras formas de vida. No soy capaz de concebir nada de esto más allá de lo que mis sentidos y capacidad de imaginar me permiten, y es en esos momentos en los que soy especialmente consciente de que posiblemente nosotros, los seres humanos, somos una suerte de casualidad casi imposible, pero probablemente no la única. No sé si alguna vez tendremos la capacidad o las herramientas para superar estos límites.

Esa fascinación ha sido llevada a cualquier aspecto de la creación humana, desde el arte hasta las películas, pasado por la literatura, la música, la arquitectura o el diseño. Cada autor hace una interpretación personal de las maravillas y misterios que esa inmensidad desconocida puede contener, que puede ser naif, intelectual, terrorífica… Podría decirse que ha llegado un momento en el que la inspiración proviene más bien de los infinitos mundos y formas que nuestra imaginación ha creado inspirándose en el espacio que de lo que realmente sabemos de él.


Ciencia


Empiezo por echar un vistazo a algunas de las cosas que sabemos o podemos ver y oír sobre el espacio gracias a la ciencia, porque después podrás entender mejor el origen de la inspiración de los proyectos que te mostraré a continuación.

Y comienzo con uno de los vídeos más alucinantes que he visto en bastante tiempo, no tanto por el vídeo en sí, si no porque te ayuda a entender la distancia real que hay entre planetas y estrellas en el sistema solar. Estamos tan acostumbrados a ver imágenes en las que los planetas están muy cerca que no es fácil ser consciente de que las distancias y los tamaños son en realidad de una dimensión escalofriante. El vídeo se titula «To scale: the Solar System» y fue realizado por Wylie Overstreet y Alex Gorosh.

To Scale: The Solar System from Wylie Overstreet on Vimeo.

En la web de Faena Aleph encontrarás una selección de vídeos y artículos que, sin profundizar demasiado, nos introducen en diversos temas relacionados con el espacio. Y si hablamos del espacio, hablamos de Carl Sagan, posiblemente el mejor divulgador científico de las maravillas del universo. En este vídeo Carl nos invita a reflexionar sobre lo maravilloso que es el planeta Tierra y lo absurdo que resulta que los seres humanos nos empeñemos en destruirnos no sólo a nosotros mismos, si no al único planeta habitable que conocemos:

Pale Blue Dot – Animation from Ehdubya on Vimeo.

Pero no es único vídeo interesante que encontraremos en esta web, te recomiendo también que le eches un vistazo a éste. ¿Una composición musical «cantada» por Carl Sagan y Stephen Hawking? porqué no. Tiene ya más de 10 millones de visitas en Youtube, y además de un poquito friki, es una estupenda ocasión para reflexionar acerca del momento tan impresionante que vivimos. Nunca antes habíamos podido visitar otros planetas o intuir qué hay más allá de la Vía Láctea…

¿Alguna vez te has preguntado cómo suena el espacio? en teoría a nada, porque al no haber aire no se transmiten los sonidos, pero sí que hay ondas electromagnéticas, y con los aparatos adecuados, éstas pueden transformarse en sonidos audibles por el ser humano. En esta página de la Nasa podrás encontrar algunas grabaciones de planetas o de naves, pero el sonido que más me ha impresionado es el del Sol. Eso sí, aviso: ¡baja los altavoces!!…

El Royal Observatory Greenwich creó un vídeo muuuy divertido para que todos -no sólo los peques- podamos entender las diferencias entre las distintas rocas que hay en el universo. Mediante stop-motion, plastilina e ilustraciones nos explican qué distingue un meteorito de un asteroide, por ejemplo. Otro buen ejemplo de cómo el diseño y la creatividad ayudan a explicar la ciencia.

No sé si podría decirse que tiene relación con la ciencia o no, pero ya hay una empresa pionera que ofrecerá viajes comerciales al espacio. Es Virgin Galactic y si, forma parte del conglomerado de empresas de Virgin, propiedad del carismático y visionario Richard Branson. Aunque todavía no hay viajes disponibles para el público en general (aunque ya puedes ir ahorrando…) te aconsejo encarecidamente que veas este vídeo que encontré en su web, en el que astronautas, científicos, filósofos, etc. relatan sus experiencias acerca de los viajes por el espacio. Es una maravilla.

OVERVIEW from Planetary Collective on Vimeo.


Diseño gráfico y de producto


¿Ya estás soñando con viajes espaciales y aventuras con alienigenas? pues tengo buenas noticias para ti si además te gusta el diseño retro. La NASA te regala 14 posters estilo años 50-60 sobre viajes espaciales. Realizados (aunque creo que no todos) por www.invisiblecreature.com, nos recuerdan que en esa época la fiebre por todo aquello que tuviese que ver con planetas y aventuras galácticas estaba mucho más presente que ahora. Recordemos que el 21 de julio 1969 fue la primera vez en toda la historia de la humanidad que un ser humano pisaba otro planeta, satélite o estrella, en este caso la Luna. Puedes descargarlos aquí. Vía thescienceexplorer.com.

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image by www.jpl.nasa.gov

También de los mismos diseñadores (se ve que el tema les gusta, a juzgar por sus trabajos) tenemos este simpático juguete de madera con el que un niño puede crear su propio astronauta de madera, cohete incluido.

image by www.invisiblecreature.com
image by www.invisiblecreature.com

Existen multitud de apps dedicadas al espacio, algunas de la NASA y otras dedicadas a la divulgación. Pero si nos fijamos también en su diseño, una de las que más destaca es ésta diseñada por Sarah Jacoby para Tinybop llamada The Earth y creada especialmente para los niños. Porque si, existen muchos planetas, pero ninguno como el nuestro. Me parece todo un acierto vincular el buen diseño con la ciencia, necesitamos más ejemplos de colaboraciones como esta.

Aunque no es la única app interesante para los más peques (y algún niño grande…) sobre el espacio. Las aventuras del Professor Astro Cat, personaje creado por el profesor de física cuántica Dominic Walliman y por el ilustrador Ben Newman y del que podrás encontrar también un puñado de libros muy chulos, han ganado el premio Webby Award 2016 en la categoría de app familiar e infantil. Yo ya he jugado… (ejem).

Las ilustraciones del diseñador y animador Beeple (Mike Winkelmann) son cibernéticas, apocalípticas y nos envuelven en una asfixiante y angustiosa sensación de irrealidad. No te pierdas algunos de sus vídeos, porque son flipantes, aunque las ilustraciones no se quedan atrás. Y eso que, si no he entendido mal, hace una… cada día. De verdad, no sé de dónde sacan algunos el tiempo…

ZERO-DAY from beeple on Vimeo.

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Image by beeple-crap.com

El artista japonés del cristal Satoshi Tomizu crea increíbles (tanto que no parecen reales) bolas de cristal que parecen contener universos y planetas. En Youtube podrás ver un vídeo del proceso de creación, porque además son piezas bastante pequeñas.

image by www.thisiscolossal.com
image by www.thisiscolossal.com

La Atomic Age o Era atómica fue un periodo comprendido entre los años 40 y 60 del pasado siglo en el que la obsesión por los viajes espaciales y por la energía atómica estaban muy presentes en la política y en la sociedad americanas. Tras la Segunda Guerra Mundial, el poder de las bombas atómicas desató un interés y un pánico que influenció la imaginación de artistas y diseñadores, sobre todo en la cultura popular. De ahí surgieron por ejemplo muchos héroes de comics, aunque también numerosos diseños de mobiliario, casas y prendas de vestir que alegremente transmitían una confianza ciega y un tanto naif en la tecnología. Seguro que recuerdas dibujos animados como Los supersónicos o los extravagantes vestidos de Paco Rabanne o Courreges. Aunque pocos tan icónicos y representados como la Bubble chair de Eero Aarnio.

image by https://www.yahoo.com/news/blogs/spaces/hanging-chairs-put-swing-things-231359195.html
image by yahoo.com

La serie de lámparas nº28 de Bocci recuerdan mucho a una galaxia de planetas luminosos y translúcidos de colores, suspendidos en el espacio en una suerte de caos organizado. Aunque las tienen de muchos colores, las azules me recuerdan a la Tierra.

image by bocci.ca
image by bocci.ca

Louis Mounet es una firma de relojería que quizás no encaje «demasiado» en lo que podríamos llamar diseño de tendencia o de vanguardia, pero que tiene piezas exquisitas dedicadas al espacio y los planetas. En su catálogo ofrece relojes que contienen pequeños fragmentos de meteoritos o que representan el sistema solar, como el planetario que te muestro a continuación, una impresionante muestra de ingeniería relojera. Son para un tipo de cliente concreto -refinado, culto y clásico- pero sin duda son diseños que transportan tu imaginación hacia otras épocas y lugares… Puedes leer más sobre esta firma y sus asombrosos trabajos en Loffit.

image by louismoinet.com
image by louismoinet.com

Marc Newson es uno de esos diseñadores que podríamos calificar de futuristas, casi todos sus proyectos tienen un halo de modernidad que no desentonarían en una película de ciencia ficción espacial. Y como muestra, un par de proyectos. El primero es para una edición especial de Taschen del libro Moonfire de Norman Mailer, que guarda el libro en una especie de mesita que imita la base de un módulo lunar e incluye un pedazo de meteorito lunar auténtico. La superficie de esta pieza también representa fielmente una parte de la superficie lunar. En el segundo, Marc participó en el diseño de un prototipo de nave comercial que viajaría hasta una altura de más de 60 km, donde los pasajeros podrían experimentar la gravedad cero, creando tanto los interiores como su aspecto exterior. Puedes ver éstos y otros trabajos suyos en su web

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images by marc-newson.com

Pero no es el único diseñador de producto que es capaz de concebir piezas tan audaces. Ross Lovegrove, por quien tengo cierta debilidad, es un prodigio ideando productos que representan de una forma esencial elementos orgánicos como el agua o las células, pero que al mismo tiempo nos resultan tremendamente avanzados y futuristas. En su portfolio podréis encontrar también prototipos de coches redondos, farolas que parecen plantas de otros planetas o sillas que simulan estructuras óseas.

image by rosslovegrove.com
image by rosslovegrove.com

En Design Shack han hecho una recopilación también de cómo lo «espacial» ha influido al diseño, aunque desde un punto de vista meramente estético. Encontrarás desde la Guerra de las Galaxias hasta un video juego online.

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También en Creative Block tienen su propia recopilación, algo más naif y suave que la anterior (aunque, al menos para mi, más interesante), donde podrás encontrar proyectos como el de Spaceprob, de Ariel Waldman y Lisa Ballard, que muestra las siluetas de algunas de las máquinas enviadas al espacio.

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image by spaceprob.es

El diseñador e ilustrador Simon Page creó estos carteles como homenaje al año internacional de la astronomía, que se celebró hace ya algunos años, en 2009. Los diseños tienen un marcado aire retro e influencias de Saul Bass y Josef Muller-Brockmann. Vía davidairey.com

image by simoncpage.co.uk
image by simoncpage.co.uk

Arquitectura y Espacios


De la influencia del espacio en la arquitectura y los espacios que habitamos tenemos bastantes ejemplos, aunque según ha ido pasando el tiempo han evolucionado desde observatorios de las estrellas (hay quien dice que Stonehenge era un observatorio astronómico para conocer el paso de los solsticios) hasta extravagantes o exóticos hogares. En todo caso, parece haber dos posibles interpretaciones: o son lugares pensados para contemplar la bóveda celeste o sencillamente están influenciados a nivel formal y estético por la ciencia ficción inspirada en el espacio.

Como ejemplo de lo primero tenemos a James Turrel, artista americano obsesionado con el espacio y la luz. En su obra encontramos numerosos ejemplos de lo que él llama Turrell Skyspaces, que son espacios delimitados con aperturas en su parte superior que muestran un pedazo de cielo. Turrel «enmarca» el cielo para hacernos más conscientes de él, creando espacios físicos y temporales para que podamos observarlo de una forma pausada y meditativa, siguiendo una tradición milenaria que nos puede llevar desde construcciones primitivas como Stonehenge hasta los ultra modernos observatorios astronómicos. Su mayor proyecto hasta la fecha, el Roden Crater, fue creado partiendo del asesoramiento de científicos y astrónomos para destacar acontecimientos como solsticios o el paso de la luna.

image by rodencrater.com

John Edward Lautner fue un arquitecto americano que vivió y trabajó principalmente en el sur de California. Aprendiz de Frank Lloyd Wright, creó numerosos edificios – casi todos hogares privados- con una fuerte influencia del diseño espacial. Uno de sus trabajos más conocidos es The Chemosphere, situada cerca de las famosas colinas de Hollywood. Su forma recuerda a un ovni a punto de aterrizar (o despegar, según se mire) y está elevada sobre el suelo unos 9 metros. Sujeta por una gran columna de cemento, ésta fue la solución dada por el arquitecto a un terreno cuya inclinación, unos 45º, hacía prácticamente imposible construir en él. Aunque parezca poco estable, ha sobrevivido a terremotos y lluvias torrenciales. Está catalogada como monumento histórico-cultural y ha tenido varios dueños -alguno famoso, como Benedikt Taschen- y hasta algún trágico asesinato.

image by mcmdaily.com
image by mcmdaily.com

Les Palais Bulles (palacio de burbujas) fue construida posteriormente, pero bebe de las influencias que la space age dejó en el diseño, más si consideramos que fue la residencia preferida del diseñador de moda Pierre Cardin, muy aficionado a los diseños futuristas y excéntricos. Escenario de fiestas locas y extravagantes durante muchos años, ha sido restaurada recientemente respetando lo máximo posible su espíritu inicial. Creada por el arquitecto húngaro Antti Lovag en 1989, sigue su filosofía de que la arquitectura debía ser divertida, espontánea, llena de sorpresas y adaptada a las formas humanas, más curvas.

image by palaisbulles.com
image by palaisbulles.com

Arte


Aunque The Weather Project tiene unos años, su repercusión social y las lecturas que se le pueden sacar siguen siendo muy interesantes. En 2003 Olafur Eliasson y su equipo instalaron en la sala de turbinas de la Tate Modern, en Londres, una pantalla luminosa semicircular pegada al techo que estaba cubierto de espejos de aluminio. El efecto recuerda a un sol a punto de ocultarse en el horizonte, acrecentado por el uso de niebla artificial. Durante el tiempo que estuvo instalado la gente acudía a la sala para pasar el tiempo, tumbarse en el suelo o hacerse fotos, siendo una de las instalaciones artísticas que más eco tuvo tanto en los medios como entre los visitantes. El proyecto giraba entorno a la influencia que el clima tiene sobre nuestro carácter y percepciones.

image by www.olafureliasson.net
image by www.olafureliasson.net

image by rodencrater.com

La Universidad de Cambridge invitó el 17 de octubre de 2015 al artista Miguel Chevalier a crear, por primera vez en su historia, una instalación artística inmersiva en la capilla del King´s College. Con motivo de diferentes actos que buscaban recaudar fondos, diferentes personalidades del mundo de la ciencia y el arte hablaban en este espacio mientras sobre las paredes y cúpulas se proyectaban distintas imágenes. Especialmente bello es el momento en que, mientras Stephen Hawking hablaba, toda la capilla simulaba ser un baile de constelaciones y estrellas. Pocos escenarios tan impresionantes e incluso apropiados para algo así. Podrás verlo en este vídeo, a partir del minuto 3:00.

Miguel CHEVALIER Dear World… Yours, Cambridge from Claude Mossessian on Vimeo.

El fotógrafo español Joan Fontcuberta desarrolló en 1997 un proyecto fotográfico en el que hablaba de nuestra tendencia a creer todo lo que vemos y oímos (según la fuente) a través de la historia totalmente ficticia de un supuesto astronauta ruso (el mismo Fontcuberta) perdido en el espacio en extrañas circunstancias. La serie, llamada Sputnik, está formada por fotografías -algunas manipulaciones de fotografías antiguas- y falsos documentos, parodiando la mística política y popular rusa -que bien podía ser americana- que gusta de construir héroes a partir de sus astronautas.

image by angelsbarcelona.com
image by angelsbarcelona.com

La aproximación al tema del fotógrafo conceptual David Schermann es muy distinta, más cinematográfica y desde luego sin esa carga satírica y humorística. En ella, un solitario astronauta ruso y un tanto alien vaga en parajes naturales que mezclan elementos reconocibles con otros que nos resultan extraños e inquietantes, como el color rojizo. Realizadas en las montañas austriacas, muestran un escenario onírico y melancólico en el que no parece haber más vida que la del protagonista.

image by illusion.scene360.com
image by illusion.scene360.com

El artista austriaco Klaus Pinter tiene entre sus obras algunas que parecen jugar con los conceptos del espacio-tiempo, como si fuesen un agujero negro que hubiese decidido instalarse en un museo a distorsionar nuestras coordenadas espaciales. En otras, extrañas medusas sobredimensionadas que no parecen de este planeta flotan en el aire rodeándonos.

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image by www.fubiz.net

We Colonised the Moon es un colectivo artístico formado por Sue Corke (Londinense) y Hagen Betzwieser (alemán). Su trabajo gira en torno al absurdo y a nuestros más profundos terrores sobre el futuro, aunque desde un punto de vista irónico y sin dramas. Algunos de sus trabajos tratan de sintetizar el «olor de la luna», solucionar el problema de la basura espacial disfrazando los satélites de asteroides o construyen un solarium basado en la energía solar porque, total, el sol algún día se acabará. Vamos, que sentido del humor tienen de sobra.

WORKS 2010 – 2012 from Hagen Betzwieser on Vimeo.

Muchas religiones incluyen representaciones más o menos fidedignas del espacio y los planetas (principalmente la luna, el sol y las estrellas, los únicos claramente visibles y distinguibles a simple vista) dentro de sus representaciones y explicaciones sobre el origen del mundo. Una de las menos conocidas, al menos para un occidental como nosotros, son los mandalas, realizados con arenas de colores y mucha paciencia. Aunque su significado es complejo y posiblemente poco accesible para nosotros, parten de una visión esquematizada y muy bella del universo, de las fuerzas y energías que lo componen, aunque no en un sentido espacial. Y esa representación es tan fiel que, cuando el mandala se termina, se destruye. Como la energía y la materia, ya sabes: nada se crea ni se destruye, todo se transforma.

image by rincondeltibet.com
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El artista Michael Najjar está dedicado en cuerpo y alma al espacio, y no sólo en sentido figurado. Será uno de los primeros astronautas que viajen en las naves de Virgin Galactic cuando sean posibles, y seguramente será también el primer artista que visite el espacio. En su web podéis ver muchas fotografías y montajes de cualquier tema que tenga que ver con el espacio y con naves espaciales, entre otras razones porque tiene un acceso privilegiado a toda esta tecnología. Incluso ha decorado una suite del hotel Kameha Grand Zurich con una temática totalmente espacial. Es una aproximación artística interesante porque, al contrario que todas las que te he mostrado hasta ahora, parte de la realidad para crear su propuesta, no de la ciencia ficción. Su punto de vista tiene mucho de científico, pero también de filosófico.

image by www.michaelnajjar.com
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Image by www.frameweb.com
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Algunos artistas y diseñadores han optado por crear obras más amables e irónicas a través de una técnica tan manual como el collage. Son piezas que mezclan tópicas imágenes de los años 50 y 60 con otras de planetas o estrellas, con evidentes choques de escala que desafían nuestras percepciones (además de resultar bastante divertidas). Los ejemplos que te muestro son de Djuno Tomsni y de Trash Riot.

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image by djunotomsni.tumblr.com
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image by undermatic.com

Moda


Aunque pueda resultar chocante, el espacio y sobre todo el imaginario colectivo que la ciencia ficción sobre el tema nos ha dejado han influido en muchos creadores de moda. Desde los más experimentales hasta las firmas más clásicas, puedes encontrar muchos ejemplos sobre cómo los diseñadores se han visto influenciados por planetas, alienígenas y estrellas.

Y comienzo por mi admirado Alexander McQueen cuyos alucinados y geniales diseños parecían provenir de otro planeta, por no decir que de otra dimensión. En su colección de primavera de 2010 nos mostró una serie de vestidos que hubiesen sido la delicia de la novia del alien de Ridley Scott.

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Pero no es el único. Otros diseñadores, como Iris Van Herpen o Junya Watanabe tienen diseños inspirados en un futuro apocalíptico y espacial en el caso de la primera o naif y pop en el segundo.

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images by illusion.scene360.com

El diseñador Christopher Kane ha ido más allá y ha estampado imágenes realistas de galaxias y estrellas directamente sobre los tejidos. Una colección, la de primavera-verano 2011, de lo más galáctica.

image by http://www.sickchirpse.com/christopher-kane-resort-ing-to-the-high-street/
image by sickchirpse.com

No menos célebre es la colección de Valentino (aunque si posterior, de 2015), que estampó planetas, estrellas y constelaciones sobre vestidos, jerseys, faldas… son grafismos de cierto aire retro pero cargados de colorido y detalles muy cuidados.

image by vestirdesentido.com
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Es posible que te preguntes que si estamos hablando de moda inspirada en el espacio, lo lógico sería que también hubiese moda creada para el espacio… ¿verdad? pues existe. Dava Newman es una científico e ingeniera que trabaja en el MIT creando trajes espaciales que no limiten los movimientos y desplazamientos del astronauta, pensando sobre todo en los futuros viajes a Marte, donde será necesario algún que otro paseo por su superficie. Fruto de sus investigaciones nace el Bio-suit, un traje que comprime el cuerpo y le permite protegerse del entorno. Pero, y aquí viene lo curioso, también han sido diseñados para que fuesen interesantes desde el punto de vista del diseño. Más bien, para hacer que los astronautas parezcan super héroes y llamar la atención de la gente. Ya se sabe que la NASA y otras agencias espaciales andan preocupadas por el descenso del interés del público general en las aventuras espaciales (al menos, comparado con los años 60 del pasado siglo) y por los menguantes presupuestos, así que esta iniciativa no viene mal. Vía wired.com

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image by wired.com

Ya para terminar, te dejo con este vídeo que muestra distintas secuencias de observatorios y bóvedas celestes creado porThe Skyglow Project. Seguro que después de todo esto, tendrás material suficiente para soñar durante mucho, mucho tiempo… vía thekidshouldseethis.com

SKYGLOW: DISHDANCE from Sunchaser Pictures on Vimeo.

Folklore y modernidad

Folklore and traditional arts and crafts: a curated selection of projects regarding this topic.


Reconozco que tenía especiales ganas de abordar este artículo. Me interesan estos temas -el folklore, la artesanía tradicional, las culturas ancestrales- desde hace muchos años, aunque no con un matiz nostálgico o reivindicativo, si no más bien como fuente de inspiración e imaginación. El salto cultural y generacional es en la mayoría de los casos enorme, por lo que mi interpretación y la de cualquiera que no sea parte de esa cultura será sin duda alguna superficial y un poco frívola, pero este intercambio-contaminación cultural lleva sucediendo miles de años y ha difundido leyendas, artes y mitologías que se han sumado a las ya existentes, creando nuevos mitos y religiones. Lo que ahora hacemos, por tanto, no es tan distinto de lo que se hizo siempre: interpretar otras realidades y conocimientos, dándoles nueva vida al añadirlas a las nuestras propias.

Cambian, eso sí, los tiempos de producción. Pasamos de objetos hechos a mano a producirlos -aunque no siempre- industrialmente y a velocidades inconcebibles hace tan sólo unos años. El intercambio cultural es tan amplio y sucede a una velocidad tan vertiginosa que supone un importante esfuerzo consciente pararse a profundizar y darse tiempo para curiosear a fondo. Pero ésa sí es una gran ventaja de nuestro tiempo: el acceso a la información nunca ha sido tan universal y económico en toda la historia de la humanidad como lo es ahora. Podemos aprender sobre cultura japonesa sin poner el pie en Tokio, o inspirarnos en las máscaras de los nativos americanos sin perdernos en el desierto. No necesitamos disponer de grandes cantidades de tiempo y dinero para viajar, e incluso podemos conocer culturas que hace cientos o miles de años que desaparecieron.

Pero no es menos cierto que todo esta información se está perdiendo a pasos agigantados. No sólo porque lógicamente nuestra evolución como sociedad ha dejado de lado muchas de las costumbres y necesidades que daban sentido al uso diario de estos mitos o técnicas, si no más bien por nuestra dejadez y falta de interés a la hora de preservar y registrar todas esas manifestaciones culturales de cara al futuro. Y no sólo con un interés antropológico o histórico, también porque creo firmemente que son un recurso fantástico para la creación y la innovación. En España podrás encontrar una cantidad considerable de pequeños museos locales que malviven en la mayoría de los casos con colecciones dispersas, mejor o peor documentadas y mostradas, llevados a menudo por personas con una enorme pasión por la conservación del folklore tradicional. Si bien encontramos áreas en los museos de antropología dedicadas al folklore, suelen ser exposiciones un tanto apáticas que no ayudan a despertar interés en las nuevas generaciones. Echo de menos un punto de teatralidad e imaginación, necesarias para ayudarnos a entender cómo esas tradiciones -que ahora se os antojan fantasía pura y de las cuales apenas percibimos formas y diseños- formaban parte de la vida y creencias de las personas.

Creo que Alexander Girard expresó mejor que yo la importancia de preservar nuestro legado artístico, mitológico y artesanal no sólo por razones etnográficas o sentimentales, si no como inagotable fuente de inspiración para el futuro:

I believe we should preserve this evidence of the past, not as a pattern for sentimental imitation, but as nourishment for the creative spirit of the present.»

—Alexander Girard


Identidad, gráfico y packaging


Si hablamos de la influencia que tiene el folklore en el diseño tenemos que hablar de Alexander Girard, uno de los diseñadores más renombrados e influyentes del pasado siglo. Profundamente admirador y conocedor del folklore y el arte tradicional de muchos pueblos alrededor del mundo, Girard no sólo asimiló e incorporó lo aprendido en sus trabajos, si no que recopiló a lo largo de los años una de las mayores colecciones privadas de Folk Art del mundo, donándola en parte al Museo Internacional de Folk Art en Santa Fe, Nuevo Mexico.

Puedes leer un breve resumen de su trayectoria en la página que le ha dedicado Vitra con motivo de la exposición de parte de sus trabajos.

image by magazine.designbest.com
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image by www.vidivisuals.com
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Sanna Annukka es una diseñadora inglesa de ascendencia en parte finlandesa que pasó parte de su infancia en Finlandia, con su abuela y parte de la familia. La riqueza del folklore y las leyendas del lugar, sus colores y formas básicas, inspiraron profundamente a Sanna, que a partir de entonces las incorporó a su trabajo con un estilo muy personal pero completamente adaptado al gusto contemporáneo. Se dio a conocer gracias a la portada que creó para el album «Under the iron sea» de Keane. En la actualidad Trabaja para Marimekko y para su propia firma.

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image by www.happymundane.com

El Project K (The Korean Fil Festival) fue realizado en 2013 para dar a conocer el cine actual coreano en Frankfurt, Alemania. El diseñador Il-ho Jung fue el encargado de realizar el diseño de la identidad del evento y todas sus aplicaciones, para lo que se inspiró en el estilo Dancheong, una mezcla de patrones y tramas que suelen adornar los templos, además de en las máscaras tradicionales de su país, que fueron transformadas para reflejar momentos o personajes de las películas mostradas en el festival. El Dancheong se caracteriza por el uso de colores brillantes y complejas tramas y dibujos. En Wikipedia podéis ver ejemplos. Un trabajo muy interesante.

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images by www.il-ho.com

El diseñador guatemalteco Jorge Letona diseñó la tipografía Hunab-Ku con influencias mayas. Hunab-Ku significa «dios supremo». Por esas vueltas que da la vida, esta tipografía terminó siendo usada por la banda de rock americana Iron Maiden para su disco The Book of Souls, de 2015.

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images by Jorge Letona

 

Las marcas han sabido explotar muy bien la riqueza gráfica y simbólica del folklore especialmente en el diseño de envases y envoltorios, apropiándose con mayor o menor fortuna de sus signos, personajes, formas y colores. He seleccionado algunos ejemplos que he encontrado y que, bajo mi punto de vista, han conseguido incorporar esa estética con más elegancia o modernidad.

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Etiqueta creada por Shotopop para Johnnie Walker y basada en el folklore chino, mostrando el inmortal árbol de la luna y el conejo de jade. Enlazando la leyenda con el personaje de la marca, el caballero permanentemente en camino, incorporan el mensaje y valores de la historia original. Image by www.designweek.co.uk
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Es increíble que este proyecto sea obra de un estudiante y que no se haya sacado al mercado, porque me parece realmente interesante. Diseñado por Caleb Heisey, ilustra personajes y leyendas propios del folklore sueco. La intención era hacer el producto, un licor típico de la zona llamado akvavit, más comprensible para el mercado americano. Image by www.calebheisey.com
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Packaging realizado por Studio Parr para la marca de cervezas High Weald e inspirado en antiguas leyendas anglosajonas. Image by www.thedieline.com
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A la agencia canadiense Goods & Services no se le ocurrió mejor regalo que enviar a sus clientes por navidad que estas dos botellas de vino, especialmente creadas y diseñadas para la ocasión. La que contiene vino blanco nos muestra a Nicholas, personaje origen de Papá Noel, mientras que la otra contiene vino rojo y se cubre con el personaje de Krampus, que imagino no será tan buen tipo… image by www.packagingoftheworld.com
Diseñados por la agencia Big Fish para
Diseñados por la agencia Big Fish para la marca de tortas de arroz Kallo, muestran diferentes escenas o personajes inspirados en el folklore escandinavo. En este caso el diseño es mucho más contenido en color y en abundancia de gráficos y el resultado es sólo vagamente reconocible. Image by www.designweek.co.uk

Arte


El uso de técnicas tradicionales como el bordado o el tejido en el arte nos ha dado ejemplos muy interesantes de cómo podemos evolucionar y transformar nuestro legado, dotándolo de significados completamente distintos. Y son las mujeres las que, aprovechando la tradición casi exclusivamente femenina de muchas de esas técnicas, están creado las piezas más interesantes.

Buen ejemplo de ello la obra de la portuguesa Joana Vasconcelos, que descontextualiza y «pervierte» muchas de esas destrezas tradicionales como el ganchillo, creando monumentales, rupturistas y orgánicas instalaciones.

images by joanavasconcelos.com
Valkyrie Marina Rinaldi, 2014
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True faith, 2014 – images by joanavasconcelos.com

La artista peruana Ana Teresa Barboza reinventa las técnicas del bordado y la costura, sirviéndose de ellas como elementos pictóricos con los que construye paisajes desestructurados de ricas y expresivas texturas o escenas cotidianas vestidas con un halo de surrealismo.

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images by www.fubiz.net

Como ellos mismos se definen, Play Clan parte del folklore tradicional, reinterpretándolo desde una base contemporánea para crear colecciones de objetos y ropa con ilustraciones basadas en la mitología hindú.

image by www.fubiz.net
image by www.fubiz.net

Te recomiendo dos artículos si quieres profundizar en esta técnica: comienzo con este completo artículo de illusion.scene360.com «10 artist who contemporize the ancient craft of embroidery«, donde encontrarás una estupenda selección de artistas que trabajan con la técnica tradicional de bordado desde una perspectiva totalmente contemporánea. Y en «10 Contemporary embroidery artists» encontrarás alguna más en una web (Textileartist.org) que deberías guardar si te interesan este tipo de técnicas enfocadas al arte.

Pero no sólo del bordado viven las mujeres artistas interesadas en el folklore. La fotógrafa noruega Bjørg-Elise Tuppen se inspiró en la mitología y los paisajes de su país para crear la serie «Norway – The land of Myths and Folklore«, formada por etéreas y bellísimas composiciones.

image by Bjørg-Elise Tuppen
image by Bjørg-Elise Tuppen

Lore of the North es un proyecto fotográfico del estudio inglés Lord Whitney, capitaneado por Amy Lord y Rebekah Whitney. Volcado posteriormente en un libro homónimo, ofrece instantáneas inspiradas en el folklore del norte de Inglaterra aunque pasadas por un filtro de estilo muy personal que en ocasiones nos resulta casi cinematográfico. El libro no sólo ofrece una visión muy particular de estos mitos, si no que permite al lector desarrollar su propia historia y hacerla interactiva.

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images by lordwhitney.co.uk

Con un acercamiento similar, pero muy diferente en cuanto a las mitologías que lo inspiran y al estilo, creó el fotógrafo Charles Fréger su serie «Yokainoshima«. Profundamente inspirado en la mitología japonesa, las imágenes nos muestran distintos seres que habitan la naturaleza y vinculan a los habitantes con ella, concentrando este encuentro en festivales y festividades locales. Con una interpretación un tanto libre de esos mitos, el fotógrafo recoge todo lo visto y aprendido durante sus viajes por la zona, destacando la enorme influencia que aún tienen en la cultura japonesa actual. No dejéis de visitar su web, tiene trabajos muy interesantes. Via www.itsnicethat.com.

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images by www.charlesfreger.com

Moda


Que los elaborados bordados propios de la vestimenta tradicional de muchos pueblos tuviesen una amplia influencia en la moda era algo lógico y previsible, una suerte de evolución natural. Fuertemente cargados de simbolismo y connotaciones religiosas, históricas o relacionadas con el entorno natural, su rico imaginario es y ha sido fuente inagotable de inspiración -y apropiación- para los diseñadores de moda desde hace mucho tiempo. El que lo hagan con mayor o menor respeto y conocimiento es otro tema…

La firma Valentino, con los diseñadores Maria Grazia Chiuri y Pier Paolo Piccioli al frente del equipo creativo, ha construido un universo propio basado en buena medida en el folklore de diversos pueblos, sobre todo del este de Europa. Con sus delicados y etéreos vestidos y bordados han dotado de modernidad a un estilo que huye de lo hippie para convertirse en sensual e intelectual, revalorizando técnicas artesanales que estaban a punto de perderse para siempre.

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image by culturacolectiva.com
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image by www.blouinartinfo.com

Otro diseñador cuya trayectoria ha estado influenciada en ocasiones por el folklore es el belga Dries Van Noten. Las imágenes a continuación proceden de su colección de primavera verano de 2014.

images by thestylecrusader.com
images by thestylecrusader.com

Otro más de los maravillosos libros editados por Gestalten. En este caso, dedicado a la vestimenta tradicional del norte de Europa y acompañado de preciosas e impactantes fotografías.

Vlisco Fabrics es una curiosa mezcla entre empresa textil casi de lujo e institución dedicada a la conservación y comunicación de los diseños textiles tradicionales en África. Aunque no es una empresa africana, si no holandesa, los diseños son puramente africanos y tienen una enorme popularidad en el continente. Basados en tradiciones e historias a menudo familiares, cada diseño tiene vinculada su propia historia.

image by vlisco.com
image by vlisco.com

Increíbles y elaborados vestidos realizados en papel por la artista Asya Kozina, basados en el folklore indígena de Siberia. La artista tiene en su portfolio más ejemplos de interpretaciones bastante libres de trajes tradicionales en papel.

image by Asya Kozina
image by Asya Kozina

Diseño de producto y espacios


Ideado y construido para la Expo de Milán 2015, este pabellón para Ecuador fue diseñado por los españoles Zorrozua y Asociados en conjunción con KriskaDECOR, empresa especializada en el uso de cadenas metálicas de color para la decoración de interiores. El exterior del edificio, realizado con estas cadenas, está inspirado en los conocidos textiles ecuatorianos y en su riqueza de color y tramas.

image via www.frameweb.com
image via www.frameweb.com

Los hermanos Campana se han caracterizado desde sus comienzos por incorporar no tanto el folklore de su país, Brasil, como el estilo y la capacidad de invención de la gente de la calle. Consiguen así dotar de modernidad e interés objetos que, creados sin una perspectiva de diseño, podrían ser considerados burdos, toscos. Una de sus últimas colecciones es la llamada Cangaço, bandidos del pueblo que vivieron a finales del s XIX y principios del XX de los que la leyenda dice que, cual Robin Hood brasileño, robaban a los ricos para dárselo a los pobres. La realidad no siempre era tan amable, pero lo cierto es que dejaron un estilo propio fuertemente étnico y colorido en el que se han inspirado los Campana para esta colección, construida con pieles de colores cosidas, abalorios, etc.

image by dezeen.com
image by dezeen.com

Moroso es una de mis firmas de diseño de mobiliario preferidas, por lo creativas y originales que son sus piezas. Dentro de su catálogo tiene muchos ejemplos de diseños inspirados o influenciados por las tradiciones africanas, entre los que he seleccionado los siguientes:

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Diseños de Ayse Birsel & Bibi Seck, Tord Boontje, Patricia Urquiola y Sebastian Herkner. Image by www.moroso.it

Ettore Sottsass, uno de los diseñadores más conocidos del grupo Memphis, viajó a la India en numerosas ocasiones, enamorado del país y de su uso libre y desmesurado del color. Estos viajes y el contacto con su cultura tuvieron una enorme influencia en él y en sus diseños. Este interesante artículo de Architizer.com nos muestra la relación entre las casas de Tirunamavalai, situada al sur de la India, y los diseños de Ettore. Estos edificios, construidos alrededor de los años 40 del pasado siglo, se exhiben con una aparentemente disparatada mezcla de colores y formas, como si el art-deco y la psicodelia hubiesen pasado una loca noche juntos. En realidad ésa es más bien nuestra perspectiva como occidentales, porque esas elecciones de formas y colores no son arbitrarias para ellos y responden a un uso del color y las formas muy arraigado en la cultura india.

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images by architizer.com

Li Edelkoort, posiblemente una de las personalidades más influyentes a nivel internacional en el campo del diseño, comisarió una exposición en 2013 para la Design Indaba Expo denominada «Totemism: Memphis Meets Africa». Un título de lo más sugerente para una exposición que maridaba el diseño africano contemporáneo con su ancestral cultura. Te dejo un vídeo del evento:

Totemism: Memphis Meets Africa at Design Indaba Expo from Design Indaba on Vimeo.

El diseñador Bertjan Pot comenzó construyendo estas máscaras como un simple ejercicio de experimentación con materiales para la construcción de alfombras, cosiendo cuerdas de diferentes colores. Finalmente se dio cuenta de que para ese fin no servía, pero se les ocurrió crear con ellas divertidas máscaras que recuerdan al arte africano o indio americano.

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image by bertjanpot.nl

La diseñadora Patricia Urquiola tiene un estilo reconocible y al mismo tiempo difícil de clasificar. Rejuvenece técnicas, estilos y materiales propios de la artesanía de distintos pueblos, dándoles un aire fresco y femenino que resulta de lo más apetecible.

mesa y taburetes en madera, hechos a mano en colaboración con Mabeo, un fabricante de muebles de Botswana. Image by patriciaurquiola.com
Mesa y taburetes en madera hechos a mano en colaboración con Mabeo ( fabricante de muebles de Botswana) para la colección Sefefo. Image by patriciaurquiola.com
Parte de la colección Margas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero tamaños y diseños modernizados que invitan al disfrute y bueno, a abrazarlos :)
Alfombra que forma parte de la colección Mangas, creada para la editora española Gan, realizada con técnicas de punto tradicionales pero escala y diseño modernizados que invitan al disfrute y.. bueno, a abrazarlas. Image by patriciaurquiola.com

Un poco de información extra…


Vídeo del TED Institute.

Interesante vídeo del Museo Británico del Folklore para intentar salvar la institución de la desaparición, ya que no tiene ni siquiera edificio donde colocar su colección. Vía itsnicethat.com

Juego de adultos

Play for adults: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


No está bien visto que los adultos juguemos.

Jugar nos obliga a “soltarnos la melena”, a no tener miedo de hacer el ridículo, a olvidarnos de la competición y de los problemas más mundanos, a dejarnos llevar por la diversión y el disfrute libremente. A menos que se entienda dicho juego como una actividad con connotaciones sexuales -en cuyo caso tendremos otro escenario muy distinto- no se nos permite dar rienda suelta a nuestro instinto más aventurero y libre. 

Jugar parece sólo cosa de niños, quienes por otra parte cada vez sienten sus juegos más dirigidos y manipulados por nosotros, los adultos. El juego por sí solo no es suficiente, les decimos, tienes que aprender algo mientras tanto. Al final el juego se convierte en otra prueba más, en objetivos que hay que alcanzar, en algo que les hace sentir mal si no lo “hacen bien”. A nosotros, por otro lado, nos ofrecen guerras de paintball, destrozar coches de desguace o realizar actividades de “supervivencia” en el bosque con la cara pintada. Incluso existen piscinas de bolas para emborracharse mientras te pierdes en un mar de pelotas de colores. 

La aproximación de los diseñadores, artistas y expertos en creatividad al juego puede ser superficial o conceptual, lúdica o crítica. No hay un punto de vista único ni una tipología de productos clara, pero si mucha experimentación. La selección que he realizado es sólo una muestra de los muchos proyectos o diseños que podéis encontrar, os animo a buscar y no olvidéis compartir con todos vuestros hallazgos en los comentarios.

En realidad no creo que jugar sea una actividad concreta a realizar en un periodo determinado. Creo que el valor del juego va más allá, es una forma de ver la vida en la que lo inesperado y la aventura están presentes en cada minuto del día. Es darle un sentido lúdico a todo lo que hacemos y experimentar, ya sea con un objeto, una experiencia o una emoción.

«We don’t stop playing because we grow old; we grow old because we stop playing.»

George Bernard Shaw

¿Jugamos?…


El juego, los objetos y el espacio


The Kingdom

Oficinas realizadas por Adolfsson & Partners para la empresa de juegos King, inspirada en sus productos y personajes. Se me hace difícil creer que alguien pueda tener una discusión de trabajo muy seria en este entorno tan «juguetón» y naif. Puedes ver el proyecto completo www.adolfssonpartners.se.

image by www.adolfssonpartners.se

image by www.adolfssonpartners.se

image by www.adolfssonpartners.se
images by www.adolfssonpartners.se

The King Arthur

Mesa de reuniones diseñada por Duffy London, inspirada en la mítica mesa redonda de Arturo y los caballeros de la mesa redonda. Su forma promueve la participación e igualdad entre los participantes. Estoy segura de que las reuniones en una mesa como éste tienen que ser más creativas (y divertidas)… ¿no dicen acaso que el movimiento impulsa las ideas? no son pocos los ejemplos de creadores o pensadores que tienen las mejores ideas dando un paseo o haciendo ejercicio. Puedes ver los detalles -y comprarla si tu empresa tiene una economía saneada- en duffylondon.com.

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images by duffylondon.com

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Stuffed Toys Collection, por los Hermanos Campana

Los brasileños consiguieron repercusión mundial gracias a sus sillones y butacas realizadas con peluches cosidos entre sí a mano, en series limitadas y diversos materiales. Desde entonces han explotado el recurso con otros materiales y muebles  Puedes ver la serie completa en su web, campanas.com.br.

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images by campanas.com.br

Bourgie de Kartell, por Snarkitecture

De nuevo los neoyorkinos de Snarkitecture nos ofrecen un producto a medias entre el juego y la sorpresa. Homenaje a la lámpara Bourgie, diseño de Ferruccio Laviani, el diseño evoca el acto de tapar una lámpara con una tela para matizar su luz, aunque también nos recuerda a un fantasma… ¡¡buuu!!

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image by snarkitecture.com

Props, de Hella Jongerius

Proyecto experimental de creación de híbridos entre objetos de uso común y formas que nos recuerdan personajes famosos o animales. Hella trabajó en esta serie sobre los nuevos significados del concepto funcionalidad para la marca Vitra, en uno más de sus proyectos de investigación de formas y materiales en los que desarrolla todo su talento y experiencia (como el reciente estudio de color para Vitra).

www.jongeriuslab.com

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images by www.jongeriuslab.com

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Hi Life, por Matali Crasset

Una serie de hoteles diferente donde poder sentirse a gusto en un alojamiento sencillo, económico y ecológico, que invita a disfrutar la estancia de una forma relajada e informal. Matali siempre se ha caracterizado por tener un universo propio, muy reconocible, que provoca tantas adhesiones como extrañeza. Personalmente, es una de las diseñadoras a las que más admiro por esa capacidad para crear un lenguaje propio y coherente. Más info en  www.matalicrasset.com

HI-MATIC from Matali Crasset on Vimeo.

Sillas, sillones

Diversos diseños para sentarse, recogerse, trepar, disfrazarse, esconderse o inventar. O para lo que se ocurra…

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De izquierda a derecha y de arriba a abajo – clockwise from left top: serie UP, de Gaetano Pesce (image by bebitalia.com) – Blowing Series, por Seungjin Yang (image by www.seungjinyang.com) – Colección Gran Hotel, de Mariscal (image by www.mariscal.com) – Sketch, de JSPR (image by jspr.eu) – Vodo Masko, por A. Maggiar para TOG (image by www.togallcreatorstogether.com)

 

Sofá Nest, de Tjep
Sofá Nest, de Tjep
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Sketch Furniture Performance Design, por Front
Principessa day bed, por Doshi Levien
Principessa day bed, por Doshi Levien. Basada en el cuento de la princesa y el guisante.
Serie Mah Jong, de Roche Bobois. Ahora si podrás tirarte al suelo.
Serie Mah Jong, de Roche Bobois. Ahora si podrás tirarte al suelo.
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Cama o ring para conversaciones de Masanori Umeda’s ‘Tawaraya’ , puro estilo Menphis. Image by www.artnews.com
Attila y Napoleon, por Starck
Attila y Napoleon, por Starck

Otros objetos

Mariscal siempre se ha destacado por su espíritu juguetón y amable. En esta lámpara, más contenida de color que otros proyectos suyos -el diseño pide claramente el color negro- se conjugan ambas características. Seguro que es fácil cogerle cariño…

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Mr Light, de Mariscal

Son varios los diseñadores, ya desde mediados del siglo pasado, que han diseñado y construido juguetes o pequeños personajes que parecen vivir en un universo creado a imagen y semejanza del autor.

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Funny Farm, de Isidro Ferrer. Image by Contemporist.
Wooden dolls, de Alexander Girard
Wooden dolls, de Alexander Girard para Vitra. Image by Stardust

El juego irreverente


Alpha Pin ups, por Malika Favre

Malika es una artista francesa afincada en Londres. Éste es un proyecto tipográfico personal de carácter erótico que fue publicado en diversos magazines (Wallpaper, IdN) y que no es el único de estas características creados por la ilustradora. Podéis ver más en su web, e incluso creo que comprar el poster.

Image by Malika Favre
Image by Malika Favre

Florero Shiva, por Ettore Sottsass

Cuenta la historia que el maestro italiano se enamoró de una catalana, y fruto de aquel amor nació el irreverente y juguetón florero Shiva, para la editora Bdbarcelona. No sabemos si la historia es cierta o no, pero es evidente que Ettore tiene mucho sentido del humor… 🙂

image by www.1stdibs.com
image by www.1stdibs.com

The Guest, de Jaime Hayón para Lladró Atelier

Proyecto colaborativo entre Jaime Hayón y diversos artistas (Tim Biskup, Devilrobots, Gary Baseman. Rolitoland…) que intervienen y personalizan la figura inicial creada por él. Aunque el proyecto en sí no resultaría sorprendente en otras marcas más underground, para Lladró supone una incursión arriesgada y original en un estilo muy distinto al que nos tiene acostumbrados (pastorcillos y demás figuras un tanto kitsch para el gusto actual).

image by www.hayonstudio.com
image by www.hayonstudio.com

El juego y las sensaciones


The Beach

750.000 pelotas de plástico blanco reciclables inundaron el hall del National Building Museum en Washington en el verano de 2015. El estudio Snarkitecture construyó una playa artificial -que a ratos nos recuerda a una nube- en la que grandes y pequeños disfrutaron de una experiencia muy poco habitual en un museo. No sé si los museos son los emplazamientos ideales para este tipo de iniciativas, pero si creo firmemente que deberían hacerse más. No todos los días tengo la excusa perfecta para hacer el payaso y convertirlo en un acto cultural…

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Image by www.boredpanda.com
Image by Snarkitecture
Image by Snarkitecture

El parque tejido

La artista Toshiko Horiuchi MacAdam teje esculturas para jugar y experimentar. Realizadas totalmente a mano, terminar una puede llevarle meses, a veces incluso años. Influenciada por la obra de Gaudí, se inspira en los niños y sus juegos.

«All children can play together. They do not have to be athletic, but can still use their whole bodies for fun – laughing, giggling and screaming.  They have a great time together.
Often it is parents who are the problem. They seem to have forgotten what it was like to be a child.»

Extracto de la entrevista realizada para Archdaily. Puedes leerla completa aquí.

No sé tu, pero a mi me encantaría saltar en esta especie de tela de araña multicolor y sorprendente, ¿verdad?.

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Pin & Pop

Pseudónimo de la artista australiana Tanya Schultz, que crea oníricos y coloridos mundos en miniatura inspirados en los cuentos y en el concepto de paraíso. Sus esculturas e instalaciones están realizadas con azúcar, purpurina, caramelos, flores de plástico o cualquier otro elemento que llame su atención. Su arte recuerda a los mandalas realizados por los monjes tibetanos, efímeros e hipnóticos. Tan artificial como bello.

pin&pop.com.au

Image by Pip & Pop
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Winter Wonderland, de Tord Boontje Studio.

Creado por en colaboración con Swarovski y basado en los cuentos infantiles y las historias de aventuras. Instalación completa. Tord trabaja habitualmente con este tipo de ilustraciones y grafismos. Si os gusta esta instalación y queréis recrearla en vuestra casa, podréis tener algo parecido con sus lámparas.

image by tordboontje.com
image by tordboontje.com

El juego gráfico


Identidad para la peluquería Get Up Hair Stylist realizada por Alexis Romero Estudio. Las tarjetas se hacen y personalizan en el momento, con trozos de papel y los distintos sellos, jugando con los personajes y sus peinados. Ya me imagino a algunos clientes dudando de qué peluca quieren para su personaje…

image by alexisromeroestudio.eu
image by Alexis Romero Estudio

Cartel realizado para el Festival L´Arpentier por www.brestbrestbrest.fr en 2014. Unos sencillos trazos bastan para presentarnos unos personajes simpáticos y entrañables.

image by www.brestbrestbrest.fr
image by www.brestbrestbrest.fr

Imagen que componía una de las campañas realizadas por *S,C,P,F para Vueling. Las pequeñas nubes, que antes aparecían como dibujos planos en amarillos, blancos y negros, pasan a formar parte ahora del paisaje a una escala que invita a jugar e interactuar. No entiendo por qué toda esa gente no está saltando encima de la nube…

Campaña de *S,C,P,F para Vueling
Campaña de *S,C,P,F para Vueling

Identidad de marca realizada por Bibliothèque para Ollo. La imagen en sí es colorida y divertida, pero además en la web puedes jugar con el logo de una forma que resulta sorprendentemente adictiva. Espero que este juego no sea lo que justifique su forma, si no una entretenida ocurrencia que se les ocurrió después.

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Proyecto de branding de Bibliothèque para Ollo. Visita su web y juega con el logo.

¿Qué dicen los expertos sobre el juego?…



Play is more than just fun

Otra maravillosa charla más de TED, en este caso del Dr. Stuart Brown, director del instituto Nacional del Juego y especialista en el tema, que defiende las razones de la necesidad del juego adulto. En inglés, con subtítulos.

Tim Brown: Tales of creativity and play

Tim Brown, CEO de Ideo, nos habla aquí de la relación entre el juego y la creatividad, relacionando la capacidad de jugar libremente con la libertad de exponer nuestras ideas.

The Key to Happiness: A Taboo for Adults?

Interesante artículo de Joe Robinson sobre porqué los adultos necesitamos jugar, a pesar de que el juego no encaje en lo que entendemos por madurez. En inglés.

Por qué es tan importante que sigamos jugando cuando somos adultos

Con reflexiones similares a las del artículo de Joe Robinson, aunque -desde mi punto de vista- demasiado centrado en los videojuegos.

Color y transparencia

Transparency and color: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


No hay demasiados elementos en la naturaleza -al menos fácil de observar y comunes- que sean de colores transparentes. Quizás el arco iris fuese uno de los pocos que pudiesen ser observados en casi cualquier punto del globo, mientras hubiese humedad y sol. Las bellísimas auroras boreales son imposibles de ver si no vives muy al norte, y las piedras preciosas de color no suelen estar al alcance de cualquiera.

Quizás por esta razón no se empezase a trabajar la transparencia del color en el arte occidental hasta que la técnica de la veladura, en la que capas semi-transparentes de pintura se van añadiendo al cuadro, apareció en el Renacimiento, aunque ya antes las detalladas y complejas vidrieras de colores de las catedrales deslumbraban a quien pudiese contemplarlas. Desde entonces han aparecido técnicas y materiales diferentes, como las acuarelas. Pero no fue hasta que dominamos la luz de color que entendimos todas sus posibilidades creativas y apareció un nuevo mundo de posibilidades.

La mezcla del color y la transparencia sigue teniendo un aire de modernidad, de tecnología. Muchos de los proyectos que he seleccionado no hubiesen sido posibles hace 50 años. Las pantallas (de ordenador, de móvil, de TV) han invadido nuestras vidas con luces de colores. Nuestras casas tienen accesorios o muebles de cristal o vidrio de colores. Nos vestimos con ropa realizada con capas de tela translúcida de múltiples tonos.

Quizás sea el signo de los tiempos y la cada vez mayor inmaterialidad que rodea nuestras vidas influencie también al color con el que fabricamos nuestros objetos. ¿Tú que opinas?…


Arte


The Portrait Machine Proyect

Carlo Van de Roer es un artista neozelandés que vive en New York. Una de sus obras más conocidas es ésta, en la que fotografía diferentes personas con una cámara Polaroid modificada y conectada mediante sensores al sujeto, midiendo al mismo tiempo su campo electromagnético. Con esta herramienta, llamada coloquialmente como la cámara del aura, el artista consigue retratos cargados de belleza y poesía, en las que -supuestamente- los colores que rodean al retratado corresponden a su estado de ánimo.

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images by vanderoer.com

Your rainbow panorama

Es inevitable que Olafur Eliasson sea una fuente (casi) inagotable de posibles asociaciones. Su habilidad -y la del equipo que le acompaña- para imaginar y desarrollar proyectos con múltiples capas de significados y emociones es tan fructífera que son una constante fuente de inspiración para muchos, entre los que me incluyo.

En este proyecto, Your Rainbow Panorama, crearon un paseo circular y envuelto en colores para en la ciudad de Aarhus (Dinamarca). Como resultado de un concurso impulsado por el museo de arte de la ciudad, instalaron encima del edificio una estructura que permite un paseo continuo y contemplativo de la ciudad y el cielo. Los colores filtran las vistas, variando de tono según la zona de la ciudad que permitan ver.

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images by olafureliasson.net

Chromosaturation

Esta obra del artista franco-venezolano Carlos Cruz-Diez ha ido evolucionando con los años desde su primera instalación en 1965 en París. Dejemos que él mismo nos la explique:

Estas obras se relacionan con la idea de que en el origen de toda cultura reposa un acontecimiento primario como punto de partida. Una situación simple que genera todo un sistema de pensamiento, una sensibilidad, mitos, etc. La Chromosaturation es un ambiente artificial compuesto por tres cámaras de color, una roja, una verde y otra azul, que sumergen al visitante en una situación monocroma absoluta. Esta experiencia origina perturbaciones en la retina, habituada a percibir simultáneamente amplias gamas de colores. La Chromosaturation puede actuar como detonante activando en el espectador la noción del color en tanto que situación material, física, que sucede en el espacio sin la ayuda de la forma e incluso sin soporte alguno, independientemente de las convenciones culturales.

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image by www.hku.hk
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image by www.cruz-diez.com

De la gente de Raw Color citaremos dos trabajos, uno de gráfica (que encontrarás más abajo) y éste, The Fans. Esta instalación, sencilla pero efectiva, parte de un elemento -simples ventiladores- cuyas piezas son de colores sólidos, pero que gracias al movimiento se «transforman» en círculos de color vivo que dejan ver parcialmente lo que hay detrás.

The Fans – Installation from Raw Color on Vimeo.


Gráfica


Universo de Emociones

En este proyecto, creado conjuntamente entre varios autores (Eduard Punset, Rafael Bisquerra y el estudio de diseño Palau Gea), la ciencia y el diseño se unen para representar gráficamente un mapa de las emociones humanas. Mediante el uso del color y la transparencia se transmite no sólo el carácter de cada emoción, si no también su intensidad.

Se muestran las dos versiones del cartel realizado, de más antigua a más reciente.

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images by www.palaugea.com

Cartelería japonesa

Los diseñadores japoneses son maestros a la hora de crear estas mezclas tan interesantes y atrayentes con elementos abstractos y básicos. Es una de sus señas de identidad -y una habilidad que admiro profundamente-. Encontrarás numerosos ejemplos en los que el color, la luz y las superposiciones crean bellas y etéreas composiciones, éstos son sólo algunos ejemplos.

image by gurafiku.tumblr.com
Mitsuo Katsui – image by gurafiku.tumblr.com
unknown designer - image by mirror-site.org
unknown designer – image by mirror-site.org

Benevolent brand

Esta marca fue creada por Designworks para una de las organizaciones caritativas más antiguas de Australia, Benevolent Society. El objetivo era rejuvenecer y hacer relevante para la sociedad actual una institución con más de 200 años de antigüedad. Los colores representan sus principios y la superposición de los mismos, las ventajas que se obtienen cuando trabajan juntos. Todo el conjunto transmite juventud, alegría e integración, aunque cabe pensar porqué en varias de las aplicaciones las personas que aparecen están solas…

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image by www.designworks.com.au

Keukenconfessies es el nombre de un estudio de diseño especializado en comida que buscaba representar su trabajo mediante una identidad cambiante que reflejase su amor por la comida y los alimentos. El estudio Raw Color fue el encargado de desarrollar este proyecto, y el resultado es un muy amigable, divertido y con muchas combinaciones en el caso de algunas aplicaciones, como las tarjetas de visita, que pueden estamparse con diferentes sellos y colores que recuerdan ingredientes o platos.

image by www.rawcolor.nl
image by www.rawcolor.nl

Espacios y objetos


Los floreros de la marca japonesa D-Bros están realizados con diferentes plásticos. Son flexibles, moldeables, ligeros y económicos (y no se rompen al caer, aunque no te librarás de tener que recoger el agua…).

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images by db-shop.jp

Ventricle

Más jarrones, aunque en esta ocasión de carácter menos naif y más orgánico. La diseñadora Eva Milinkovic diseñó estos jarrones para la firma Tsunami Glassworks basándose en la belleza del corazón humano. Cada pieza es única y están realizadas a mano.

image by tsunamiglassworks.com
image by tsunamiglassworks.com

RGB Vase

Carlos Díez es un diseñador afincado en Londres que dirige un estudio homónimo en el que lo mismo diseñan muebles que carteles. Tras su experiencia trabajando para diseñadores como Matali Crasset o Ron Arad, creó su propio estudio en 2007, con clientes como MUJI, Hermès, o Veuve Cliquot.

Para este proyecto de edición limitada, un jarrón compuesto a su vez de otros tres, Carlos partió del sistema de color RGB, con el que se componen los colores primarios en la luz y por tanto en cualquier pantalla digital. Buscando lograr un tono de púrpura concreto, lo dividió en los tres valores RGB correspondientes con los que creó cada jarrón. Cuando los tres se colocan uno dentro del otro, muestran ese color púrpura al paso de la luz.

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images by hwww.oscar-diaz.net

Bolle

Aunque si hablamos de jarrones de cristal de color, no podemos dejar de citar los icónicos jarrones diseñados por Tapio Wirkkala en 1966. Más complejos técnicamente de lo que pudiera parecer a primera vista, están creados con la técnica del incalmo, que consiste en unir dos piezas de cristal distintas cuando aún están calientes. Ésta permite obtener piezas de colores definidos y totalmente separados.

image by venini.com
image by venini.com

Patricia Urquiola

Asturiana pero residente en Milán, tiene entre sus trabajos espléndidos ejemplos del juego que pueda dar el color y la transparencia. En los que he seleccionado la diseñadora trabaja con el efecto conseguido con la superposición de materiales translúcidos de fuertes colores o con materiales de colorido difuso y apariencia futurista y amable.

En su serie Tropicalia Patricia recrea la riqueza y exuberancia propios de los paisajes y fauna tropical. Aunque los materiales empleados son opacos o sólo ligeramente translúcidos, la superposición de las distintas cuerdas crea una trama de colores y tonos que deja entrever lo que está detrás.

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images by www.patriciaurquiola.com

En Shimmer, es el propio material el que incorpora la mezcla de tonos y colores. Las piezas (mesas, estanterías…) de apariencia mágica y delicada, fueron creadas para la marca Glas Italia y están realizadas en cristal con efecto iridisado, mostrando diferentes colores según el ángulo desde el que las miremos.

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Detail – image by www.designboom.com
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image by www.patriciaurquiola.com

No se puede decir que las chicas de Front Design, las suecas Sofia Lagerkvist y Anna Lindgren, hagan piezas aburridas o tópicas. En su lámpara experimental Surface Tension Lamp, son las pompas de jabón que van creándose y explotando las que forman la pantalla. Con una luz led, la lámpara permite crear hasta 3 millones de pompas diferentes a lo largo de su vida útil. Siempre tendrás una lámpara diferente… y como sé que tienes curiosidad por ver cómo funciona, en este vídeo podrás verlo.

image by www.frontdesign.se
image by www.frontdesign.se

Segmentation

El artista americano Jiyong Lee se inspiró en las células y el proceso de creación de organismos vivos a partir de la división de éstas. Las diferentes piezas de cristal forman objetos inspirados en células, estructuras moleculares o embriones. Sirviéndose de las propiedades del material (transparente o translúcido, de color o sin él) y de distintas técnicas según el objetivo, concibe piezas al mismo tiempo bellas y cargadas de connotaciones. Vía thisiscolossal.com.

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images by www.jiyongleeglass.com

D-Tower

El estudio de arquitectura y arte holandés NOX es una rara mezcla de arquitectura, experimentación, arte, emociones y belleza (según se definen ellos mismos). Para este proyecto, ubicado en la ciudad holandesa de Doetinchem, partieron de un soporte estructural (una torre de 12 metros de altura, de formas orgánicas y un tanto alienígenas) que modificaba los colores proyectados según los datos obtenidos a partir de encuestas y de una web, creada específicamente para el proyecto, en la que se preguntaba a los habitantes de la ciudad cómo se sentían. Hay cuatro sentimientos básicos: odio, amor, felicidad y miedo, que a su vez eran reflejados en cuatro colores distintos (verde, rojo, azul y amarillo). Todos los elementos estaban íntimamente comunicados. La unión de lo aparentemente íntimo (las emociones) y lo externo (la ciudad) se mostraba como una especie de «faro» que reflejaba las emociones de los habitantes de la ciudad.

image by people.ucsc.edu
image by people.ucsc.edu
image by unamaquinalectoradecontexto.wordpress.com
image by unamaquinalectoradecontexto.wordpress.com

La sombra

The shadow: a curated selection of projects that involves in some way this concept.


Las culturas occidentales relacionamos la sombra con lo oculto, donde se esconden los fantasmas y los monstruos, donde se agazapan las pesadillas. Quizás por razones geográficas y climáticas, en el norte de Europa aman la luz, los espacios blancos y etéreos, ambientes donde las pocas sombras que hallamos son en realidad tonos empolvados algo más oscuros.

Cuanto más nos acercamos al sur, al calor y al sol abrasador, es cuando la sombra y la oscuridad se hacen necesarias para subsistir. Necesitamos el frescor de las casas con ventanas estrechas y muros anchos, los patios estrechos, las horas del día que transcurren en una fresca e íntima penumbra.

Las culturas orientales, tan sensibles tradicionalmente hacia lo sutil y lo imperfecto, que huyen de lo obvio y ostentoso, adoraban esa frontera entre la luz y la oscuridad. Al menos, era lo que defendía  Junichiro Tanizaki en su conocida obra El Elogio de la sombra, escrita en 1933. Quizás sea difícil encajar esa imagen si pensamos en las caóticas y estridentes ciudades niponas con sus innumerables pantallas y anuncios de neón, pero es evidente viendo un templo o un objeto de laca antiguos que consiguieron obtener mucha más belleza que nosotros de la ausencia de luz artificial.

La sombra puede tener connotaciones anímicas también. Definimos una actitud sombría como triste y melancólica, estado que -a menos que vivas en el romanticismo del siglo XIX o pertenezcas a cierta tribu urbana- nos resulta incómodo y desagradable.

Pero la sombra puede indicar también tranquilidad, concentración, reflexión calmada. Un espacio, real o imaginado, donde la luz no nos deslumbre, pero tampoco nos acose la oscuridad. Donde encontremos paz y sosiego. En el que descubrir matices que pasan desapercibidos a la luz del día.

Así que adelante, da un paso hacia las sombras…


La sombra en el arte


Fabian Bürgy es un artista suizo que desarrolla sus obras en la frontera entre la escultura, el diseño y el arte digital. Sus obras conjugan aspectos tradicionales y tecnológicos, en un mix que combina el rigor conceptual con lo lúdico. A menudo juega con la percepción de formas y espacios en sus instalaciones, donde no siempre las cosas son lo que parecen.

The Hole - image by Fabian Bürgy
The Hole – image by Fabian Bürgy
Black cloud - image by Fabian Bürgy
Black cloud – image by Fabian Bürgy

Germaine Kruip es una artista holandesa que ha versado su trabajo, en gran parte, sobre la sombra. Entre sus piezas tiene varias en las que las sombras juegan un papel fundamental, en las que la misma luz proyecta sombras. En uno de sus trabajos, A possibility of an abstraction, diversas sobras son proyectas sobre el escenario de un teatro completamente vacío. En su web encontrarás más ejemplos de sus trabajos, aunque sospecho (no he tenido la suerte de ver ninguno en persona) que es imposible captar su efecto con sólo una imagen.

image by www.germainekruip.com

Kohei Nawa es un artista japonés afincado en Tokyo. Sus obras, con un fuerte componente tecnológico y futurista, juegan con la percepción y la distorsión de lo conocido. Es director del colectivo creativo Sandwich. En su obra «Foam», creada para la Aichi Triennale de 2013, desarrolló mediante «nubes» de espuma una parábola del comportamiento de las células. Jugando con las luces, las sombras y la casi total ausencia de color, el resultado es onírico y contemplativo.

Foam - image by kohei-nawa.net
Foam – image by kohei-nawa.net

The Weather Diaries es un proyecto realizado por las fotógrafas Sarah Cooper y Nina Gorfer, de Cooper & Gorfer, que trabajan desde Suecia y Berlin. Con motivo de la Nordic Fashion Biennale desarrollaron un proyecto complejo en el que el trabajo de los diseñadores de moda nórdicos se muestra en unas fotografías recargadas, barrocas y preciosistas donde nada se deja al azar y la puesta en escena es cuidadosamente preparada. La editorial Gestalten editó un libro sobre la muestra.

The Weather Diaries exhibition from Cooper & Gorfer on Vimeo.

Descension es una hiptnótica y un tanto angustiosa instalación del artista Anish Kapoor que, como sucede con la mayoría de sus piezas, es capaz de provocar ensimismamiento y abstracción en el espectador con unos pocos elementos básicos.

Si quieres conocer más de la obra de éste y otros muchos artistas, te recomiendo que visites la web de artsy.net, desde la que me han escrito muy amablemente para comentarme alguno de sus servicios y todo lo que su web puede ofrecer si te interesa el arte. Encontrarás datos sobre su biografía, exposiciones, obra, artistas relacionados, etc. (e incluso, si eres tremendamente afortunado, comprar alguna de sus obras).

A finales del verano de 2012, el ala dedicada al surrealismo de la Tate Modern apagaba sus luces y permitía el acceso de los visitantes iluminados solamente por sus lámparas Little Sun, en una colaboración entre el artista Olafur Eliasson y el museo. Las sombras entraban por fin en juego en un espacio, el museo de arte moderno, donde no suelen tener cabida a menos que la protección de las obras lo exija. La elección del tipo de arte tampoco es casual, y el surrealismo parece el movimiento perfecto para esa representación entre la luz y las sombras, lo visible y lo invisible.

image by olafureliasson.net
image by olafureliasson.net

Francisco de Zurbarán fue un pintor español del Siglo de Oro, coetáneo de Velázquez. Maestro del claroscuro, dominaba las sombras, su expresividad y efectos sobre los volúmenes. Sus obras, de marcado carácter espiritual, reflejan una interpretación mística e íntima de su religiosidad.

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San Francisco en meditación – image by en.wikipedia.org

Goya y las pinturas negras. Estas obras fueron realizadas en su casa la Quinta del Sordo en la última etapa de su vida, en la que la sordera y su vejez le aislaron de la mayor parte del mundo exterior. Son dramáticas, terribles, y muy expresivas. La sombra enfatiza la oscuridad de espíritu, la ignorancia, la crueldad y la brutalidad humanas.

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El aquelarre – image by en.wikipedia.org

Aunque Odilon Redon es posiblemente más conocido por sus obras rebosantes de color y luz, hubo una oscura etapa en su vida -marcada por las desgracias personales- en la que su obra gráfica y pictórica era casi en su totalidad negra, oscura.

The Eye - image by blogs.getty.edu
The Eye – image by blogs.getty.edu

Kumi Yamashita es una artista japonesa afincada en Nueva York que, mediante el uso de elementos tan simples como papel, alambres o basura y la luz, construye complejas y expresivas figuras.

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image by designboom.com

Nadav Kander es un fotógrafo de orígenes israelíes y sudafricanos. Colour fields es una serie donde la iluminación artificial de paisajes naturales crea atmósferas irreales, inquietantes y cargadas de misterio. Como si el peligro, lo insondable, estuviese sólo a un paso, acechándonos desde las sombras.

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images by http://www.nadavkander.com/

 


Sombra gráfica


No existen muchos ejemplos del uso de la sombra en el diseño gráfico, aún menos en el diseño de identidad. Sea porque la ambigüedad y ausencia de rotundidad y límites claros no encaja con las necesidades de las marcas actuales, que compiten en mercados donde a veces parece que el que más grite gana, lo cierto es que es un recurso que parece reservado a carteles o portadas de libros o discos.

Pero no tiene porqué ser así. El respetado diseñador Uwe Loesch diseñó en 2001 la identidad del Museum für Gegenwartskunst Siegen, situado en Alemania. Es una identidad escueta y formal, que gracias a la simplicidad y monocromatismo de su construcción consigue escapar de efectos fáciles y simplones. No es una identidad apta para cualquiera, desde luego, pero para un museo me parece muy apropiada. Elegante, cerebral y con misterio.

image by www.uweloesch.de
image by www.uweloesch.de

Malika Favré ilustró en 2015 estos posters para los premios Bafta, uno de ellos general y los demás alusivos a las cinco películas nominadas. La habilidad de la ilustradora para convertir las sombras en un personaje más, el que da sentido a la historia, es admirable.

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images by malikafavre.com

Sombra y espacio


TROOVE Salon es un salón de belleza ubicado en Tokio creado por Hiroyuki Miyake que refleja la sensibilidad nipona a los desastres padecidos después del terremoto y el tsunami de 2011, cuando muchos japoneses se quedaron sin luz o se les pidió que las apagaran. Aunque la estética tradicional japonesa hace un exquisito uso de la sombra y los materiales opacos, su evolución y la influencia occidental de los últimos años ha llevado a asociar lo japonés con la sobre-exposición lumínica, sobre todo en los espacios públicos. 

image by Frameweb.com
image by Frameweb.com

Imagen de eclipse solar total fotografiado en Australia el 13 de noviembre de 2012. Imagen de Romeo Durscher para la NASA.

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La sombra a escena


Lotte Reiniger, a la que recientemente Google dedicó uno de sus famosos doodles, fue una cineasta alemana aunque nacionalizada británica. Se especializó en el teatro de siluetas -a veces animadas-, donde la sombra proyectada por las mismas sobre una pantalla permite desarrollar las diversas historias. En 1926 creó «Las aventuras del príncipe Achmed», posiblemente su obra más conocida. En el siguiente documental se muestra su proceso de trabajo.

Representación de Miwa Matreyek para TED, en la la sombra de su cuerpo interactúa con las animaciones mostradas en la pantalla.

El director y escenógrafo italiano Fabrizio Montecchi es una de las figuras más renombradas a nivel mundial del llamado teatro de las sombras. Actualmente vive y trabaja en Piacenza para el teatro Gioco Vita, con el cual desarrolla la mayor parte de sus obras. En esta pieza «Sogno di una notte di mezza estate», con música de Félix Mendelssohn-Bartholdy, las sombras complementan el movimiento de los actores en escena.


Sobre la sombra


Alegoría o mito de la caverna

En la considerada la más célebre alegoría de la historia de la filosofía, obra de Platón, las sombras tienen un importante papel.

Light Matters: Louis Kahn and the Power of Shadow.

Ensayo de Thomas Schielke sobre la obra del arquitecto Louis Kahn y su uso de la luz y la sombra.

¿Por qué la sombra?

Artículo de, fotógrafo Alois Glogar sobre el efecto de la sombra en la fotografía.

Ciudades sombra

Un vídeo de TED que nos muestra la charla que dio Robert Neuwirth sobre las «ciudades sombra» (basada en su libro Shadow Cities: A Billion Squatters, a New Urban World) esas áreas que crecen a gran velocidad en los límites de las grandes ciudades, especialmente en el tercer mundo. Donde los más pobres, los que «no existen», malviven y crean su propia economía y sus propias normas. Una realidad en la sombra, la menos para los demás.